Berthe Morisot

Vista de París desde el Trocadero

Berthe Morisot h 1871-1873

Oleo sobre tela 46x81.5 cm.

Museo de Arte de Santa Bárbara

Berthe Morisot nació en Bourges en 1841. Aprendió paisajismo con Camille Corot y en el estudio de Achille François Oudinot, discipulo y amigo intimo de Corot Posteriormente, Edouard Manet, que con el tiempo se convertiria en su cuñado, le dio clases de dibujo anatómico y pintura. Presentó nueve cuadros en la primera exposición impresionista de 1874 y fue un miembro incondicional del movimiento hasta su muerte, en 1895.

Vista de París desde el Trocadero fue creada en la residencia paterna de Berthe Morisot, en la calle Franklin. En esa época, la casa tenia una vista panorámica realmente extraordinaria porque, siguiendo el enrevesado curso del rio Sena, alcanzaba el Campo de Marte, enclave donde se levantaba la Exposición Internacional de Paris de 1867 Aunque es más suelta de factura, esta pintura tiene elementos del estilo de Corol El ancho del cuadro es casi el doble de su altura, proporción que Corot utilizaba con frecuencia, sobre todo cuando trabajaba desde un punto de vista elevado. También recuerda mucho a la obra de Corot la masa simplificada de verde del primer plano y las pinceladas amplias que emplea Morisot para describir la superficie de la tierra desde una distancia media hasta la lejania del horizonte. 

En su composición, la obra de Morisot se parece a Hyde Park (h. 1871), de Monet, mientras que la influencia de Manel se advierte en la frescura de la pintura, sobre todo en el hábil y muy sugerente retrato de los personajes del primer plano

A pesar de su vivacidad, Vista de París desde el Trocadero está estudiada con el ojo de un auténtico habitante de la ciudad. La industrialización de la segunda mitad del siglo XIX provocó la rápida expansión de las ciudades europeas más importantes. incluyendo Paris, que cambiaron drasticamente su aspecto. La contaminación ambiental fue un factor decisivo. Influyó tanto en la visibilidad como en la coloración del aire Y esto se halla muy presente en el cuadro de Morisot, los edificios situados en la lejania desaparecen en la neblina gris púrpura de una atmósfera cargada de humo.

La contaminación y su contribución a la nueva pintura.

A principios del siglo XIX, la mayoría de los parisienses asociaban Londres con un aire nocivo y humedo y unas nieblas densificadas por el humo. No es sorprendente que la contaminación se llevara la palma por sus efectos sobre la luz y la forma de manos de J.M.W. Turner, en pinturas como El Támesis sobre el puente de Waterloo (h. 1830-1835), y tampoco es de extrañar que Londres atrajera a pintores que se sentían igualmente fascinados por tales efectos Entre los artistas de mayor renombre podemos citar a James Abbott McNeill Whistler y a los impresionistas Claude Monet y Camille Pissarro Monet hizo su primera visita a Londres en invierno de 1870-1871, cuando pintó una serie sobre parques londinenses y unas cuantas vistas neblinosas del Tamesis mirando hacia Westminster. En sus años de madurez, Monet se convirtió en un asiduo visitante de la ciudad, a la que acudia con el propósito de pintar los efectos lumínicos que causaba la niebla espesa. Cómodamente instalado en una habitación de los pisos superiores del hotel Savoy y esperando empezar a pintar, en una ocasión le escribió a su esposa, que se había quedado en Paris, diciendo: «Estoy aterrorizado al ver que no hay niebla, ni siquiera el más leve rastro de ella. Estoy destrozado y empiezo a pensar que mis telas serán un fracaso absoluto. Menos mal que poco a poco se encienden las hogueras y el humo y la niebla regresan a la ciudad.

Claude Monet, Hyde Park, h 1871

Óleo sobre tela, 40.5 x 74 cm.

Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence

Jean-Baptiste Camille Corot, Roma, el Foro visto desde los jardines Farnese, 1826 Óleo sobre tela, 28 x 50 cm. Museo del Louvre, París.

Claude Monet. El puente de Waterloo, efecto solar con humo, 1903. Óleo sobre tela. 65 x 100 cm. Museo de Arte de Baltimore.

cartel Bodas de Isabel 2023

 

Cartel Bodas de Isabel 2023

FLORECE EL AMOR

Elisa Martín Gargallo (Mirambel, Teruel)

La turolense Elisa Marín Gargallo, natural de Mirambel, es pintora, ilustradora y diseñadora gráfica.

Estudió bachillerato de artes en Teruel, más tarde ilustración en Barcelona y finalmente diseño gráfico en Castellón. Actualmente trabaja como diseñadora gráfica en un estudio de diseño, donde se desarrollan todo tipo de proyectos relacionados con el mundo del diseño gráfico.

Según transmite la autora, “en mis ratos de ocio procuro dedicar parte de mi tiempo a proyectos artísticos de distinto ámbito. El mundo del arte en general siempre ha sido una parte muy importante en mi vida, tanto de creadora, como de espectadora, y espero seguir formando parte activa de él”.

Teléfono de contacto: 686 22 81 74

FINALISTAS

CON EL PUEBLO

Fco. Manuel Vargas

(Ciudad Real) 

EL ABRAZO

Olga Vigar

(Barcelona)

Claude Monet Impresión, sol naciente

Impresión, sol naciente

Claude Monet 1872-1873

Oleo sobre tela. 46x63 cm

Museo Marmottan, Paris

https://www.marmottan.fr/notice/4014/

Claude Monet nació en Parts en 1840 y se erto en el puerto de La Itavro, on el canal de la Mancha. En su adolescencia, conoció al pintor Eugene Houdin, quien persuadió al joven Monet para que trabajara directamente del natural. Das hacer al servicio militar en Algeria, que termino de repente cuando contraje el tifus, Monet regresó a Le Havre y renovi su amistad con Boudin. Asimismo, conoció al painajiata holandés Johan Barthold Jongkind, a quien Monet describiria posteriormente como su verdadero maestro, el que se había preocupado de educar genuinamente: su vision artistica. Regresd a Paris en 1862 para estudiar en el taller del académico Charles Gleyre y alli conoció a Frédéric Bazille, Auguste Renoir y Alfred Sisley En 1883, Monet se mudo a Giverny, Normandia, donde murió en 1026

Monet presento Impresión, sol naciente en la primera exposición de la Sociedad Anónima y Cooperativa de Artistas que se había organizado en el estudio del fotógrafo Felix Nadar, en abril de 1874. A partir de ese evento, los conceptos impresionismo e impresionistas se convirtieron en moneda de cambio. El término impresión no era nuevo en si ya se habia empleado para referirse a las notas de paisajes tomadas del natural que, por lo general, se empleaban como bocetos para completar una pintura de estudio. Parece ser que Monet, al elegir el titulo en cuestión, pretendía referirse a ello.

Impresión, sol naciente se expuso junto con un cuadro de mayor tamaño que describía topográficamente el puerto de Le Havre y se titulaba Pesqueros saliendo del puerto de Le Havre, obra que realizó al año siguiente, en 1874. A juzgar por una carta que Monet envió al crítico Maurice Guillemot, podemos afirmar que el mismo pintor consideraba que Impresión, sol naciente era un boceto: No podria pasar por una vista de Le Havre Lo que sorprende y quizá es indicativo de un modo radicalmente nuevo de considerar la pintura es el hecho de que, a pesar de su esencialidad (el pintor realizó la obra en una sola sesión) y su factura directa y sin retoques, Monet consideró que merecia ser expuesta. El comentario que el pintor hace a Guillemot también es significativo en otro sentido, porque sugiere que la temática del cuadro no es topográfica, no da importancia a la localización como tal, sino a la hora del dia. Monet iba en busca de una atmósfera en particular, de los efectos de luz que esta conlleva y de su plasmación en una ordenada distribución de pinceladas coloristas, se esforzaba, efectivamente, en lograr una nueva calidad de abstracción pictórica. 

Quizá mientras estuvo en Londres, Monet tuvo ocasión de ver los primeros Nocturnos de James Abott McNeill Whistler y aunque todavía no estaba preparado para adoptar una simplificación tan radical de la imagen, comprendió la importancia, en términos de evolución pictórica, de ese lenguaje visual autónomo enfrentado al continuo avance de la fotografia

Impresionismo

El término impresionismo» fue empleado por primera vez por el crítico Louis Leroy en un sentido peyorativo. Implicaba que se trataba de algo desaprovechado y trivial, parcial y sin resolver: «La impresión... el papel pintado en su forma más embrionaria parece más acabado». El empleo de colores intensos también fue considerado problemático, como vemos en el exabrupto de otro crítico contemporáneo, Albert Wolff, que intervino diciendo: «Los árboles no son violeta... el cielo no es de color mantequilla... y el torso de una mujer no es una masa de carne en descomposición con manchas purpureas y verduscas».

Pesqueros saliendo del puerto de Le Havre 1804 Oleo sobre tela 60101 em Colección particular

James Abbott McNeill Whistler

Nocturno: azul y plata; Chelsea

James Abbott McNeill Whistler 1871

Óleo sobre tabla 50x61 cm

Colección Tate Londres

Nació en Lowell, Massachusetts, en 1834. Pasó parte de su infancia en Rusia, donde su padre trabajaba en la línea de ferrocarril San Petersburgo Moscu Decidió convertirse en pintor durante una visita que hizo a Europa siendo adolescente. Sin embargo, su plan se frustró a causa de la muerte de su padre y tuvo que regresar a América. En 1851 entró en la Academia Militar West Point, de donde fue expulsado tres años después. Viajó a Paris en 1855 y se unió al estudio del pintor académico Charles Gleyre

Esta pintura es uno de los primeros nocturnos de Londres y fue realizada justo después de la obra de transición Variaciones en color carne y verde el balcón (1864-1870), en la que aparecen varios personajes. Ambas muestran la fascinación del artista por el arte oriental, sobre todo por los grabados japoneses y la pintura china. En su obra temprana, estas influencias todavía no habian cristalizado en un estilo pictórico. La composición, al margen de que parece una xilografia, presenta una curiosa división estilistica entre un primer plano colorista y sin profundidad, a semejanza de un grabado, y un fondo impresionista, casi monocromático. En cambio, el orientalismo de Nocturno azul y plata, Chelsea, estilisticamente hablando, se integra en la imagen y parece haberse logrado con una facilidad consumada. Ejecutadas sobre una tabla fina de madera noble y empleando gran cantidad de óleo, las largas pinceladas lamen horizontalmente la superficie del cuadro para crear un mundo acuoso y flotante en el que la sustancia y la atmósfera casi parecen intercambiables. Unas luces distantes parpadean y crean unos reflejos de un amarillo nitido en el agua en movimiento. Una niebla algo opaca y de un color verde azulado vela el ambiente, incluyendo a la figura que se encuentra de pie en el primer plano. El vinculo con la pintura china y japonesa se refuerza con la firma en forma de mariposa que Whistler estampa en el centro de la parte inferior del cuadro

Formas de color y música

La primera vez que quedó claro el deseo de Whistler de separar sus preocupaciones pictóricas de cualquier implicación personal con el tema del cuadro fue cuando tituló el retrato de su amante, Joanna Hiffernan, Sinfonía en blanco núm. 1: la chica blanca (1862) y, nueve años después, cuando llamó al famoso retrato de su madre Composición en gris y negro. 

No es que el artista se mostrara insensible o caprichoso, sino que pretendía dejar bien clara la naturaleza de su compromiso con el cuadro y con la pintura en general. Whistler era contrario a la tendencia victoriana de los sermones pictóricos y la narrativa sentimental. Quería hacer cuadros que fueran modernos, tuvieran rigor formal y fueran abstractos como la música. Quien le aconsejó que llamara nocturnos a sus cuadros de Londres fue un amigo suyo, el compositor y musicólogo Francis Seymour Haden. 

Cartel Roland Garros 2024

Cartel Roland Garros 2024

Autoría: Paul Rousteau

Presentamos el 45º cartel oficial del Grand Slam parisino, creado por el artista Paul Rousteau!

Cada año desde 1980 , la FFT encarga a un artista moderno la creación del cartel oficial del torneo de Roland-Garros. Para la edición de 2024, el comité de selección se decidió por una de las creaciones de Paul Rousteau. Esta pieza poética es muy innovadora, ya que el fotógrafo utilizó inteligencia artificial en su proceso creativo.

“Quería mostrar el tenis invadiendo París”

Roland-Garros es París y París es Roland-Garros. Este es el tema central que adoptó Paul Rousteau al diseñar el 45º cartel oficial del torneo con sede en Porte d'Auteuil. “Quería representar París, pero también el color característico de una tierra batida. Por ejemplo, pensé en poner la cancha en una pared, en una calle, en un edificio cubierto de arcilla roja, con líneas, o incluso a vista de pájaro… Una ciudad, vista desde arriba, suele ser gris, pero aquí me imaginé será el color ocre de Roland-Garros. Entonces se me ocurrió la idea de representar el río Sena”, explicó el artista.

Esta idea llevó al artista de 38 años a utilizar la inteligencia artificial como parte de su proceso creativo. “No tuve tiempo de tomar fotografías durante el torneo. Tenía muchas ideas en la cabeza, pero a menudo eran imposibles de plasmar en fotografías, así que decidí utilizar la inteligencia artificial. Para mí, fue una excusa para hacer realidad estas ideas imposibles, porque realmente quería mostrar el tenis invadiendo París”.

Esta fue una novedad para el torneo y para el artista, cuya carrera se ha inspirado en el impresionismo y el puntillismo. Después de familiarizarse durante mucho tiempo con esta nueva herramienta, repintó la imagen proporcionada por la IA, punto por punto, utilizando una paleta de colores.

Un guiño a los Juegos Olímpicos de 2024

Esta magnífica pieza fusiona a la perfección el colorido mundo del fotógrafo con los emblemas del tenis y del Grand Slam parisino: la cancha, la pelota y la supremacía de la arcilla roja. Realzada por el amanecer o el atardecer, la pista de tenis aparece, como transparente, sobre las aguas del Sena. Este símbolo emblemático de la capital francesa no fue elegido al azar por Paul Rousteau, que es el primer artista que puso a París en el punto de mira en un cartel de Roland-Garros. “También quería hacer un guiño a los Juegos Olímpicos y a la ceremonia de inauguración de París 2024, que tendrá lugar a orillas del Sena”, confirmó.

Un guiño exitoso y un resultado final que, espera, toque el corazón de todos los aficionados al tenis. “Fue un shock ver estos colores y un placer ver emerger un amanecer o un atardecer. Es algo que me hace sentir muy viva y feliz. Intento sorprender a la gente y eso les da buena vibra”, añadió.

Jean-Baptiste Camille Corot

 

Jean-Baptiste Camille Corot

Los estanques de Ville d'Avray 1868

Óleo sobre tela. 3021545 com Museo de Bellas Artes Rouet

Nació en Paris en 1796, Su primer estudio fue su casa paterna de Ville d'Avray, cerca de Versailles, lugar al que regresó para seguir trabajando durante el resto de su vida. Aprendió pintura en el estudio de Jean Victor Bertin. Entre 1825 y 1828, viajó y trabajó en Italia, periplo que otorgó a sus primeros paisajes un aire claramente italianizante, a lo Poussin. Le concedieron la Cruz de la Legión de Honor en 1846 y se convirtió en oficial de la orden en 1867. Murió en Paris en 1875

En su obra tardia, Corot empezó a considerar la región de Ville d'Avray como la Arcadia, un mundo idealizado en el que la naturaleza, el hombre y los dioses coexisten en perfecta armonia. Esta versión en concreto de los prados junto al agua al despertar el dia es un buen ejemplo de cómo tratar un paisaje al estilo pastoral y es una de las dos pinturas que Corot presentó en el Salón de 1868, la otra fue "El paso del Ford al atardecer". Puesto que la temática de ambos cuadros es un momento determinado del día, Corot recurrió al término "enveloppe" para referirse a ella, y esta se caracteriza por una luz, una atmósfera y un estado de ánimo particulares que todo lo impregnan y parecen englobar a la naturaleza entera. Los estanques de Ville d'Avray captan el color rosáceo del atardecer y la pálida luminosidad que preside los paisajes del llano inmediatamente después de la salida del sol. Los objetos se tiñen de un verdusco grisáceo y un violeta ceniciento, un tanto fantasmagóricos y flotantes. Los árboles se presentan como siluetas coralinas o trepan hacia el cielo como columnas de humo. 

Por el contrario, El paso del Ford al atardecer es delicadamente dorado. La atmósfera no es calurosa, sino templada y acogedora, muy al estilo de la Europa del Norte. El suelo y los arbustos aparecen pintados en tonos marrones y verdes vegetales y están ensombrecidos con un amarillo dorado. Las sombras se solidifican en la oscuridad. Los árboles se alargan horizontalmente difuminados por la luz del atardecer Y, como es habitual, subrayando el enfoque de Corot aparece escenificada la vida social que, en general, siempre es la del granjero o el campesino: profundamente rural, agraria.

La influencia y el legado de Corot.

Es imposible soslayar la importancia de Corot en la evolución de la pintura moderna del siglo XIX en Francia. El artista, retomando el punto que dejaron Poussin y sus seguidores en la pintura de paisajes clásicos (las arboledas primorosamente detalladas y ejecutadas en un estudio), devolvió la pintura paisajistica a la naturaleza, aunque sin echar por la borda su potencial narrativo o su poesia. El artista simbólico Odilon Redon describió a Corot como un pintor completo que se posiciona frente a la naturaleza como un poeta y un pensador y es antagónico a Courbet y a Manet, que nunca dejaron de sentirse esclavizados por la realidad observada. Sin embargo, es en la contribución de Corot a la evolución del impresionismo, el postimpresionismo y el cubismo donde radica la verdadera importancia del pintor. Claude Monet realizó su propio homenaje a Corot en 1897 con su celebrada serie de pinturas "Brazo del Sena, en las proximidades de Giverny", posteriormente, al ver que su obra colgaba junto a la de Corot, dijo la famosa frase "Aqui solo veo una persona no somos nada, absolutamente nada". Este es el día más triste de mi vida. Y Monet no fue el único que expresó su admiración. Paul Gauguin escribió con gran tino: A Corot le encantaba soñar y ante sus cuadros yo también sueño. Renoir, Pissarro, Picasso, Braque y Juan Gris confesaron asimismo estar en deuda con el pintor, al que llamaban el Maestro de Ville d'Avray

El paso del Ford al atardece, 1868. Óleo sobre tela. 99 x 135cm Museo de Bellas Artes. Rennes.

Claude Monet Brazo del Sena en Giverny con neblinas matutinas 1897 Óleo sobre tela. 89 x 91.5 cm. Museo de Arte de Carolina del Norte. Raleigh

Gustave Courbet El origen del mundo

Gustave Courbet

El origen del mundo 1866 

Óleo sobre tela. 46 x 55 cm 

Museo de Orsay, Paris 

La historia del escandaloso cuadro de Courbet El origen del mundo se basa en la confusión y clandestinidad. Encargado originariamente por Khalil Bey, un diplomático turco que trabajaba en Paris, este cuadro se conservó oculto tras un pañuelo de seda verde. Luego desapareció durante un tiempo y resurgió en el Museo Szépművészeti de Budapest, donde se mantuvo tapado tras otro cuadro de Courbet, El castillo de Blonay (1877). En 1955, pasó a ser propiedad del teórico psicoanalista francés Jacques Lacan, que lo tuvo colgado en su despacho, detrás de una pintura encargada a André Masson. Comparada con otras importantes obras realistas de Courbet, El origen del mundo es un cuadro inusualmente pequeño. La imagen, que plasma el torso reclinado de una mujer desnuda con las piernas abiertas y mostrando sus genitales en un primer plano, no está pintada a tamaño natural. Por eso no transmite ninguna sensación de intimidad y lleva el auténtico sello del pensamiento realista la idea de que sea cual sea el tema, este tiene que representarse directa, fiel y desapasionadamente. La carne expuesta es de una crudeza algo desconcertante. La división de los labios es dibujada con rudeza y carece de sensualidad o misterio, incluso donde se pierde la mata de un oscuro vello pubico. Cuesta desprenderse de la sensación de que Courbet trata el cuerpo como un paisaje. Y no lo hace con la intensidad metafórica de un pintor romántico, sino más bien como un ejercicio topográfico objetivo. De todos modos, en el cuadro de Courbet predomina la sensación de que ese "desvelar" es orquestado. Enfrentados a algo que por lo general permanece oculto, se nos anima a verlo como lo que es en realidad. Ahora bien, nos queda la incertidumbre de pensar cuál es el propósito de tal acto de exhibición pública, que a su vez nos lleva al punto de partida y nos hace considerar el significado del titulo del cuadro. El origen del mundo no nos habla de una imagen erótica, sino de una imagen casi mistica. Al desprenderla de toda prenda de ropa, cuyos vestigios todavía advertimos en la parte superior de la pintura, nos hallamos cara a cara con el misterio corporal último, el que resulta de la comparación entre el interior y el exterior el espacio interno e invisible del cuerpo, visto como la fuente de una nueva vida, opuesto a lo externo, que es la temática de la mirada masculina y el objeto del deseo del hombre.

Courbet como precedente de Marcel Duchamp

Se ha dicho que El origen del mundo influyó en la concepción de El gran cristal de Duchamp, obra realizada entre 1915 y 1923, y en otras como Dato conocido núm. 1. La cascada, 2, El gas iluminador (1946-1966) y la versión fotográfica de Hoja de higo femenino (1966). Sin embargo, no tenemos suficientes datos para establecer una relación directa. El cuadro de Courbet no fue mostrado al público durante la producción artistica de Duchamp. Pero lo que si es indiscutible es la fascinación que el artista sintio por el maestro realista, como muestra el grabado Pastiche detalles seleccionados según Courbet (1968). La obra se basó en la tela de este ultimo, Mujer con medias blancas, realizada en 1861. La presencia del ave en el grabado (si es un halcón o un loro ha sido motivo de polémica) también implica que existe relación entre este grabado y Mujer con un loro, de Courbet, que el artista pintó el mismo año que El origen del mundo 

Marcel Duchamp Pastiche: detalles seleccionados según Courbet. 1968 Grabado de una plancha de cobre, 35 x 23.5 cm Galeria Nacional de Canada. Ottawa. 

El Baño JEAN-LÉON GÉRÔME

 

El Baño

JEAN-LÉON GÉRÔME

#100PinturasFamosas 

#013

En esta pintura orientalista creada por Jean-Léon Gérôme se desconoce el país de origen. Gérôme representa a una mujer caucásica de cabello negro que es bañada por una mujer africana que atiende su cuerpo. El cuarto de baño tiene un fregadero grande y elaborado rodeado de azulejos de porcelana. Además, hay azulejos de color turquesa que rodean la habitación, lo que le da elegancia a la habitación.

Al mirar más profundamente en esta pintura, se puede ver la escritura árabe en la parte superior derecha. Esta escritura simboliza que el escenario de esta pintura está en el mundo árabe. Además, al mirar la relación entre las dos mujeres, el rostro de la mujer blanca está apartando la mirada de la mujer africana. Esta relación juega con una lente orientalista porque la mujer blanca extiende su mano como si no tuviera respeto por la mujer que la lava; se ve claramente una lucha de poder. Al no mirarla y extender su mano como si debiera ser mimada, el espectador puede asumir que el estatus de la mujer blanca es mucho más alto que el de la mujer negra. De manera similar, al mirar la ropa de la mujer africana, ella lleva un tocado y una tela alrededor de su cuerpo, pero se le cae la ropa.

Esto podría interpretarse como la razón por la cual la mujer blanca no está dispuesta a mirarla, porque su desnudez es intrínsecamente perturbadora para la sociedad blanca. Por último, al representar a la mujer blanca desnuda, Gérôme juega con los deseos de los hombres franceses por las mujeres de Oriente.

Aunque su pecho no se revela, los hombres se habrían sentido intrigados por su desnudez, ya que habría tranquilizado sus impresiones sobre el Oriente como exótico.

Alfred Sisley

 

Avenida de los castaños en la Celle-Saint-Cloud

Alfred Sisley 1865

Óleo sobre tela. 129.5 x 208 cm.

Museo del Petit Palais, Paris 

Alfred Sisley es de origen inglés y nació en Paris en 1839. Estudio pintura junto a Claude Monet, Auguste Renoir y Frédéric Bazille en el estudio del pintor suizo Charles Gleyre, expuso en el Salón de los Rechazados y fue incluido en la primera exposición impresionista de 1874. Apenas se le reconoció su valia en vida, pero una exposición de su obra que organizó Monet tras su muerte tuvo tanto éxito que lo consagró como una importante figura del impresionismo  

Avenida de los castaños en la Celle-Saint-Cloud, creada cuando Sisley tenía algo más de veinte años, es una obra muy alejada de lo habitual en su producción. Sin embargo es uno de los mejores paisajes pintados en un estudio de la época. Aunque Sisley ya se habia alineado con la nueva pintura, esta no es una obra plenamente impresionista y aunque se ha dicho que se creo con la intención de someterla al Salón oficial, lo cierto es que fue rechazada por este en el verano de 1867 En términos de lenguaje pictórico el cuadro es mucho más deudor de los paisajes realistas de Gustave Courbet y la obra de los pintores de Barbizon que de la producción de sus colegas impresionistas. En la década de 1830, Camille Corot y Narcisse Diaz pintaron en esos mismos parajes, es más, incluso pintaron los mismos arboles. El follaje, dispuesto en capas y en un tono formal, junto con cierta exageración del contraste entre la luz y la oscuridad, alli donde los rayos del sol inciden sobre rocas y árboles, recuerdan al joven Corot en una obra como La arboleda de castaños, de principios de la misma década. Como en el cuadro de Théodore Rousseau, Los desfiladeros de Apremont a mediodia, Sisley enfatiza la linea plana de la tierra empleando un falso horizonte para dividir el cuadro casi exactamente en dos partes, mientras que a su vez salpica el primer plano de pequeños incidentes visuales que van disminuyendo a medida que el suelo retrocede Como trabajo preparatorio de lo que claramente iba a ser una obra fundamental, Sisley realizó al aire libre varios estudios al óleo de los castaños de la Celle-Saint Cloud y regresó al mismo lugar en 1867, año en que pintó otra obra con el mismo titulo, mucho más inquietante y parecida a los trabajos de Corot, que en la actualidad se conserva en la colección de la Galeria de Arte de la Ciudad de Southampton, en Inglaterra 

Sisley y Monet

El estilo pictórico de Sisley cambió tras la primera exposicion impresionista de 1874. El artista siempre se había sentido próximo a Monet y entonces, bajo su influencia, empezó a intensificar el color de sus cuadros y a ampliar la variedad de sus pinceladas. Fue la concepción osadamente vivida y casi expresionista del muelle de Le Havre de Monet lo que, en un alarde de provocación, le inspiró para poner título a la obra Impresión, sol naciente, término a partir del cual surgiría el nombre de impresionismo.

Avenida de los castaños en la Celle-Saint-Cloud. 1867 Óleo sobre tela. 95.5 x 122 cm. Galeria de Arte de la Ciudad de Southampton. 

Jean Baptiste Camille Corot. La arboleda de castaños, a principios de la década de 1830 Óleo sobre tela, 34 x 49 cm Musea Fitzwilliam Cambridge

Crematorio del siglo I en la antigua ciudad de Caraca

 

Los arqueólogos hallan un crematorio del siglo I en la antigua ciudad de Caraca.

Una gran pira funeraria romana a orillas del Tajo

El solitario cerro de la Virgen de la Muela, en Driebes (Guadalajara), a orillas del Tajo, estaba coronado inicialmente por un oppidum carpetano (asentamiento fortificado) y terminó convirtiéndose en la ciudad romana de Caraca, que lleva más de 400 años asombrando a los expertos. En 1597 se descubrió en su ladera meridional un conjunto de objetos de plata prerromanos y en 1945 se halló otro formado por lingotes, torques, tortas de fundición, fibulas, brazaletes, anillos y monedas, todos de plata y fechados en el siglo III a. C. Pero lo notable son los hallazgos que desde los ochenta se suceden en el interior de esta ciudad romana de ocho hectáreas. El último es la excavación de un ustrinum (edificación destinada a incineraciones) del siglo I y que incluye los restos de dos personas muy notables de la población. La construcción cubría 80 metros cuadrados una de las mayores localizadas del Imperio Romano y no estaba cubierta. En su interior se han hallado también los ungüentarios con los que se lavaba a los muertos, restos óseos de animales sacrificados y cerámicas. 

Caraca era una ciudad que se alzaba a mitad de camino entre Complutum (actual Alcalá de Henares) y Segóbriga. Fue conquistada por Sertorio en el año 77 a. C. al hilo de las guerras civiles romanas. Aunque la citaron Ptolomeo y el Anónimo de Rávena, no fue hasta 2016 cuando se tuvo plena constancia de su ubicación. Gracias al georradar y a los vuelos de dron se localizó el foro, su acueducto de tres kilómetros y elementos militares de la campaña de Sertorio. En 2021, se halló lo que parecía ser un edificio funerario en sus afueras, que ahora el estu-dio Un ustrinum romano en Caraca de Emilio Gamo, Javier Fernández Ortea, Macarena Bustamante, Saul Martin, Santiago David Domínguez y Alejandro González Blas-describe en la revista Anas, del Museo Nacional de Arte Romano, en Mérida. 

Excavado el año pasado, el ustrinum es un edificio de planta rectangular de 8 por 10 metros, de anchos muros de un metro de grosor y que fue construido junto a vía Complutum-Cartago Nova. En la actualidad, la estructura del edificio está completamente arrasada. En lo que era el interior del crematorio, se ha descubierto una gran mancha de ceniza sobre la que se localizaron fragmentos de vidrio romano deformados por las altas temperaturas, cerámica común romana y pintada de tradición indígena, así como fragmentos de clavos de hierro, maderas y adobes quemados. El ustrinum incluía dos fosas, de unos 2,5 metros de longitud, donde fueron incineradas dos personas. 

"Creemos", afirma Gamo, "que el área central estaba destinada a albergar la pira funeraria. Probablemente los restos humanos que hemos encontrado en esta excavación fueran los restos no seleccionados de, al menos, dos cremaciones humanas". Los romanos, tras quemar los cadáveres, apagaban el fuego con agua y vino, recogían los restos óseos calcinados y los enterraban en una urna, pero siempre podían quedar algunos en el suelo. 

Los materiales arqueológicos localizados en esta estructura funeraria se caracterizan por ser una hibridación entre tradiciones locales y las romanas, según el informe. Como el cerго fue ocupado desde el Paleolítico, los expertos han hallado también 14 piezas de sílex, elementos carpetanos de finales de la Edad del Bronce y principios de la del Hierro. Pero, además, se han identificado restos óseos de animales, todos quemados en la misma pira como parte de un ritual.

Gustave Moreau

 

Joven con la cabeza de Orfeo en brazos 

Gustave Moreau 1865 

Oleo sobre tela 154x99.5 cm 

Museo de Orsay, Paris

Gustave Moreau nació en París en 1826 Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes. A los sesenta años, se convirtió en la figura clave de enfrentamiento con el impresionismo y con el cariz que estaba tomando el simbolismo francés. Entre sus admiradores, destacaron los escritores Joris-Kari Huysmans y Marcel Proust. En 1892, le nombraron catedrático de la Escuela de Bellas Artes, y Georges Rouault y Henri Matisse pasaron a ser alumnos suyos. Murió en París en el año 1898 

Cuando Moreau pintó Joven con la cabeza de Orfeo en brazos le faltaba poco para cumplir cuarenta años y ya había alcanzado la plenitud de su arte. El cuadro (al igual que su creador) fue juzgado extravagante y tuvieron que transcurrir casi dos décadas para que el gusto cultural de la época le fuera a la zaga. La oportunidad vino de manos de un nuevo grupo de jóvenes pintores simbolistas que incluía a Emile Bernard, Odilon Redon y Ker-Xavier Roussel Este cuadro es caracteristico del periodo central de Moreau: la traslación exótica y con todo lujo de detalles de una imagen que apela a misteriosas prácticas paganas y a un erotismo ritualizado. La historia de Orfeo es harto conocida. Una serpiente venenosa muerde a la ninfa Euridice, esposa de Orfeo (poeta, músico de Tracia e hijo de Apolo), y esta muere. Orfeo, desconsolado, emprende un viaje para recuperar a su amada del seno del mundo subterráneo. Hechiza a Perséfone con su música y esta accede a liberar a Euridice, siempre y cuando Orfeo resista la tentación de mirarla hasta que la ninfa haya regresado a la Tierra. Sin embargo, Orfeo no acierta a cumplir esta condición y sobreviene el desastre. Euridice se ve obligada a regresar al mundo subterráneo. Molestas por el decidido amor que Orfeo siente por Euridice, un grupo de Ménades lo descuartiza y lanza su cabeza y su lira al rio Hebro. Esta es la historia que precede al discutido episodio que pintó Moreau. Según esta versión, la cabeza y la lira de Orfeo fueron arrastradas por la corriente hasta la isla de Lesbos. La pintura muestra a una joven que, con gran respeto, recupera la cabeza cortada y la lira de Orfeo. 

Moreau contra el impresionismo

 Moreau era un encarnizado defensor de un retorno a lo mistico en la pintura. Es famosa su frase: Solo creo en lo que no veo y únicamente en lo que siento Hacer tal afirmación en un momento en que el impresionismo empezaba a difundirse implica que el artista tenia una concepción radicalmente distinta no solo de la naturaleza del arte, sino también de su propósito cultural. Por encima de todo, la nueva obra de arte simbolista tenía que enriquecer culturalmente. Al margen del interés que mostró por los pintores del Alto Renacimiento o Cinquecento (Leonardo da Vinci en particular), Moreau se sintió fascinado por el arte indio y el arte chino. En lugar de postular la disolución del detalle decorativo, que constituía el grueso del lenguaje reduccionista del impresionismo, Moreau quiso retomar una clase de pintura que evocara el pensamiento a través de la línea, el arabesco y todos los recursos ornamentales que las artes plásticas tienen a su disposición

Carteles Roland Garros 1980-2024

Web oficial Carteles
https://www.rolandgarros.com/en-us/photo-gallery/poster-art-at-roland-garros-since-1980-french-open-adami-arroyo-miro-lipski-tapies?photo=0

Cartel Roland Garros 2024

Autoría: Paul Rousteau

Cartel Roland Garros 2023

Autor: Maxime Verdier

Cartel Roland Garros 2022

Titulo:

Autor: Louise Sartor

 

Cartel Roland Garros 2021

  Titulo:

Autor: Jean Claracq

 

Cartel Roland Garros 2020

 Titulo:

Autor: Pierre Seinturier

Cartel Roland Garros 2019

 Cartel Roland Garros 2019

Titulo:

Autor: Jose Maria Sicilia

Cartel Roland Garros 2018

Cartel Roland Garros 2018

Titulo: La pelota al salto

Autora: Fabienne Verdier

Cartel Roland Garros 2017

Cartel Roland Garros 2017

Titulo:

Autor: Vik Muniz

Cartel Roland Garros 2016

Cartel Roland Garros año 2016

Titulo: 

Autor: Marc Desgrandchamps

Cartel Roland Garros 2015

2015: Du Zhenjun

Este año fue la primera vez que un artista chino - 

Du Zhenjun - diseñado el cartel del Abierto de Francia. 

Cartel Roland Garros 2014

2014: Juan Uslé.

Más recientemente, en 2014, 

el cartel fue diseñado por Juan Uslé, 

un artista conocido por su uso del color y la abstracción. 

Cartel Roland Garros 2013

2013: David Nash.

Cartel Roland Garros 2012

2012: Hervé Di Rosa.

Cartel Roland Garros 2011

2011: Barthélémy Toguo.

Cartel Roland Garros 2010

2010: Nalini Malani.

Cartel Roland Garros 2009

2009: Konrad Klapheck.

2008: Arnulf Rainer.

2007: Kate Sheperd.

2006: Günther Förg.

2005: Jaume Plensa.

2004: Daniel Humair.

2003: Jane Hammond.

2002: Arman.

2001: Sean Scully.

2000: Antoni Tapies.

1999: Antonio Segui.

1998: Hervé Télémaque.

1997: Antonio Saura.

1996: Jean-Michel Meurice.

1995: Donald Lipski.

1994: Ernest Pignon.

1993: Jean Le Gac.

1992: Jan Voss.

1991: Joan Miro.

1990: Claude Garache.

1989: Nicola De Maria.

1988: Pierre Alechinsky.

1987: Gérard Titus-Carmel.

1986: Jiri Kolar.

1985: Jacques Monory.

1984: Gilles Aillaud

Artista francés Gilles Aillaud fue el primero en describir las multitudes del Abierto de Francia

1983: Vladimir Velickovic.

1982: Jean-Michel Folon

1981: Eduardo Arroyo.

El cartel 1981 del Abierto de Francia fue diseñado por el artista pop Eduardo Arroyo, y contó con el pelo de Bjorn Borg

1980: Valerio Adami.