Orfeó en los infiernos

 

Orfeó en los infiernos.

Jan Bruegel de Velours

1594-1600

Óleo sobre cobre

26x35 cm

Palazzo Pitti, Gallería Palatina, Florencia

Jan Bruegel de Velours (1568 1625) hora 100 Bruselas y decidió las primeras elecciones de pintura de su abuela, especialista miniaturas. Hijo de Pieter Bruegel el Viejo se sólida llamar tu Bruegel de Terciopelo por lo de aterciopelado de sus pinturas, o Bruegel de las Flores por sus bodegones . En este último género fue una de los grandes especialistas de su época, que también pinto paisajes de alegoría. Su obra se caracteriza por las intensidad de los colores, apreciable en este imagen, y por abundancia y exquisitez de los detalles. Al principios de su carrera viajo a Italia y colonia, pero en 1597 ya estaba instalado en Amberes donde gozo de gran éxito y fue nombrado pintor de la corte del archiduque Alberto y la infanta Isabel (de ahí sí fue frecuentes viajes a la corte de Bruselas). También en amigo de Rubens, con quién colaboró a menudo (Rubén pintabs las figuras y Bruegel se centra en los paisajes ). Orfeo en los infiernos muestra a Jan Bruegel de Velours en su apogeo artístico . Es este cuadro que se clava en la retina, de una textura cómo de piedras preciosas, mecla de colores opulentos con riqueza tanto de detalles como de movimiento . Orfeo que ha bajado a los infiernos para rescatar a su mujer, aparece de izquierda de la composición tañendo el arpa para calmar a los animales fantásticos que pueblan el infierno . La Oscuridad bulle con todo tipo de seres al acecho. Los tonos verdosos acentúa en el efecto general de las profundidades infernales, representadas son dramatismo singular. El estilo de Bruegel de Velours fue muy copiado en su época, y su influencia se observa especialmente en donde sus hijos Jan II y Ambrosius.

Milagro de la Cruz junto al puente de San Lorenzo

 

Milagro de la Cruz junto al puente de San Lorenzo. 

Gentile bellini. 1500

Temple u óleo sobre lienzo

323 x 430 cm

Gallerie dell'Accademia, Venecia

Aunque su fama no haya perdurado tanto como la de su hermano giovani Gentile Bellini, (1.429 1.507) fue el artista más reconocido de la Venecia de su época. Esta pintura fue un encargo de la escuela grande de San Giovanni evangelista para adornar la sala mayor de su sede. La scuole eran hermandades formadas por con fines religiosos o de asistencia a los gremios, cuyo papel civil fue importantísimo. Esta pintura de gran formato representa una de las procesiones anuales de la institución, en que su más preciada pertenencia, una reliquia de la Vera Cruz, fue transportada desde la escuela hasta la iglesia de San Lorenzo. Según la leyenda, el relicario se cayó a un canal, y mientras varios miembros de la hermandad se tiraban al agua para rescatarlo se elevó por encima del canal y no permitió que nadie lo tocase hasta que se acercó el gran guardián de la scuola, Andrea Vendramin. Es el personaje que aparece en el agua, muy en primer plano, con una túnica blanca, cogiendo el relicario de oro y cristal en forma de cruz. Aunque se trate de una escena multidinaria, el efecto y el ambiente general de la pintura son de orden y reverencia. La tela ofrece una vista panorámica de Venecia pintada con fidelidad documental y llena de simpáticos detalles, como el gondolero que se quita el sombrero ante la sorpresa. Delante, arrodillado sobre una plataforma de madera, vemos a Caterina Cornaro, reina de Chipre (izquierda) y a un grupo de hombres que han sido identificados como Gentile Bellini, su padre, su hermano y su cuñado, todos ellos artistas de renombre.

1956 Magdolna Ben

 

1956 

Magdolna Ben 1988

Óleo sobre lienzo

Colección particular

Los cuadros de Magdolns Ban (hungría 1940) la han consolidado como artista. Ban, a afincada en Suiza, suele inspirarse para realizadar sus cuadros en el mundo idealizado y hermoso de su infancia en Hungría. Sus primeras obras estaban influidas por el arte naif, pero muy pronto desarrolló un estilo propio casi etéreo utilizando colores fuertes y vibrantes inspirándose en temas y técnicas surrealistas. La temática y títulos de sus cuadros, como Venta de árboles, de Navidad Reyes Magos o Niña en el árbol de las ensoñaciones suelen evocar un mundo que ha desaparecido hace mucho ogro únicamente existe la imaginación de la pintora. 1956 tiene casi un aire oriental e invoca la obra de numerosos artistas japoneses del pasado. Los grises azulados y los amarillos que presiden el cielo y también resuenan en el agua, el verde de las colinas en onduladas y la infinidad de cigüeñas que observan algo en la lejanía contribuyen a producir una sensación en apariencia serena pero también mística. No obstante, al examinar el lienzo con mayor determinación el espectador aprecia el alambre de espino que sesgada la composición y percibe que esas criaturas del cielo con aspecto de aves son en realidad personas en busca de libertad. El título nos da cierta idea del tema, ya que en 1956 fue el año en que tuvo lugar la revolución húngara, un levantamiento que los rusos ovocaron con brutalidad. Millares de húngaros huyeron de su país y buscaron refugio en otras naciones, y muchos de ellos solo pudieron regresar a un río tras el fin del régimen comunista al principio de la década de 1990.

1943-1945 (St. Ives, Coutnualles)

 

1943-1945 (St. Ives, Coutnualles)

Ben Nicholson

1943-45

Óleo y lápiz sobre tabla

40x50 cm

Tetr Collection, Londres

Poco antes del estallido de la segunda guerra mundial, el artista inglés Ben Nicholson (1894 1982) se trasladó a un pequeño puerto pesquero de cornualles llamado St. Yves. Sus naturalezas muertas y relieves geométricos de inspiración cubista le habían granjeado el éxito, y a finales de la década de 1930 era una figura de destacada del arte europeo de vanguardia. Esa década había sido testigo de que su obra se iba haciendo cada vez más abstracta, pero el hecho de que se mudara la costa provocó otro cambio de dirección, pues Nicholson volvió a centrarse en el paisaje inglés. Era un tema más lucrativo, sobre todo en una época de elevado patriotismo de aislamiento del mundo del arte europeo. La transparente luz de Cornualles, la geometría de las casas achatadas de los pescadores y los colores tomados en bloques del mar y la arena se convirtieron en su ambiente de trabajo. En este cuadro, de una serie que empezó en 1939, una escena portuaria de barcos y tejados se ve a través de una naturaleza muerta dispuesta sobre el ante pecho de una ventana. Las formas geométricas encarnan su fascinación por la colocación de los objetos en el espacio, al tiempo que demuestran su interés por el arte naif y primitivo. Terminada en 1945 la obra incluye una Unión Jack en primer plano. En principio una celebración del Día de la Victoria, la bandera insinúa la nueva era de optimismo que seguirá al final de la guerra. Si bien influido por Picasso Mondrian Rousseau y otras figuras destacadas del arte europeo, Nicholson encontró su propio estilo. También se dedicó a fomentar las vocación de artistas emergentes del periodo.

Christine de Pizán

 

Christine de Pizán

Anónimo 1410-1411

Tinta sobre pergamino

146 x 179 cm

British Library, Londres

Christine de Pizán (364-1430) fue la primera escritora profesional de Europea. Nacida en Venecia y educada en Francia enviudó a los veinticinco años y empezó a escribir para ganarse la vida. Autora prolífica, escribió poesía, prosa, comentarios políticos y crítica literaria. Es más conocida por su libro "el libro de la ciudad de las damas" y  por su respuesta a la misoginia del romance de la rosa de Jean de Muen, que impulsó la querelle de femes, la larga discusión sobre el papel de la mujer en la sociedad. En este cuadro, Pizán presenta su libro a Isabel de Baviera, reina de Francia, rodeada por las damas de la corte. El artista, un maestro del taller de la ciudad de las Damas, permite al espectador adentrarse en lo que aparece el espacio privado del dormitorio de la reina, pintado con alegres colores. Isabel (1370-1435) era la esposa de Carlos VI, y desempeñó un papel prominente en el asunto en los asuntos políticos debido a la frecuentes ataques de locura de su marido. Reina poco popular en una época difícil, fue, sin embargo, una generosa mecenas de las artes y apoyó a Christine. Siglos después, la obra de cristín de pizán continúa influyendo en el pensamiento feminista.

Mural de Jackson Pollock

 

Mural

Artista: Jackson Pollock

Estados Unidos, 1943

Museo: Universidad de Iowa, Iowa (Estados Unidos)

Técnica: Acrílico Óleo (605 x 247 cm.)

Regalo de Peggy Guggenheim a la Universidad.

La etapa pre-action painting de Pollock

En la escena neoyorkina de los tempranos años 40, la figura de Peggy Guggenheim fue determinante para la visibilidad de las producciones vanguardistas del momento. Por recomendación de los ya consolidados Duchamp y Mondrian, ésta dará comienzo al mecenazgo determinante que impulsará la carrera artística de Jackson Pollock (1912– 1956).

Las dimensiones del lienzo que nos ocupa se deben a las características del primer lugar de exposición para el que se concibe: el muro de entrada de la casa de Peggy, quien realiza este encargo al joven artista y concreta los detalles para su realización. Consciente de la importancia que ello suponía, Pollock pondrá en este trabajo una carga de energía considerablemente elevada, tanto en el acto mismo de ejecución como en las reflexiones compositivas de la obra.

Se cree con certeza que, en la fecha señalada, Pollock ya conocía la fotografía de acción de finales del siglo XIX y principios del XX, por lo que esta técnica influye de manera evidente en Mural (1943). Además, conviene señalar que aún no había desarrollado el estilo de action painting que posteriormente le encumbraría como gran representante del expresionismo abstracto estadounidense.

Estudios recientes han determinado que la paleta de colores empleada para este cuadro oscila entre veinticinco y veintiséis tonos diferentes, aplicados en capas superpuestas de pintura con una pincelada ágil y volátil que cubre casi la totalidad del lienzo. Todo ello, se alterna con pequeños espacios vacíos de material pictórico donde la tela desnuda conforma las zonas de reposo.

Las formas trazadas parecen enlazarse entre sí de manera repetitiva e inquietante en un recorrido secuencial de la escena. El conjunto funciona como una abstracción del movimiento mismo, generada a través de la energía que canaliza el artista sobre la obra

Carteles Tour France 1999-2023

Cartel Tour France 2023

Autoría: Raisa Álava

  Cartel Tour France 2022

 

Cartel Tour France 2021

 

 

Cartel Tour France 2020


Cartel Tour France 2019

Cartel Tour France 2018

Cartel Tour France 2017

1000 hilos por pulgada

 

1000 hilos por pulgada

Cecily Brown 2004

Óleo sobre lienzo

228x198 cm

Gagosisn Galery Nueva York

Cecile Brown (1969), hija del prestigioso crítico de arte David Sylvester, estudió pintura en la Añade School de Londres. Poco después de establecerse en Nueva York, donde se instaló en el distrito de Meatpacking, rápidamente llamó la atención con la serie llamada por ella "Bunny Gang rape" de alto contenido sexual. A finales de la década de 1990, estos cuadros, y otros parecidos, interesaron a una clientela de figuras tan influyentes como Charles Saatchi, Elton John y Agned Gund. Desde el año 2000, con ayuda de la Gagosian Galery, la artista se han hablado de una reputación internacional que le ha llevado a exponer en el Hishhorn Museum de Washington, el Whitney Museum, el PSA de Nueva York y la Saatchi Collection en Londres. 1000 hilos por pulgada, magnífico ejemplar de figuración gestual, nace de una tradición pictórica que se remonta a Tiziano y Rembrandt, y que fue actualizada por Francis Bacon y Willem de Kooning. Este cuadro, de gran fluidez, va más allá de lo que serían unos simples gozos de la figura humana y de la propia pintura para convertirse en lo que la mayoría de los críticos interpretan como uno metáfora del sexo. El título podría referirse a las carísimas sábanas egipcias de algodón que arruga la pareja al revolcarse. A principios del siglo XXI, gracias a obras que la crítica Roberta Smith describió en cierta ocasión como "una tentativa de revivorizar y feminizar el vocabulario manido del expresionismo abstracto", Brown se ha forjado una reputación de auténtica pintora de pintores, no una simple fabricante de imágenes de moda.

Jardín con estanque

Jardín con estanque (Anónimo)

1420-1375 a.C. mural detalle 64x76cm. British Museum, Londres

Jardín con estanque es un detalle de un mural de la tumba de Nebamón, quien fue un poderoso estadista del siglo de la XVIII dinastía  de Egipto de la tumba se allá en la orilla oriental de Tebas. Este fragmento plasmado un estanque rectangular lleno de tilapias, aves que vadean el estanque y lotos, con papiros que crecen alrededor de los bordes. El estanque está rodeado de palmeras, sicómoros, mandrágoras y otros arbustos. Visto desde arriba, como a través de los ojos de los dioses, los árboles del registro inferior de la pintura están enraizados en dirección contraria, en un intento de crear una sensación de profundidad. En el ángulo superior derecho, la diosa Hator recoge los placeres del jardín (el agua portadora debida en jarros y fruta en el cestas), y ofrece la gracia de su protección en la otra vida. Se cree que Mebamon y su esposa Hataepsut fueron plasmados a la derecha de esta escena. Hator era también conocida como la señora de los sicomoros del sur. El sicómoro le estaba consagrado y era un símbolo habitual de la vida. Hator es una diosa antigua, representada a menudo como una mujer joven y atractiva, con oreja y ojos de vaca. Su jardín es un palacio ultraterreno que simboliza una nueva vida, en tanto que las tilapias simbolizan la regeneración. Este mural, jardín con estanque, retrata con un estilo minucioso los placeres de la vida en el más allá que aguardan a Nebamon. Del mismo modo, ofrece a quien lo contempla un fascinante visión fugaz de la vida y las creencias de Egipto faraónico hace unos cuatro.

San Antonio atormentado por los Demonios

 

San Antonio atormentado por los Demonios

Artista: Matthias Grünewald

Alemania, 1516

Título original: Die Versuchungen des heiligen Antonius

Museo: Museo de Unterlinden, Colmar (Francia)

Técnica: Óleo (265 × 139 cm.)

¿Qué demonios me está pasando?

Ya que no cede a ninguna de las tentaciones (sexo, dinero, manjares…), el ermitaño San Antonio es atormentado por criaturas monstruosas enviadas por el mismísimo Satanás.

Como vemos, el pobre hombre es pisoteado, golpeado, zarandeado, tirado del pelo y mordido. Esa pandilla de demonios le da la paliza de su vida. Son bestias híbridas, mezcla de humanos, reptiles, aves y demás animales. Quizás metáforas de los vicios humanos, habitantes del inconsciente profundo, que diría Freud.

Destaca por ejemplo la figura de la capucha roja en la esquina inferior izquierda, quizás el más humano del grupo. Tiene el vientre hinchado y purulentas úlceras. Todo indica que personaliza la enfermedad. Y hay expertos que dicen que son los síntomas del envenenamiento por cornezuelo del centeno, muy extendido en la Edad Media, que provocaba el llamado «fuego de san Antonio», y que además —¡Oh, sopresa! — contiene un alcaloide, la ergotamina, de la que deriva el ácido lisérgico.

Quizás por eso todos los cuadros basados en las tentaciones de san Antonio parezcan malos viajes de ácido.

A la derecha hay un papel clavado en un tronco con la inscripción: Ubi eras Jhesu bone ubi eras quare non affuisti ut sanares vulnera mea («Donde estuviste, buen Jesús, por qué no acudiste a sanar mis heridas»). Un poco más abajo, casi imperceptible, aparecen las palabras Fide Me («confía en mi»).

Óvalo rojo

 

Óvalo rojo

Artista: Wassily Kandinsky

Rusia, 1920

Título original: Red Oval

Museo: Guggenheim, Nueva York (Estados Unidos)

Técnica: Óleo (71,5 x 71,2 cm.)

De regreso a Alemania.

A partir de aquí estamos a la vista de una nueva época para Kandinsky. Desde que volvió a Rusia por el estallido de la guerra había sido bastante difícil para él, incluso estuvo todo un año sin pintar ningún cuadro. Allí permaneció hasta 1920, justamente la fecha de este lienzo.

Óvalo rojo es un reflejo del impacto que tuvieron las ideas suprematistas que desarrolló posteriormente Malevich y los artistas del constructivismo ruso, que fueron de gran influencia para Kandinsky. En esta pintura se encuentra representado un gran cuadrado amarillo en diagonal sobre un fondo verde, ejerciendo de soporte de los principales elementos del cuadro. Incluso podríamos hablar de agobio y saturación de elementos. La contraposición del cuadro con forma cuadrada y la figura cuadrangular generan estatismo.

Aquí vemos por primera vez como la circunferencia roja ejerce un punto referencial en la pintura, elemento que sería desarrollado con mayor esplendor en obras posteriores. El punto va a ser un elemento esencial en la pintura de Kandinsky porque para él, era el inicio de todo.

Esta obra recuerda a sus pinturas de Múnich por la diversidad de formas y estructuras pero la geometría se acentúa considerablemente. En la parte inferior del cuadro se encuentra de nuevo la barca, un tema ya utilizado en Improvisación 26.

Musicalmente hablando, estamos ante una amalgama de sonidos. Los tonos largos y tranquilos del violín (verde) se mezclan con la flauta (pequeñas estelas azules). Sobre esto oímos la trompeta (amarillo y rojo) y al mismo tiempo, la trompeta es contrarrestada por la flauta, violonchelo, contrabajo y órgano (azul y sus derivados) y la viola interpretando un largo (naranja) que a su vez en ciertas partes se reduce su sonoridad (blanco). Todo estos sonidos son «la nada» cada cierto tiempo a causa del negro.

Lamentablemente, obras de este calibre ya no eran especialmente aceptadas en Rusia porque las ideas del realismo socialista se estaban asentando.

Riverfront No. 1

 

Riverfront No. 1

Artista: George Bellows

Estados Unidos, 1915

Museo: Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio (Estados Unidos)

Técnica: Óleo (115,3 × 160,3 cm.)

Retrato colectivo de un caótico verano neoyorquino.

En la época de George Bellows, el paseo marítimo de Nueva York estaba repleto de gente que acudía ahí para darse un baño y combatir el sofocante calor de la ciudad. Gente de todo tipo, de todas las clases sociales, de todas la edades… aunque sobre todo abundaban los niños. Para los pequeños, un baño estival aquí era un escape de la dura vida en el East Side.

Bellows hace aquí un retrato colectivo de los ciudadanos, pero también hace un retrato de una ciudad y una época, una instantánea de una atmósfera. Se pueden ver los pilares rotos y esos muelles de subdesarrollo se convirtieron en sus playas y centro de ocio para bañistas de todo tipo a principios del siglo XX.

Por supuesto, Bellows amplifica, como en muchos otros de sus cuadros, la idea de multitud. El cuadro es un horror vacui de gentes bañándose, navegando, tomando el sol o descansando. Mucha gente se quita la ropa y queda totalmente desnuda dentro y fuera del agua.

Comparado con la mucho más serena “Domingo en la Grande Jatte”, la escena es caótica, casi una imagen de El Bosco, que señala también las diferencias entre las ciudades de París y Nueva York.

Leda y el cisne

 

Leda y el cisne

Artista: Paul Cézanne

Francia, 1882

Título original: Leda au cygne

Museo: Fundación Barnes, Philadelphia (Estados Unidos)

Técnica: Óleo (59,8 x 75 cm.)

Zoofilia facetada.

Un cisne agarra la mano de Leda. Son los preliminares de un acto sexual representado infinitas veces en la historia del arte desde la Antigüedad.

El cisne es Zeus, maestro del disfraz que, para escaquearse de su esposa, se vestía de todo tipo de animales y demás formas para llevar a cabo sus infidelidades. Un tema clásico en todos los aspectos, pero viniendo de un artista contra-corriente como era Paul Cézanne, se convierte en algo muy novedoso, moderno, inédito, fascinante.

El pintor, más impresionista que los impresionistas (de hecho, fue uno de los llamados post-impresionistas), se adelanta un poco más y hasta parece que casi mete un pie en el Fauvismo (que aún tardaría un par de décadas más en aparecer). El cromatismo radical de este cuadro así lo indica.

Cézanne apenas trabajó los temas mitológicos, pero por alguna razón debió de atraerle esta historia, consiguiendo una de sus pinturas más sensuales. Leda es pura curva y voluptuosidad, con las mejillas sonrojadas y mira hacia el pajarraco adivinando sus intenciones.

Cézanne, por cierto, no se corta en cortar (valga la redundancia) el pie de la mujer, un acto artístico casi sacrílego para la época. Además, vemos sus características pinceladas, solitarias y sintéticas. Es la técnica del facetado, que alterna tonalidades cromáticas para descomponer formas y jugar con el espacio, algo que volvería locos en el futuro a artistas como Picasso o Matisse, que dijeron: «Cézanne es el padre de todos nosotros»

Mujer con mandolina

 

Mujer con mandolina

Atista: Georges Braque

Francia, 1910

Título original: Femme a la mandolin

Museo: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (España)

Técnica: Óleo (80,5 x 54 cm.)

Cubitos de hielo.

Un cuadro cubista, no cabe duda. Pero, ¿qué es el cubismo…?

Pues para empezar, en el cubismo no hay cubos. Más bien todo lo contrario: el cubismo consiste en reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear su tridimensionalidad (cosa que precisamente pretende una figura como el cubo).

Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas como Braque o Picasso, inspirados por Cézanne, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles. Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y dejarla completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y entrelazado.

Este es un ejemplo de Cubismo analítico. Es decir, el cubismo más cubista y el primer tipo de cubismo. Nace en 1909, cuando Braque y Picasso se hacen super-colegas y deciden promocionar esta nueva vanguardia.

Como buena obra analítica, la pintura es fría. Como vemos, aquí no hay apenas colores, no son lo importante. Lo importante es mostrar diferentes puntos de vista de una cosa. Analizar la realidad y descomponerla geométricamente. Las formas se disuelven en sus distintos componentes, que se vuelven a juntar dentro de un «nuevo orden» [1].

Hay aquí tantos puntos de vista representados que hasta parece casi una obra abstracta. Fondo y figura se confunden. Se supone, por el título, que en esta imagen se esconde una Mujer con mandolina.

Porque a pesar de ser pintura de vanguardia, los géneros que pintan los cubistas son de lo más clásico: bodegones, paisajes, retratos…

San Miguel

 

San Miguel

Artista: Guido Reni

Italia, 1636

Título original: Arcangelo Michele

Museo: Santa Maria della Concezione, Roma (Italia)

Técnica: Óleo (293 x 202 cm.)

El Arcángel le pisa la cabeza a Satanás

San Miguel, el arcángel que expulsó a Satanás del cielo. Aquí lo vemos con su típica armadura al estilo romano, ensañándose con el ángel caído que ha sido derrotado. Ambos son ángeles, con sus alas, pero está claro que son muy distintos.

Reni pinta al santo con su característica «grazia», mientras que el derrotado es una figura grotesca, casi caricaturesca. Este contraste entre el bien y el mal, entre luz y oscuridad, también lo vemos —como no podía ser de otra manera en el Barroco— en los dramáticos claroscuros. La luz pega en el ángel, que destaca entre las tinieblas del fondo.

Muchos ven también en esta pintura un manifiesto artístico y estético de las ideas que defendió siempre Guido Reni: que la belleza pura no está en el mundo real, sino uno ideal, dentro del intelecto. Para Reni, el idealismo es superior al realismo.

Como anécdota, hay que decir que ese Satanás calvo y de cejas pobladas muy bien podría ser un retrato del Papa Inocencio X, que unos años antes, cuando era un cardenal, había discutido seriamente con Reni por motivo de unos frescos no realizados, y dañó gravemente la reputación del artista.

Cuando toda Roma vio esta pintura, aparecieron las risitas y la gente empezó a cuchichear sobre el parecido del papa con Satanás. Y aunque Reni negó en público haber cometido semejante calumnia contra tal ilustre personalidad, el parecido seguía ahí.

Carteles Fiestas Patronales Aragón 2022

 Carteles Fiestas Patronales Aragón 2022

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Municipio-Fiestas patronales-Fecha

Zaragoza Pilar12/10/22

Huesca-S. Lorenzo -14/08/22

Teruel-Torico-10/07/22

Calatayud-S. Roque-15/08/22

Utebo-Santa Ana-26/07/22

Monzón S. Mateo 21/09/2022 Huesca 17.176

Barbastro Natividad 04/09/2022 Huesca 17.109

Ejea Virgen de la oliva 01/09/2022 Zaragoza 16.870

Alcañiz Virgen de los Pueyos, y al patrón, el Angel Custodio 08/09/2022 Teruel 16.333

Fraga-Pilar-12/10/22

Jaca-Sta. Orosia-29/06/2022

Cuarte de Huerva-Sta Ana-26/07/22

Tarazona-Cipotegato-26/08/2022

Sabiñanigo-Santiago-25/07/2022

Caspe-S. Roque-16/08/2022

Binéfar Cristo de los Milagros 13/09/2022 Huesca

Andorra San Macario

07/09/2022 Teruel 8.266

La Almunia de D. G. Santa Pantaria 24/09/2022 Zaragoza 7.792

Zuera S. Licer

30/08/2022 Zaragoza 7.738

Tauste-Virgen de Sancho Abarca-22/04/2022

Alagón Virgen del Castillo 08/09/2022 Zaragoza 7.167

La Puebla de Alfindén-Asunción y San Roque-15/08/2022

María de Huerva Asunción y San Roque 16/08/2022 Zaragoza 5.265

La Muela-SAN ANTONIO DE PADUA -13/06/2022

Borja Feria

29 Septiembre

Épila San Pedro Arbués y San Frontonio Septiembre Zaragoza 4.746

Villanueva de Gállego-Santas Reliquias-5 Agosto

Calamocha-San Roque-14-17 Agosto

Fuentes de Ebro

San Miguel 29 Septiembre

Sariñena Septiembre San Antolin Huesca 4.402

Calanda 12 Octubre Teruel 3.956

Pedrola 14 Agosto San Roque

Mallén 1º domingo septiembre santo cristo de la columna Zaragoza

34 Pinseque 28 Abril San Pedro Verona Zaragoza 3.676

Tamarite de Litera 8 Septiembre Huesca

Graus 12 Septiembre Huesca

Cariñena Santo Cristo 13 Septiembre Zaragoza 3.572

38 Alcorisa Teruel 3.556
39 Cadrete Zaragoza 3.293
40 Illueca Zaragoza 3.290
41 Utrillas Teruel 3.238
42 Ricla Zaragoza 3.181

San Mateo de Gállego 15 Agosto Zaragoza

44 Calatorao Zaragoza 3.015
45 Gallur Zaragoza 2.882
46 Cella Teruel 2.878
47 Villamayor de Gállego Zaragoza 2.838
48 Monreal del Campo Teruel 2.709
49 Pina de Ebro Zaragoza 2.635
50 Almudévar Huesca 2.519
51 Mequinenza Zaragoza 2.449
52 Burgo de Ebro Zaragoza 2.363
53 Valderrobres Teruel 2.335
54 Daroca Zaragoza 2.288
55 Alfajarín Zaragoza 2.259
56 Aínsa Huesca 2.242
57 Benasque Huesca 2.217

Ateca 7 Septiembre Zaragoza

59 Albalate del Arzobispo Teruel 2.087
60 Quinto