Procesión de campesinas

 

Procesión de campesinas

Artista: Jan Rembowski

Polonia, 1912

Título original: Pochód góralek

Museo: Museo Nacional de Cracovia, Cracovia (Polonia)

Técnica: Temple (190 x 157 cm.)

El modernismo polaco mostraba a sus gentes y sus tradiciones.

¿Qué pasó a finales del XIX y principios del XX para que toda la juventud de Europa (y el mundo) se contagiara del modernismo?

Durante esa belle époque había una evidente intención de crear un arte nuevo, fresco, joven, libre… y sobre todo moderno. Un arte totalmente inspirado en la naturaleza y sus formas (de ahí que no predominara precisamente la línea recta y la asimetría) pero a la vez relacionado con las nuevas técnicas y conceptos que habían nacido junto a la revolución industrial, sin renunciar, eso sí, al modo de hacer artesanal.

Para ello había que hacer una cosa revolucionaria: democratizar la belleza. Hacer que este arte llegara a todos, desde las fachadas de los edificios de las grandes ciudades a los anuncios de un periódico. De las joyas o los muebles a las farolas o las tumbas de un cementerio.

Por eso el Art Nouveau, o la Joven Polonia, que viene a ser el modernismo polaco, tienen esa estilización frente a la representación realista, esa preferencia por lo femenino, por la sensualidad y la complacencia de los sentidos…

Un arte moderno que a la vez respetaba la tradición, porque la tradición siempre es moderna.

Es el caso de estas campesinas polacas, en armonía con la naturaleza, con estampados en sus vestidos tradicionales que se camuflan con el paisaje. Dos jóvenes polacas que dialogan estéticamente con esas dos delicadas flores.

Abierta la votación Cartel Vaquilla 2023

 

Votacion popular para el Cartel Vaquilla 2023

Fuente: Fiestas de la Vaquilla

Preseleccionados diez carteles para la Vaquilla y ahora se puede votar hasta el 9 de abril

A la primera criba se han presentado 70 trabajos

Este viernes se han seleccionado los 10 carteles finalistas entre los 70 trabajos presentados para elegir el cartel anunciador de las próximas Fiestas de la Vaquilla del Ángel. A partir de ahora serán los ciudadanos mediante votación popular quienes elijan el cartel ganador.

Cada persona puede votar a un único cartel en cartelvaquilla.teruel.es, finalizando el plazo el domingo 9 de abril a las 24 horas. Pocos días después se dará a conocer el cartel ganador.

Tanto la alcaldesa, Emma Buj, como el concejal de Fiestas, Javier Domingo, y Ana Macipe, presidenta de Interpeñas, han agradecido la participación de las personas que han presentado sus diseños y han animado a los ciudadanos a votar al que más les guste para seleccionar entre todos la imagen que anunciará las próximas Fiestas de la Vaquilla del Ángel.

En cuanto a la procedencia de las propuestas presentadas, el 35% son de Teruel, el 11,5% del resto de Aragón y el mismo porcentaje de la comunidad valenciana. Se han recibido carteles desde 15 comunidades autónomas.

En 2022 se presentaron 71 propuestas y participaron en la votación para elegir el cartel ganador 2.346 personas.

El diseñador del cartel ganador recibirá un premio de 1.000 euros y se editarán 2.500 ejemplares.

El Santuario Taro Inari En Los Campos De Arroz En Asakusa

 

The Taro Inari Shrine In The Rice Fields At Asakusa (1877 - 1882)

El Santuario Taro Inari En Los Campos De Arroz En Asakusa (1877 - 1882)

Kobayashi Kiyochika

Japonés, 1847-1915

Kobayashi Kiyochika fue un artista japonés de ukiyo-e, mejor conocido por sus grabados en madera en color de ukiyo-e e ilustraciones de periódicos. Su trabajo documenta la rápida modernización y occidentalización que experimentaron los japoneses durante el período Meiji (1868-1912) y emplea un sentido de luces y sombras llamado kōsen-ga [ja] inspirado en las técnicas del arte occidental.

Su trabajo encontró audiencia por primera vez en la década de 1870 con grabados de edificios de ladrillo rojo y trenes que habían proliferado después de la Restauración Meiji; sus grabados de la Primera Guerra Sino-Japonesa de 1894-1895 también fueron populares. La impresión en madera cayó en desgracia durante este período, y muchos coleccionistas consideran que el trabajo de Kobayashi es el último ejemplo significativo de ukiyo-e.

En los días de Safo

 

En los días de Safo

Artista: John William Godward

Reino Unido, 1904

Título original: In the days of Sappho

Museo: J. Paul Getty Museum, Los Ángeles (Estados Unidos)

Técnica: Óleo (58,4 x 73,7 cm.)

Retratos clásicos de Safo y Homero.

Una de las obras más influyentes e importantes de Godward fue sin duda el retrato de Safo y el legado literario que representa el conjunto del cuadro junto a la escultura Homero.

Godward definió con exactitud el atuendo, el peinado clásico y los elementos del mundo antiguo.

Esta obra está ejecutada en formato horizontal y dividida en tres planos bien definidos: En el centro del banco podemos apreciar a una bella mujer vestida con una túnica vaporosa semitransparente de seda, cuyos rasgos faciales son similares al conocido fresco pompeyano realizado en el siglo IV entre el 55–79 d. C. Godward pudo inspirarse en él aunque tenía las hermanas Peetigrew como modelos que definían su ideal clásico y le acompañaban de manera recuerrente en sus pinturas.

La figura de Safo define el concepto del safismo o lesbianismo en la antiguedad y fue considerada por Platón como la décima musa. Hoy en día su figura es considerada un referente y una fuente de inspiración para muchos autores coetáneos y posteriores.

En esta obra, la poetisa Safo dibujada con precisión fotográfica le acompaña un espléndido paisaje costero que favorece la dinámica cromática. La bella dama ladea su cabeza para mirar de frente al espectador con aire pensativo y se muestra ensimismada en su mundo.

Godward se inspiró en la temática grecorromana bajo la influencia del Neoclasicismo y adoptó un arquetipo de mujer con tonos vibrantes y brillantes del prerrafaelismo.

La orilla del río (Ofelia)

 

La orilla del río (Ofelia)A

Artista: David Inshaw

Reino Unido, 1980
https://www.davidinshaw.net/index.html

Título original: The River Bank (Ophelia)
Museo: Victoria Art Gallery, Bath (Reino Unido)
Técnica: Óleo (137,2 x W 122 cm.)

Algo huele a podrido en Inglaterra.

La comunidad artística inglesa de la Hermandad de Ruralistas hizo una exposición para interpretar cada uno a su manera el Hamlet de William Shakespeare. El miembro fundador del grupo, David Inshaw, optó —con su inconfundible estilo— por esta escena de una mujer ahogada a la orilla del río. Se trata, como todos supondréis, de Ofelia, la enamorada del príncipe Hamlet, que enloquecida acaba muerta en el río (ya habíamos visto la escena desde otros puntos de vista, sobre todo desde la óptica prerrafaelita).

Ofelia

Artista: John Everett Millais

Reino Unido, 1852

Ofelia

Artista: John William Waterhouse

Reino Unido, 1889

Inshaw lo lleva todo a un jardín típicamente inglés, y vemos a una mujer que yace ahogada y a otra que sale corriendo, sosteniendo su sombrero rojo de ala ancha con ambas manos, quizás Gertrudis que descubre el cadáver de Ofelia, o hay quien lo interpreta como la propia Ofelia duplicada (las dos tienen un vestido muy parecido), y así Inshaw la muestra tanto en el pasado como en el presente (contemplando el suicidio y alcanzándolo)

Un cuadro en el que hasta se respiran los matices naif de un Rousseau. Inshaw sigue fiel a su estilo: figurativo, tradicional y jodidamente inglés, un realismo que paradójicamente roza el surrealismo con ese extraño costumbrismo bucólico. Como un ambiente sosegado en el que se oculta algo amenazador y trágico.

Y otra cosa que no puede faltar en un cuadro de David Inshaw es la hierba, elemento casi omnipresente en la obra de este artista.

Músicos ciegos

 

Músicos ciegos

Artista: Vilmos Aba-Novák

Hungría, 1932

Título original: Vak muzsikusok

Colección particular

Técnica: Óleo (90 x 110 cm.)

Pintura sin jerarquía.

Vilmos Aba-Novák fue el introductor del arte moderno en Hungría. Su estilo expresionista es muy característico, tanto por sus temáticas —escenas tomadas de calles, bares, mercados y circos de su tierra, con gentes disfrutando de sus momentos de ocio—, como por su técnica, inconfundible por esa paleta de colores oscuros y algunos toques explícitos de color puro aquí y allá.

En este ejemplo, el artista magiar nos presenta a dos ciegos —dos músicos según el título, aunque no se ven instrumentos de música por ningún lado—, que parecen como si fueran duplicados uno de otro. Una repetición que da una especie de extraño ritmo a la composición. Quizás son gemelos… Aba-Novák no explica demasiado la historia de estos dos, salvo que están comiendo, a lo mejor en el descanso de un concierto.

Por ahí andan también un perro, quizás suplicando su ración de comida, y un gato al fondo, que nos mira con dos ojos iluminados como pequeñas bombillas. Y hay cacharros por todas partes: jarras, vasos, botellas… rodean a los dos músicos ciegos.

Llama la atención una cosa del arte de Vilmos Aba-Novák, y es que en pinturas como esta parece tratar a todos los elementos de la misma manera: animales, personas y cosas son consideradas iguales a un nivel pictórico.

Silla en Taquile

 

Título: Silla en Taquile, Taquile, Perú

Colección: Essex Collection of Art from Latin America

Artista: Paloma Crousillat

Donante: Paloma Crousillat

Fecha de creación: 1983

Tipo: Pintura

Número de identificación Adhesión actual 489

Medidas: 176 x 270 cm

Descripcion: 

Paloma Crousillat ha comentado que esta silla y este edificio no son representaciones directas, sino que pretenden reflejar el paisaje de un lugar concreto. De una escala impresionantemente grande, Silla en Taquile muestra una silla de color rosa brillante colocada frente a una vivienda típica del área de Cusco en Perú.

Una imagen serigrafiada repetitivamente domina la superficie del lienzo, interactuando con las capas de pintura que representan el edificio y la silla. 378 unidades individuales de serigrafía trabajan con y contra las capas pintadas, dando a la pintura final una sensación de hábil construcción. Estas capas no se construyen simplemente una encima de la otra, sino que se reproducen hacia adelante y hacia atrás entre sí, lo que hace que las capas parezcan muy sensibles entre sí.

La imagen serigrafiada representa una estatua religiosa (exhibida en la Catedral de Cusco, Perú) conocida como 'Senõr de los Temblores' o 'Señor de los Terremotos'. Esta estatua tiene una historia interesante. Se creía que se había hecho en España y que se había enviado a Cusco como regalo, pero luego se descubrió que se originó en Perú. Así, el uso de 'Temblores' en la pintura se convierte en una poderosa metáfora de la historia de un área donde los indígenas incas y los invasores españoles construyeron simbióticamente uno sobre el otro, como las capas en la pintura de Crousillat. Aunque esta superposición de culturas es muy evidente físicamente en esta zona, donde la arquitectura europea se construyó sobre capas existentes de mampostería incaica, las imágenes de Crousillat reflejan su visión del mundo, y no solo sus sentimientos hacia el Perú.

Rebecca Wills

Biografia

Pintor, artista multimedia

Paloma Crousillat nació en Lima, Perú; su padre es peruano (de extracción francesa y española) y Crousillat describe a su madre como '... inglesa, nacida en Argentina'. Crousillat insiste en que la identidad nacional es irrelevante en el arte latinoamericano, pero está de acuerdo en que su propia percepción de falta de identidad afecta la forma en que experimenta el mundo. En 1987 su familia se fue de Perú, mudanza principalmente debido al ambiente peligroso creado por grupos terroristas de extrema izquierda. La familia se mudó a Washington DC y Paloma pasó directamente de su diploma de escuela secundaria a la Slade School of Fine Art en Inglaterra, donde se graduó en 2002.

Crousillat estuvo expuesta a una variedad de estilos de arte a medida que crecía y ha declarado que tanto sus padres como su país de nacimiento han tenido un papel inspirador en su práctica. Como artista, su punto de vista se inspira en la sorprendente yuxtaposición de lenguajes visuales: "rico y pobre, occidental y no occidental, capitalista y en vías de desarrollo". En términos de este contraste se refiere a la cultura andina, el catolicismo y el consumismo occidental; ella ha utilizado los términos de Baudrillard (Figuras de lo transpolítico, 1990) para describir estas diferencias violentas, donde bajo la tensión del contraste extremo, las imágenes se despojan de su significado original.

La base de su lenguaje visual es una visión que aboga por la construcción de nuevas fantasías en el lugar de una realidad destruida por la inequidad paralizante. Por lo tanto, su trabajo no es una descripción negativa; es una oportunidad para deconstruir viejos significados y reconstruir nuevas fantasías, un nuevo lugar que ella denomina 'épico-fabuloso'.

Crousillat actualmente reside en Nueva York y trabaja no solo como pintor sino también en instalaciones específicas del sitio que incluyen pintura, fotografía, video, danza, performance y situaciones.

Rebecca Wills

Exhibition

’Latin American Art: Contexts and Accomplices’, Sainsbury Centre for Visual Arts, University of East Anglia, Norwich, NR4 7TJ, 27/01/2004 -