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Artista: Pablo Picasso
España, 1939
Colección particular
Técnica: Óleo (96,5 x 128,9 cm.)
No hay gatos policías.
El gato es una criatura fascinante: de un ser cariñoso, dispuesto a compartir su comida con un artista hambriento como Picasso en su etapa más azul, pasa a ser un bicho cruel y sanguinario que destroza un pájaro sin razón. Bello animal. Aristocrático. Camina con la misma elegancia por salones de palacio que por callejones oscuros, pero ¡qué hijo de puta el Felis Silvestris Catus…!
Evidentemente, en pleno 1939, de lo que habla Picasso no es de sus adorados gatos, sino de la terrible situación en su país. Franco entra en Barcelona en enero (la madre del artista fallece también ese mes) y en marzo cae Madrid. La Guerra Civil llegaba a su fin, pero empezaba la represión, continuando la violencia sin sentido. También el resto de Europa empezaba su pequeño conflicto, y de pronto todo se llena de gatos y pájaros, de depredadores de ojos salvajes y víctimas torturadas, devoradas vivas.
Como en este terrorífico lienzo donde este gatito con sus afiladas garras y colmillos destripa a un pájaro (un cuervo quizás, la paloma de la paz…). A Picasso le parece la mejor imagen de lo que había ocurrido y de lo que faltaba por ocurrir.
Terrorífica imagen porque es una escena cotidiana, algo natural si así se quiere ver. Una escena que se repetirá, sin duda, por mucho que lo denuncien los artistas, primeros encargados como agentes sociales de alertar de putas mierdas intolerables
Andrea Mantenga 1500
Temple sobre lienzo 54x42 cm
Mister Jacquemart-Andre, Paris
La obra de Andrea Mantegna (1431-1506) ha sido tachada de aséptica, pero algunas de sus imágenes de la Virgen y el Niño son profundamente conmovedoras, al igual que esta representación de Cristo. Fue pintada hacia el final de su vida, en la cumbre de su reputación. Mantegna, niño prodigio educado en un ambiente artístico e intelectual tan estimulante como el de Padua, puso en prácticas sus influencias formativas como pintor oficial de la corte de Mantua. En esta imagen de la crucifixión se inserta en una de las tradiciones del arte cristiano de la época, la del ecce homo (en latín "he aquí el hombre", la respuesta que se atribuye a poncio pilatos cuando los judíos le pidieron que crucifícase al Mesías). Estas pinturas suelen centrarse en la cabeza o el torso de Jesús, que lleva una corona de espinas, y que en muchos casos aparece con una soga al cuello, las manos atadas y marcas de azotes. Lo habitual es que mide compasivamente a sus acusadores. Todo ello aparece en el cuadro, pero mantengna como en tantos otros casos, le da un toque personal mediante el uso de los colores claros, formas bien definidas y un dominio excepcional de la organización espacial. Los rostros crueles que rodean a Cristo casi no caben en el cuadro. Triangulando a los acusadores detrás de Jesús, Mategna hace que parezcan más malvados y Cristo más triunfante e intocable. La expresión triste de Jesús contrasta al máximo con las miradas penetrantes de los otros personajes. Mantengna influyó profundamente en el Renacimiento, sobre todo en su cuñado Giovanni Bellini y en el pintor alemán Alberto Durero.
Andrei Rubriov 1410
Pintura al temple sobre madera 142 x 114 cm
Galería Tretiakov, Moscu
Andrei Rubriov (1360-1430) creció en un período de resurgimiento de la iglesia ortodoxa Oriental, y llegó a ser considerado uno de los mayores pintores de iconos rusos. Se educó con Prokhor de Gorodest y colaboró con Teófanes el Griego en la decoración de la catedral de la Anunciación en Moscú. Su estilo único rompió con la severidad de la forma, color y expresión de los iconos de la tradición bizantina rusa, y le infundió una bondad espiritual que cultivó en su vida ascética como monje en el Troitse Siergieva Lavra. La Trinidad del Antiguo Testamento fue considerada de inmediato importante, y su formato fue copiado y propagado al poco tiempo. El Consejo Eclesiástico de Moscú llegó a incluir esta gran obra de arte en el canon oficial como la representación ideal de la Santa Trinidad. La Trinidad del Antiguo Testamento también se conoce como La hospitalidad de Abraham, debido a su referencia al Génesis, 18, donde se le aparecen tres ángeles Abraham en Mamre. Rubriov prefirió no plasmar elementos narrativos de esta historia con el fin de transmitir ideas complejas acerca de la Trinidad (objeto de muchas discusiones por parte de los teólogos) mediante una sola imagen simbólica. Este icono puede ser interpretado como la Trinidad del Nuevo Testamento, consistente en Dios Padre, el Hijo y el Espíritu Santo. En este caso, el cáliz corresponde a la eucaristía. Todas las figuras sostienen báculos, símbolo de su divinidad. En esta pinturas plácidas, serenas y contemplativas, Rublióv aplicó su talento de manera innovadora al servicio de sus apasionadas creencias religiosas.
Winterbild
Artista: Paul Klee
Alemania, 1930
Colección particular
Técnica: Acuarela Tinta (31,9 x 48,9 cm.)
Paisaje invernal.
Klee presenta un paisaje invernal muy simplificado, pero que representa perfectamente a la estación del frío: colores fríos (gris plomizo en el cielo, nieve blanca en el suelo), aunque salpicado por aquí y por allá de brillantes elementos cromáticos abstractos, deudores de su pasado orfista. Él fue el que dijo esa maravillosa frase de «una línea es un punto que se pone a caminar».
Como vemos, Paul Klee no estaba precisamente interesado en imitar de forma fiel la apariencia exterior de la naturaleza, y aunque era sensible a las sensaciones que le provocaban los paisajes, prefería crear un arte que surgiera de un proceso creativo interior, que a su vez se preservaría en la obra. Como una analogía entre la naturaleza y el trabajo creativo del artista, que en su opinión estaban sujetos a las mismas leyes.
Winterbild (algo así como «imagen de invierno») es un ejemplo de su filosofía de no representar la naturaleza, sino su esencia, resumida en la riqueza cromática y la simplificación formal típica del artista.
El resultado es esta encantadora imagen, que quizás nos puede parecer algo infantil e ingenua, pero que rápidamente asociamos al invierno y que está tan bien sintetizada que bien podría servir de fondo para un videojuego del ambientación invernal.
Artista: Edgar Degas
Francia, 1876
Título original: L'Absinthe
Museo: Museo d’Orsay, París (Francia)
Técnica: Óleo (92 x 68 cm.)
La bebida espirituosa de moda.
En el Café de la Nouvelle (Pigalle), Ellen Andrée y Marcellin Desboutins se toman una copa de esta bebida tan de moda a finales del XIX, sobre todo entre la juventud impresionista.
Conociendo a Degas, los protagonistas no estaban ahí sentados cuando el artista pintó la obra, sino en su estudio, y además seguro que posaron por separado.
¡Vaya cara se les debió quedar a ver el cuadro de su amigo Degas! Parecen una puta y un borracho…
El encuadre es típico de Degas, como en una fotografía, con las figuras descentradas y “amputadas” para mostar en primer plano la esquina de una mesa de mármol.
Y hay también un efecto típico de los impresionistas: El espejo de la pared, donde vemos el reflejo borroso de los dos protagonistas, aumentando más la sensación de embriaguez.
No hay relación entre ellos. Están juntos físicamente, pero claramente perdidos en sus pensamientos. Es culpa del alcohol, concretamente la absenta (el Diablo Verde), una bebida que por causar tremendas alucinaciones acabaría por prohibirse en media Europa.
Durante la década de 1860 la absenta se había vuelto tan popular que muchos bares y cafés indicaban que a las 5 p.m. se producía l’heure verte (“la hora verde”). Se convirtió por aquel entonces en la imagen principal del movimiento bohemio.
Por cierto, España es uno de los países en los que su consumo es todavía legal.
Artista: Ithell Colquhoun
Reino Unido, 1933
Título original: Song of Songs
Colección particular
Técnica: Óleo (86 × 72,5 cm.)
Ya sabemos que la Biblia está plagada de sexo y violencia. Quizás por eso es un best-seller.
En sus 73 libros hay todo tipo de escenas subidas de tono, pero si hay un libro hot stuff de verdad en la Biblia, ese es el famoso Cantar de los Cantares, donde ni se habla de religión, ni se menciona siquiera a Dios, ni nada parecido. Habla simple y llanamente de sexo.
¿Porqué está en la Biblia entonces…? Ni idea. Quizás porque se le atribuye su autoría a Salomón (dato que cualquier historiador serio refutará).
El texto va de dos amantes diciéndose guarrerías.
Primero, algunos piropos:
Tus ojos son palomas por entre el velo de gasa.
Tu cabellera, un rebaño de cabras subiendo al Galaad.
Tus dientes como ovejas esquiladas saliendo de se bañar.
Mellizos tus dos pechos de gacela paciendo entre azucenas.
Ahora, los preliminares:
Que me bese, que me bese con los besos de su boca.
Mejores son que el vino tus amores.
Después empieza la faena:
Cuando el rey en su lecho reposa,
exhala mi nardo sus aromas.
Bolsita de mirra es el mi amado
aquí entre mis pechos descansando…
¿Mi nardo? ¿Bolsita de mirra…? En fin, que siga la fiesta:
El torno de tu cadera, una alhaja, obra de un buen orfebre.
Es tu ombligo una jarreta en donde no falta el vino.
Tu vientre, un montón de trigo rodeado de azucenas.
Tus pechos, dos cervatillos, gemelos de una gacela.
Lúbricas metáforas que finalmente nos llevan al clímax:
Mi amado metió su mano por los resquicios del cierre.
Las entrañas me temblaron cuando a abrirle levantéme.
Goteó mirra en mis manos
cuando toqué los candados.
Erotismo bíblico que inspiró a artistas como la surrealista británica Ithell Colquhoun, que ilustra con elegancia y buen hacer una de estas tórridas escenas.
Artista: Lilly Martin Spencer
Estados Unidos, 1854
Título original: Young Husband: First Marketing
Museo: Museo Metropolitano, Nueva York (Estados Unidos)
Técnica: Óleo (74.9 x 62,9 cm.)
El hombre blandengue
Lilly Martín Spencer retrató las aventuras y desventuras de la clase media estadounidense en el siglo XIX. Escenas costumbristas y domésticas que tuvieron un gran éxito entre la población. De hecho, gracias a la venta masiva de reproducciones baratas de sus pinturas, la artista y su esposo pudieron ir tirando económicamente.
De hecho, era Lilly la que se encargaba de traer algo de dinero a casa y su marido Benjamín Rush Spencer ayudaba en las labores domésticas, algo inaudito en una familia de clase media decimonónica.
Aquí vemos una de esas escenas: un recién casado que va a la compra, y no se le ve muy experimentado en esos menesteres. Al pobre hombre se le caen las cosas de la cesta y para mayor humillación, los transeúntes se ríen de semejante espectáculo.
Spencer utilizó a su propio marido como modelo, y consigue describir —entre el humor, la crítica social y el costumbrismo— un ejemplo de ansiedad social de la época: los roles del hogar. Son debates que hoy pueden parecer casi absurdos, pero hasta hace no mucho era casi ciencia ficción que un hombre participara en estos pequeños quehaceres domésticos.
Autodidacta, Spencer pudo dedicarse —no sin dificultades— a su verdadera vocación, que era pintar. Y aunque no le faltaron críticas a su estilo (cierto es que las cabezas que pintaban parecen algo grandes comparadas con el cuerpo, aunque eso le da cierto encanto y humorismo a escenas como esta), lo cierto es que sus pinturas tuvieron muchísimo éxito y fueron reproducidas en masa para decorar hogares tan normales como el suyo.
Artista: Jan Sluyters
Países Bajos, 1911
Título original: Lezende vrouw
Técnica: Óleo (78 x 54,7 x 6,1 cm.)
Fauvismo no... ¡Lo siguiente!
La mano de Greet descansa sobre el libro que hay en la mesa. Sluyters ya nos está mintiendo con su título: la mujer no está leyendo. Nos mira. ¿Quizás nos está leyendo a nosotros? ¿Quizás lo lee a él?
Sluyters aprisiona a esta mujer con esos contornos de colores brillantes típicos de su estilo. Y es que cuando era un muy prometedor estudiante holandés, a Jan Sluyters lo pilló el fauvismo mientras estaba en París en 1906, y se infectó de arte moderno. Desde ese momento el color se convirtió en protagonista absoluto de su arte. Los fauvistas, como ya sabréis, eligen el color por su valor expresivo y decorativo, no precisamente porque la realidad sea así. Por eso algunos cuadros fauvistas parecen como si los viera Predator con su visión térmica.
Sluyters lleva incluso más allá ese uso fauvista del color con una insólita audacia en su arbitrariedad cromática y el uso de fortísimos contrastes. No solo adopta el estilo francés si no que desarrolla su propio y expresivo estilo.
La modelo es Margaretha Frederika van Cooten, alias Greet, segunda esposa y musa de Sluyters, que la pintó hasta la náusea, más o menos colorida, pero siempre con su belleza intacta. Se puede intuír el amor que sentían el uno por el otro.
Quizás el enamorado pintor veía a su amor así, rodeada de colores vivos.
de Teruhide Kato (1936 - 2015)
Xilografía japonesa
Teruhide Kato - Después de una exitosa carrera como importante diseñador contemporáneo de kimonos, Teruhide Kato comenzó a pintar y crear grabados en madera a mediados de la década de 1980, utilizando su amada ciudad natal de Kioto como tema. Ricas en belleza arquitectónica y natural, las sorprendentes imágenes de Kato capturan la magia tranquila de esta hermosa ciudad. Los bloques de madera de Kato están bellamente impresos a mano en papel de alta calidad en Kioto.
En 1991, Kato hizo su debut internacional en xilografía en Nueva York y el libro "Kyoto Romance" se publicó junto con su exposición individual allí. El estilo artístico de Kato es único y, al igual que sus diseños de kimonos, sus grabados en madera equilibran las imágenes japonesas tradicionales con una estética de diseño japonés moderno. Estos son hermosos diseños contemporáneos y hacen hermosas exhibiciones enmarcadas.
Sangetsu-an,
Museo Hakone 8" x 11"
Toshi Yoshida YSH21
Los miembros de la familia japonesa Yoshida han sido artistas, diseñadores de pergaminos y pantallas y grabadores desde el siglo XVII. Con el advenimiento del movimiento Shin Hanga en la década de 1920 y el enfoque en la creación de grabados en madera que atrajeran tanto a la estética occidental como a la japonesa, Yoshida Hiroshi comenzó a crear en este estilo. Luego se convirtió en uno de los más grandes artistas del movimiento Shin Hanga e inspiró a las futuras generaciones de su familia. Después de varias visitas al Mendocino Art Center en California, su hijo Toshi Yoshida fundó la Academia Yoshida Hanga en Miasa, en los Alpes japoneses. Conocido como el Bunkacenter, se convirtió en la escuela más influyente para el grabado en madera japonés. Hoy está dirigido por el hijo de su Toshi, Tsukasa Yoshida, nacido en 1949.
Los artistas de Yoshida han viajado mucho, incluidos los EE. UU. y África, y retratan una variedad de temas naturales que rara vez se encuentran en las impresiones japonesas, incluidas muchas de América. Cada impresión está en excelentes condiciones, nunca enmarcada y los tamaños individuales se indican debajo de la imagen.
Los diversos estilos de cada artista representan un tesoro de belleza natural y escenas icónicas de todo el mundo. El Museo de Arte de Mount Holyoke College, Massachusetts, presentó recientemente una exposición del legado artístico de la familia Yoshida. El Instituto de Arte de Minneapolis ha publicado el legado japonés: cuatro generaciones de artistas de la familia Yoshida que presenta su principal exposición de la familia.
