Maiestas Domini, Sant Climent de Taüll

Maiestas Domini, Sant Climent de Taüll | Anónimo

Siglo XII | fresco (detalle) | Museu Nacional d'Art de Cataluña, Barcelona

#1001pinturas 

022

La pequeña basílica de Sant Climent de Taull se halla en el valle catalán de Boí, una zona famosa por sus soberbios frescos románicos. La semicúpula del ábside central estaba adornada con su tradicional Pantocrátor o Maiestas Domini, en el que Cristo aparece en toda su majestad rodeado de los cuatro evangelistas. Este fresco dañado fue adquirido por el Museu d'Art de Cataluña en 1923. En esta asombrosa composición, la gran figura de Cristo está sentada, la mano derecha alzada en un gesto de bendición y la izquierda sujetando un libro en el que están escritas las palabras «Ego sum lux m(un)di» («Yo soy la luz del mundo») Sus pies reposan sobre un hemisferio decorado con hojas de acanto, una alusión al mundo terrenal y al arco iris del Libro de las Revelaciones. Los cuatro evangelistas están representados por ángeles alados. Mateo sostiene su evangelio y Juan acuna un águila Marcos y Lucas están plasmados como figuras de medio cuerpo, y están acompañados por los animales que les simbolizan, el león y el toro, respectivamente Un serafin apocaliptico (la clase superior de ángel) monta guardia a cada lado de la composición, las seis alas cubiertas por una multitud de ojos. Representadas en el registro inferior dañado están la Virgen María y los apóstoles Tomás, Bartolomé, Juan, Santiago y Felipe. El fresco fue creado por un artista desconocido, posiblemente de origen aragonés. La cualidad dramática del tema, sumada a los ropajes ondulados y la composición dinámica, hace suponer que el pintor conocía los frescos franceses contemporáneos. 

Eldrado partiendo hacia Santiago de Compostela

 

Eldrado partiendo hacia Santiago de Compostela | Anónimo

h. siglo XII | fresco (detalle) | capilla de San Eldrado y San Nicolás, abadía de Novalesa, Piamonte

#1001pinturas 

021

La abadla benedictina de Novalesa, construida sobre el valle de Susa, fue fundada en 726. Se halla situada en una sección de la via Francigena, una de las varias rutas que tomaban los peregrinos medievales que viajaban entre Roma y los tres grandes centros de la peregrinación cristiana: Jerusalén, Canterbury y Santiago de Compostela. La abadia posee varias capillas, incluida la de San Eldrado y San Nicolás. San Eldrado fue abad de Novalesa en el siglo IX. Toda la capilla está revestida de frescos con escenas de la vida de san Eldrado, san Nicolás y figuras bíblicas. Los frescos datan de 1100 y son tipicos del estilo románico dominante en la Europa de la época, están en deuda con el arte bizantino en sus po-ses estilizadas y exageradas, que carecen de perspectiva, pero irradian vida y color. La abadia debia de gastar notables recursos en los verdes, rojos y dorados intensos, pues la pintura era un lujo caro. En Eldrado partiendo hacia Santiago de Compostela, San Eldrado, vestido con túnica y mallas, se agacha para recibir el báculo de un peregrino y la bolsa de limosnas de un sacerdote. La palabra sacerdos (sacerdote), detrás de la otra figura revela al espectador que san Eldrado está recibiendo la bendición antes de emprender el peregrinaje. Las figuras están enmarcadas por un arco con columnas clásicas romanas, coronadas por una iglesia. Las palabras eclasci petri indican que es san Pedro de Roma. Los bordes, decorados con frutas y flores a la manera típica románica, añaden profundidad. Se trata de una escena maravillosa, procedente de un conjunto de frescos que supone un logro artístico asombroso.

Las compras Inka Essenhigh

 

Las compras
Inka Essenhigh 2005

óleo sobre linóleo
178x193cm
Saatchi Galle

#1001pinturas
998

Las fluidas figuras de los cuadros expresionistas ultrabrillantes de Inka Essenhigh (1969) suscitan comparaciones con las ilustraciones de las novelas gráficas, la japanamation, las miniaturas persas y las mordaces obras expresionistas de Otto Dix, John Heartfield y George Grosz. Sus superficies lamidas, su visión del mundo distópica y la paleta iluminada con tonos fluorescentes confrontan a los espectadores con una sensación visual alucinatoria. Essenhigh nació en Pensilvania, se formó en Columbus, Ohio, y en Nueva York, y en la actualidad vive en Manhattan. La variedad de estilos de vida banales que ha encontrado en estas localidades tan distintas inspira sus imágenes distorsionadas de la vida contemporánea. De compras es una sátira de las zonas residenciales pobladas de rubias provocativas y de curvas sinuosas con ropa deportiva y tacones de aguja que en sus ratos de ocio adquieren artículos empaquetados en estantes de diseño futurista. Las mujeres, concentradas en sus banales decisiones, son la viva imagen de las esposas-florero de Los Ángeles y las matronas de Nueva Jersey. Sus cuerpos han sido estirados y tonificados por el ejercicio para alcanzar la flexibilidad y la fuerza de los personajes de animación que inspiran a Essenhigh.
Pero sus vidas cotidianas quedan confinadas en las mismas actividades intrascendentes de los aristocratas
consentidos de Hogarth o las mujeres acaudaladas y bobas de las que se burla Daumier. Cada época necesita un artista que se atreva a reconocer la estupidez y la hipocresía de su tiempo. Essenhigh lo hace con una belleza e ingenio incisivos.

Brita al piano

Brita al piano

Carl Larsson 1908

lápiz, carboncillo y acuarela sobre papel

97 x 63 cm

colección particular

#1001pinturas 

609

Este es uno de los cuadros de Carl Larsson (1853-1919) sobre la vida hogareña rural en Sundbom que le convirtieron en el artista sueco más popular. Plasma a su hijita Brita, uno de los siete hijos de Larsson que aparecía con regularidad en los cuadros de su padre disfrutando de todo tipo de actividades. Larsson es famoso especialmente por sus acuarelas. Le gustaban los tonos frescos y uniformes que estas proporcionaban en comparación con los óleos, y este cuadro está compuesto de diversas zonas de colores bidimensionales. Como muchos artistas europeos de su tiempo, era un gran admirador de los grabados japoneses. Esta imagen posee objetos muy perfilados, con la pata del piano y el atril plasmados de forma muy decorativa. La extraña composición presenta un objeto grande cortado en primer plano (el piano) y un personaje (Brita) casi oculto. Todas estas características son reflejo de los grabados japoneses que circulaban en aquella época. Tipico del estilo que aplicaba a sus acuarelas, aunque tal vez con un poco más de luces y sombras, posee la cualidad de un libro de ilustraciones. Larsson habia trabajado de ilustrador y admiraba la obra de varios ilustradores de libros contemporáneos. Lo que creo fue un sencillo arte decorativo sueco, enriquecido con diversas influencias europeas y orientales. Aunque el espectador solo puede ver un rincón de la sala, está claro que la decoración es sencilla, luminosa y no recargada. Larsson y su esposa Karin diseñaron o fabricaron todos los objetos de su casa. Entre otros talentos artisticos, Karin fue una diseñadora de telas y tejedora muy competente, que fabricaba sus propios artículos textiles. 

Molino al sol

 

Molino al sol

Piet Mondrian 1908 

óleo sobre lienzo 114 x 87 cm

Haags Gemeentemuseum, La Haya

#1001pinturas

608

Si bien es más conocido en la actualidad como artista abstracto, Piet Mondrian (1872-1994) abordó al principio un amplio abanico de estilos, convencido de que el tema de un cuadro era tan importante como la forma de pintarlo. Mondrian afirmaba que la función del arte era trazar una visión del mundo clara, y fue esta idea la que le condujo al final a suprimir de su obra cualquier ilusión de espacio pictórico en favor de un modo de composición más apropiado para la superficie bidimensional del lienzo. Incluso en sus primeros paisajes (competentes imitaciones de la obra temperamental e impresionista de sus colegas compatriotas) Mondrian expresaba la necesidad de crear un entorno que fuera puro y completo en su belleza. En la plasmación de molinos, iglesias y dunas, ejecutada 

con un estilo luminista de colores brillantes, Mondrian dedicó gran atención al juego de la luz natural sobre los objetos. Molino al sol, tal vez el mejor cuadro de este estilo, encuentra su inspiración más inmediata en los cuadros fauvistas de Henri Matisse y André Derain. Ya observamos a Mondrian combinando geometrías abstractas con bloques de color sin adulterar Sin embargo, no hay nada más erróneo que pensar en Mondrian como en un formalista objetivo en busca de armonías decorativas Las sentidas convicciones utópicas que le condujeron a la abstracción se basaban en la visión platónica de la realidad, en la creencia de que cuanto nos rodea es un mero reflejo de una verdad más profunda, y esa visión está a punto de concretarse en cuadros como Molino al sol.

Botellas y frutero

Botellas y frutero

Giorgio Morandi 1916
óleo sobre lienzo 60 x 54cm
Peggy Guggenheim Collection
Venecia

#1001pinturas
659

Aunque el nombre de Giorgio Morandi (1890-1964) se asocia con el género del bodegón, sus orígenes artísticos no estaban enraizados en el mundo observable, sino en lo que podría describirse con alguna licencia como arte metafísico. Lo intrigante de Botellas y frutero reside en que la tendencia a infundir cierto aire de extrañeza a un grupo de objetos no del todo definidos se une a un compromiso más directo con lo cotidiano. Nada nos impide dar una interpretación antropomórfica de estos tres objetos situados en un espacio indeterminado, viéndolos como figuras que pueblan un paisaje poco definido. Morandi se concentró cada vez más en una gama reducida de objetos de modestas dimensiones (sobre todo botellas y otros recipientes) que pintaba precisamente porque siempre aparecían como lo que eran, cosas inertes y banales, sin significado. El pintor usó las convenciones del bodegón como un modo de destilar y armonizar determinados aspectos del mundo concreto. Botellas y frutero permite asomarse a los entresijos de la sensibilidad del artista, tanto en el ímpetu original de su creatividad como en el posterior refinamiento de la obra.

Caminante sobre un mar de niebla

Caminante sobre un mar de niebla Caspar David Friedrich 1818

óleo sobre lienzo 98,5 x 75 cm Hamburger Kunsthalle, Hamburgo

#1001pinturas 

373

El sublime poder de la naturaleza fue un tema dominante en las pinturas de Caspar David Friedrich (1774-1840). El paisaje de su Alemania natal fue una fuente de Inspiración para el artista, pero su historia personal también podría explicar la tensión que supo plasmar. Cuando era un chiquillo, patinaba con su hermano sobre la superficie helada del mar Báltico cuando el hielo se resquebrajó. Caspar resbaló dentro y su hermano murió por salvarlo. La depresión que el artista padeció de adulto le llevó a intentar cortarse el cuello, sin éxito. La relación existente entre el trauma y la inspiración queda clara en la afirmación de Friedrich: «El artista no deberia pintar solo lo que tiene delante, sino también lo que ve en su interior. Y si no ve nada, tendría que dejar de pintar lo que tiene delante».

Un mar embravecido se estrella frente a la solitaria figura de Caminante sobre un mar de niebla. Este cuadro, que el artista realizó el mismo año de su boda, podría expresar la lucha personal que sostuvo para dominar sus emociones encontradas y tranquilizar a su joven desposada. Friedrich, quien empezó a pintar al óleo a partir de los treinta años, demuestra haber poseido un profundo conocimiento del medio en los ricos matices del color oscuro al que recurre para plasmar una imaginería desgarradora. Los acontecimientos tergiversaron el legado de Friedrich cuando Adolf Hitler decidió apropiarse de una de sus pinturas y emplearla como propaganda nazi. Sin embargo, a pesar de la anacrónica conexión, la belleza mística y melancólica de sus paisajes ha perdurado hasta nuestros dias. 

Bosque de árboles jóvenes, flores de ciruelo

Bosque de árboles jóvenes, flores de ciruelo

Clifton Pugh 1984

óleo sobre lienzo |

91,4 x 111,7 cm

colección particular

#1001pinturas 

938

Nacido en Victoria, Australia, Clifton Pugh (1924- 1990) fue enviado a Papúa Nueva Guinea como dibujante del Servicio de Inteligencia Militar durante la Segunda Guerra Mundial. En 1947 se inscribió en la National Gallery of Victoria Art School, donde destacó por la calidad de su trabajo y por su sintonía con el mundo natural. La belleza sencilla de Bosque de árboles jóvenes, flores de ciruelo tiene dejes del arte japonés. Ensalza el mundo natural en todas sus formas con la rama puntiaguda muerta del árbol del primer plano, que emula la forma de la cabeza de un pájaro. El estilizado crecimiento de los árboles jóvenes contrasta a la perfección con la madera más vieja y nudosa, que evocan el ciclo de la vida y la perdurable belleza de la naturaleza. Su primera exposición individual en 1957 le granjeó el clamor de la critica. A partir de aquel momento, Pugh se convirtió en uno de los artistas más populares de Australia y se aprovechó de ello para desempeñar una función destacada en el mundo político. Partidario incondicional del Partido Laborista Australiano, pintó seductores retratos de sus figuras destacadas, como su aclamado retrato de Gough Whitlam de 1972. En 1953 Pugh fue miembro fundador de la Dunmoochin Artists Society, una agrupación de artistas que valoraba la belleza del paisaje de Victoria, donde vivian. Poco antes de su muerte, Pugh contribuyó a preservar el futuro de la zona creando la Fundación Dunmoochin, una institución benéfica dedicada a la conservación del medio ambiente. 

El templo de Isis y Osiris

El templo de Isis y Osiris

Karl Friedrich Schinkel 1816

pintura para la escenografia de una ópera

Staatliche Museen, Berlin

#1001pinturas 

372

Karl Friedrich Schinkel (1781-1841), arquitecto y pintor prusiano, diseñó algunos de los proyectos arquitectónicos más emblemáticos de Berlín. Nacido en Brandeburgo y alumno de Friedrich Gilly en Berlin, Schinkel decidió en la exposición de Berlín de 1810 que nunca sería un maestro en el arte de la pintura y se volcó en la arquitectura. A lo largo de su vida, creó la Neue Wache, la Schauspielhaus en el Gendarmenmarkt y el Altes Museum Destacado impulsor de la recuperación de lo clásico, Schinkel adoptó un depurado estilo teutónico, basado en el léxico de las antiguas mitología y arquitectura griegas. El templo de Isis y Osiris donde Sarastro fue sumo sacerdote es el telón de fondo para la escena final de La flauta mágica, de Wolfgang Amadeus Mo- zart. En la ópera, Sarastro, el sabio sacerdote de Isis y de Osiris, rey del mundo subterráneo, libera a Pamina de la influencia de la Reina de la Noche. Tanto Schikaneder, que escribió el libreto original, como Mozart y Schinkel fueron francomasones. Las ideas que se postulan en la ópera son masonas en su contenido y reflejan motivos de la llustración: Sarastro simboliza al soberano que gobierna con la razón, la sabiduría y una iluminada introspección hasta vencer a la oscuridad irracional. Las fieras que aparecen en las columnas como protectoras del mundo subterráneo son una variación innovadora de los templos griegos que Schinkel solía emplear en sus otros diseños arquitectónicos. En esta pintura, perteneciente a la última escena, la arquitectura domina un cielo eléctrico, toda vez que representa la justicia y el orden del preclaro espíritu griego.

Bonjour, monsieur Courbet

Bonjour, monsieur Courbet

Gustave Courbet 1854

óleo sobre lienzo 129 x 149 cm

Musée Fabre, Montpellier

#1001pinturas 

428

En la década de 1850, Gustave Courbet (1819-1877) era el artista más polémico de Francia. Rebelde declarado contra la sociedad burguesa, se lo veia como el lider de la escuela realista, y fue ridiculizado sin tregua por la supuesta vulgaridad y fealdad de sus cuadros. Tuvo la suerte de encontrar un cliente rico, Alfred Bruyas, que solucionó sus graves problemas económicos. En mayo de 1854, Courbet viajó al sur de Francia, a Montpellier, para pasar unos días con Bruyas. Fue en el transcurso de esta estancia cuando pintó El encuentro, popularmente llamado Bonjour, monsieur Courbet. La escena se desarrolla bajo un cielo soleado y luminoso. El efecto de los personajes, erguidos contra un paisaje de lo más banal, es de una monumentalidad extrañamente onírica Bruyas (pelirrojo) saluda ostentosamente con el sombrero. Está de pie, pero con la mirada baja, humilde. Tras él, su criado Calas inclina respetuosamente la cabeza. Breton, el perro de Bruyas, parece el único a quien no intimida la presen- cia del pintor. La postura de Courbet, con su mochila llena de utensilios de pintura, se basa en un grabado del Judío Errante, representación simbólica de la humanidad doliente. Recibe el sol de lleno y proyecta una sombra muy nítida, mientras que las figuras de Bruyas y su criado se ven atenuadas por la sombra. La arrogante inclinación de la cabeza del pintor, y lo prominente de su barba, indican que acepta la muestra de respeto como algo que se le debe. Aunque fuera clasificado como realista, en este cuadro Courbet formula rotundamente la visión romántica del artista como profeta y rebelde que se merece el homenaje de la humanidad  

Joven reclinada

 

Joven reclinada

François Boucher 1751 

óleo sobre lienzo 59,5 x 73,5 cm Wallraf-Richartz Museum, Colonia

#1001pinturas 

François Boucher (1703-1770) hizo dos versiones muy parecidas de este desnudo voluptuoso. La segunda, de 1752, es uno de sus cuadros más famosos. Estas obras, pintadas en plenitud de facultades, apuntalan su reputación como uno de los mejores artistas del rococó en Francia. Este estilo floreció en la corte de Luis XV, antes de la Revolución francesa. Abogaba por la elegancia y el refinamiento, pero también se caracterizaba por un gran desenfado y un sentido lúdico del erotismo. Los clientes de la nobleza adornaban sus paredes con correrias de ninfas y diosas. En respuesta a esta demanda, Boucher se volvió un experto en retratar el cuerpo femenino y realizó miles de esbozos de distintas modelos que usó repetidamente en sus composiciones de gran formato. Joven reclinada destaca entre casi todos sus desnudos por su carácter directo. En este himno a la sensualidad no hay ninguna pretensión de colocar a la modelo en un contexto mitológico o narrativo. El perfume embriagador de la rosa tirada en la alfombra apela al sentido del olfato, mientras las telas (terciopelos y sedas arrugados) evocan el del tacto. El ambiente general es de inocencia malcriada. Se suele identificar a la joven como Louise O'Murphy, hija de un zapatero irlandés que empezó a posar a los catorce años para huir de la pobreza de su entorno, y que en poco tiempo se hizo famosa por su belleza. Durante un tiempo fue una de las amantes de Luis XV. También conoció a Casanova, que en sus memorias la describe asi: «Blanca como un lirio y dotada de toda la belleza que podría otorgar la naturaleza o el arte de un pintor.

Bodhisattva Padmapani

Bodhisattva Padmapani
Anónimo Siglos V-VI
mural (detalle) 610 x 122
cueva 1 de Ajanta, aldea de Lenapur, cerca de Aurangabad

#1001pinturas
015

El mural de Bodhisattva Padmapani, en las curvas de Ajanta situadas en el Estado de Maharashtra, al oeste de la India, refleja la belleza y sofisticación clásica de las artes de la dinastía Gupta. Estas cuevas fueron ex-cavadas en la roca durante más de seis siglos, y funcionaban como retiro monástico y lugar de culto Su cometido era difundir la doctrina budista por mediación de los peregrinos, monjes, artesanos y mercade res que viajaban por la región. Las cuevas fueron decoradas y excavadas entre el año 200 a C y el 650 de nuestra era, y la historia de Buda constituyó la inspiración de casi todas las obras. El mural de Bodhisattva Padmapani es uno de los más tardíos, y se considera en la actualidad un ejemplo del estilo autóctono de aquella era. Presenta un intento sin precedentes de realismo, algo inusual en la pintura india de aquel tiempo. El artista se servía del uso de la luz y las sombras a fin de potenciar la importancia del protagonista. Los pigmentos naturales del verde, negro y rojo se pintaban sobre una superficie de revoque. Los finos contornos negros de la figura, asi como el delicado tratamiento de su rostro, dan como resultado un efecto global profundo y conmovedor. La entrega a la meditación de Padmapani se subraya mediante los labios gruesos, la nariz y la cintura esbeltas, las cejas sinuosas y alargadas, los ojos en forma de loto. Si bien la divinidad está muy idealizada, el enfoque realista resulta evidente. Podemos deducir que la corona y las joyas son de inspiración laica. El mural es la encarna ción perfecta del clásico género de Gupta.

Exposición de un rinoceronte en Venecia

Exposición de un rinoceronte en Venecia

Pietro Longhi 1751

óleo sobre lienzo 60,5 x 47 cm

National Gallery, Londres

#1001pinturas 

En 1741 el capitán de barco holandés Douwe Moot van der Meer desembarcó en Rotterdam con una hembra de rinoceronte indio, el quinto ejemplar de su especie que se veía en Europa desde los tiempos del imperio romano. Aprovechando la lógica curiosidad que despertaba el animal, Van der Meer lo paseo durante muchos años por el Viejo continente cobrando entrada. Cuando fue expuesto en Venecia, durante el carnaval de 1751, el pintor veneciano Pietro Longhi (1701-1785), muy solicitado por sus escenas de género, recogió dos veces el acontecimiento por encargo de dos clientes de la nobleza. Esta versión fue pintada para el aristocrata Girolamo Mocenigo. El rinoceronte rumía tranquilamente su paja con un aspecto dócil y triste que nada tiene que ver con la agresividad y la ferocidad que se le atribuían. La falta de cuerno subraya su apariencia inofensiva. Al parecer lo había perdido en junio del año anterior, en una estancia en Roma, frotándoselo contra la jaula. El domador enseña el cuerno caído y un látigo, a la vez que señala al animal con la otra mano. Las máscaras que era tradicional llevar en Venecia por carnaval dan un toque siniestro al público. La mujer del fondo lleva una pequeña moreta negra ovalada. En primera fila, tres de las figuras con tricornio se cubren con una máscara blanca, la bauta. Quizá la intención fuera festiva, pero el efecto de la escena es de una extraña incongruencia, por la yuxtaposición de un publico elegante y un animal grotesco, tristón y resignado a lo indigno de su suerte. 

Bodegón con piezas de caza

Bodegón con piezas de caza 

Juan Sánchez Cotán 1602

óleo sobre lienzo 67,8 x 88,7 cm

Art Institute of Chicago, Chicago

#1001pinturas 

El concepto de bodegón al que más se aproxima Juan Sánchez Cotán (h. 1560-1627), nacido en la localidad manchega de Orgaz, posiblemente sea el de raigambre clásica. Según Plinio el Viejo, los pintores (y rivales) de la Grecia clásica Zeuxis y Parrasio compitieron en virtuosismo técnico hasta que Zeuxis pinto un bodegón de uvas tan convincente y verosímil que hubo pájaros que se posaron sobre la obra creada para intentar picotear la falsa fruta. Entonces Parrasio pidió a Zeuxis que descorriera unas cortinas, a fin de poder ver lo que había pintado, y al intentarlo este último se dio cuenta de que su rival había pintado unas cortinas tan realistas que engañaban hasta a los ojos de un artista. Los bodegones de Sánchez Cotán quizá no lleguen a tanto, pero su autor (selectivo y parco al máximo a la hora de disponer una pequeña cantidadde objetos) tenía la pretensión de que sus obras se acercaran lo más posible a la realidad. Este Bodegón con piezas de caza, descubierto hace poco, presenta algunos elementos (aves muertas, frutas y hortalizas) en un espacio de escasa profundidad visual parecido a una caja. Los elementos de la composición, colgados o apoyados en una repisa, mantienen su integridad a la vez que partícipan de la armonía general, plasmada visualmente en una especie de arco. Dando muestras de un gran virtuosismo, Sánchez Cotán cuelga el pato delante del marco propiamente dicho, de modo que casi invade el espacio de quien contempla la obra. Aparte de dotar a los elementos de esta naturaleza muerta de una cualidad palpable, la figura de este pintor encarna un enfoque totalmente personal del bodegón. 

Joven con violín

Joven con violín

Frans Hals 1625-1630

óleo sobre tabla 

18,4 x 18,8 cm

colección particular

#1001pinturas

221

Es posible que los impresionistas reclamen la invención de la técnica de pintura que plasma la vida sin romanticismos, en el último tercio del siglo xix, pero con la excepción de los dibujos y las acuarelas de Edgar Degas en el burdel donde vivia, nunca llegaron a capturar el bajo vientre de la vida sórdido y sucio con el poder y la identificación de Frans Hals (1582-1666). Este nació en Ambe res antes de la guerra de los Treinta Años. Su profesor fue el maestro flamenco Karel van der Mander, pero su estilo no se parecia en nada al de este. Hacia 1616, Hals se ha bía hecho famoso en Haarlem gracias a su retrato de grupo Banquete de los oficiales de la guardia civica de san Jorge En los inicios de su carrera, se había granjeado cierta popularidad de bebedor empedernido, siempre rode ado de prostitutas, jugadores, ladrones y demás gente de «mala reputación». Hals alcanzó su cúspide durante las décadas de 1620 y 1630, el período en el que pintó Joven con violin. La expresión espontánea y patética del niño, que levanta la vista de su violin con una mezcla de esperanza y miedo, aparece capturada en movimiento, hecho que subrayan aún más las audaces pinceladas y el osado ángulo en diagonal de la figura en relación con el lienzo. Estas cualidades explican por qué sus retratos eran tan dinámicos y atractivos para sus contemporáneos, y más tarde para los impresionistas, que reavivaron su farma Aunque durante toda su vida fue un pintor de éxito muy cotizado, marchante de arte y restaurador, hasta llegar a ser presidente de la Sociedad de Pintores de Haarlem, fue destituido en 1664. Murió en 1666 y fue enterrado en la iglesia de San Bavón de la misma ciudad. 

Los pastores de Arcadia

Los pastores de Arcadia

Nicolas Poussin 1628-1629

óleo sobre lienzo 101 x 82 cm

Chatsworth House, Derbyshire

#1001pinturas

220

Durante el siglo xvii ciertos artistas trataron de emular los precedentes clásicos, concretamente la escultura antigua, para crear algo que pudiera ser considerado como una nueva forma de clasicismo. Quizá el artista que se asocia más estrechamente a este período de la historia de la pintura sea el francés Nicolas Poussin (1594-1665), Una de las razones de que se le tenga en tanta estima es su altura intelectual. En tanto que filósofo y pintor, Poussin puso un gran empeño en que sus cuadros estuvieran impregnados de un ideal clásico con raíces en la Antigüedad griega y romana En Los pastores de Arcadia, pintado hacia 1628-1629, tres pastores y posiblemente una pastora (aunque su forma de vestir podría denotar otra condición social) aparecen reunidos ante una tumba de piedra con la inscripción Et in Arcadia ego, cuya traducción es «yo también vivi en Arcadia El concepto de Arcadia tiene su origen en la quinta égloga de Virgilio, y fue uno de los temas dominantes de la poesía renacentista y barroca Para Virgilio, y los poetas posteriores, la Arcadia era una tierra idilica, feliz y bucolica. El tratamiento de las figuras está en consonancia con el paisaje Ambos son clásicos, contenidos, idealizados y armoniosos Pintando las figuras de modo que ocupen casi todo el primer plano, Poussin se ase- gura de que nos fijemos en su descubrimiento, esto es, que la muerte es omnipresente La calavera puesta encima de la tumba mentaliza aún más a los personajes congregados a su alrededor sobre el destino que a todos nos aguarda. 

Adoración de los pastores

Adoración de los pastores

Giorgione 1505-1510

óleo sobre tabla 91 x 111 cm

National Gallery of Art, Washington

131 #1001pinturas 

Teniendo en cuenta que la vida productiva de Giorgio Barbarelli di Castelfranco (h. 1477-1510), llamado Giorgione, solo duró quince años, y que se sabe poco de él, lo cierto es que inspiró un respeto tan grande como su influencia posterior. Formado en Venecia, en el taller de Giovanni Bellini, tuvo entre sus discípulos a Sebastiano del Piombo y Tiziano, Giorgione murió de peste cuando tenía poco más de treinta años. La Adoración de los pastores, también conocida como Natividad Allendale por el nombre de sus propietarios ingleses del siglo XIX, es una de las mejores representaciones de la Natividad en el Alto Renacimiento. También está considerada como una de las obras de Giorgione de atribución más segura Se caracteriza por los tonos claros del cielo, típicamente venecianos, y por el bucolismo del ambiente. La Sagrada Familia recibe a los pastores en la boca de una cueva oscura. Si están iluminados es porque el Mesías trajo la luz al mundo. La madre del Niño Jesús, María, aparece envuelta en luminosos ropajes azules y rojos, siguiendo la tradición que identifica el color azul con lo divino y el rojo con su humanidad.  

Boda campesina

 

Boda campesina 

Pieter Bruegel el Viejo 1568

óleo sobre tabla 114 x 163 cm Kunsthistorisches Museum, Viena

179 #1001pinturas 

Durante varios siglos la fama de Pieter Bruegel el Viejo (h. 1525-1569) se debió principalmente a sus escenas campesinas cómicas. En realidad, los temas campesinos le servían de vehículo para alegorías morales lle- nas de desenfado Según un texto de la época, Bruegel solla acudir a las bodas rurales disfrazado de campesino, para poder observarlas con detalle Al margen de que la anécdota sea verídica, el pintor describe los fes tejos con un gran poder de convicción Este cuadro contiene un pequeño misterio: ¿dónde está el novio? A la novia se la reconoce sentada en el lugar de honor, pero la ubicación de su marido no está tan clara. Un posible candidato es el personaje en primer plano que se vuelve para pedir más bebida Ha sido señalado siguiendo la teoría de que la novia se casa con un hombre de ciudad hipótesis que también explicaría la presencia de algunos invitados urbanos y de buena posición La sala parece una parodia de un salón de la aristocracia, con una sábana como mantel improvisado y una puerta vieja para llevar la comida Irónicamente, el más distinguido de los invitados (el último de la derecha) está sentado en una tina al revés. A pesar del humorismo de la escena, Bruegel no pudo resistirse a moralizar un poco. Algunos críticos han interpretado el cuadro como un sermon contra la gula. En primer pla no, por ejemplo, el niño del sombrero demasiado grande se está chupando el dedo, postura que solía simbolizar el hambre. En la época de Bruegel podia ser una referencia especialmente incisiva, ya que los Países Bajos salian de una hambruna

La tempestad

La tempestad

Giorgione 1505-1510

óleo sobre lienzo 182 c 73 cm

Gallerie dell'Accademia, Venecia

#1001pinturas

130

La primera descripción que se conoce de La tempes tad de Giorgione (h. 1477-1510) es de 1530 y dice: «El paisaje sobre lienzo con la tormenta, la zingara y el soldado, hecho de mano de Giorgio Barbarelli da Cas- telfranco [el nombre completo de Giorgione]». La notable de esta pintura es que el paisaje, formado por la ciudad de la colina y el relámpago del centro, es un elemento narrativo casi tan importante como las figuras del primer plano. Se ha dicho incluso que esta obra es la semilla de la que nació la tradición de la pintura paisajistica del siglo XVII. En la parte derecha de la imagen aparece una madre casi desnuda, envuelta en una manta de inocente blancura, amamantando a su hijo mientras es observada por el soldado de la izquierda, La tormenta a punto de estallar aporta tensión a la escena, y el eje vertical que sirve para subrayar la distancia entre los dos adultos. El cielo, sin embargo, no es un cielo negro, sino con tonos verdes y azulados que respiran belleza natural. Así el ambiente es de expectación, pero no de mal aguero. Giorgione usa la simetría del cuadro para involucrar al espectador en el paisaje.  

Boccaccio

Andrea del Castagno 1450

fresco exento 250 x 154 cm

Uffizi, Florencia

#1001pinturas

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Miembro de la escuela florentina, Andrea del Castagno -Andrea di Bartolo di Bargilla, h. 1418-1457- recibió el encargo de pintar el Ciclo de hombres y mujeres famosos en la Villa Carducci de Legnaia no antes de junio de 1449, fecha del fallecimiento de su propietario, Filippo Carducci. El Ciclo consta de nueve retratos situados en nichos individuales, pintados como hornacinas de mármol monumentales separadas por pilares Lo componen tres jefes militares florentinos (Farinata degli Uberti, Pippo Spano y Niccolò Acciaiuoli), tres mujeres famosas (la sibila de Cumas, la reina Esther y la reina To- miris) y fres poetas toscanos (Dante Alighieri, Francesco Petrarca y Giovanni Boccaccio). La elaborada decoración arquitectónica de techo y paredes enfatiza las cuaIidades monumentales de los personajes Estas austeras figuras basadas en modelos de Masaccio y Giotto, ofrecen al observador una representación exaltada de las cualidades deseadas por el hombre renacentista fuerza fisica, virtud moral y un sutil intelecto. Las nueve figuras dan la sensación de estar gesticulando y mirándose unas a otras Boccaccio (1313-1375), el poeta y erudito italiano autor del Decamerón, es la figura final y se nos presenta como una estatua a tamaño natural coloreada y elegantemente vestida situada en la pared para que el observador la contemple Boccaccio porta un libro encuadernado en cuero y mira a Petrarca, resaltando el hecho de que ambos contribuyeron a elevar la literatura vernácula al nivel de los clásicos de la Antigüedad y sirvieron como modelos de iconos renacentistas merecedores de ser emulados.