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sábado, 25 de julio de 2026

Diseños seleccionados nuevos billetes de Euro 2026

 los 10 diseños de los billetes de Euro 2026

Temática: Cultura europea

  • Studio Joost Grootens (Países Bajos)


  • Neue Gestaltung GmbH (Alemania)


  • Myrsini Vardopoulou (Grecia)


  • Rubio & del Amo junto a Cruz más Cruz (España) (propuesta a cargo de Julián Garnés, Guillermo Rubio y Pepe Cruz)


  • Atelier Goppel-Toperngpong (Alemania) (liderado por Gisela Göppel y Toperngpong)

Temática: Ríos y aves


  • PunktFormStrich (Alemania)

  • Rudy Guedj y François Girard-Meunier (Francia / Países Bajos)

  • Jan Robert Dünnweller (Alemania)

  • Isabelle Daëron (Francia)

  • Ville Tietäväinen (Finlandia) 


Los diseños de la nueva imagen de los billetes de Euro

Los diez diseños candidatos a ser la nueva imagen de los billetes de euro

  • Se trata del primer rediseño completo de los billetes desde su emisión en 2002
  • Las propuestas seleccionadas por un jurado de expertos se someten ahora a encuesta pública

El euro está decidiendo su nuevo aspecto. Y es que el Banco Central Europeo (BCE) ha dado a conocer las propuestas de diseño seleccionadas para la próxima serie de billetes de euros, y que supone el primer rediseño completo de los billetes desde su emisión en 2002.

Las propuestas preseleccionadas, tal y como explican desde el organismo, proceden del concurso de diseño convocado por la Unión Europea el años pasado a nivel comunitario y en el que participaron más de 1.200 diseñadores gráficos. De éstos, 25 fueron invitados a presentar propuestas para uno o ambos temas. 

Las propuestas han sido seleccionadas por un jurado compuesto por 21 expertos

Los diez diseños ahora seleccionados han sido elegidos por un jurado independiente formado por 21 expertos en diferentes ámbitos, como diseño gráfico, comunicación, neurociencias e historia. Se trata de diseñadores, arquitectos, fotógrafos, responsables de agencias o profesores de universidad, y cada uno de ellos ha sido designado por un banco central de la zona del euro.

Las propuestas se están sometiendo ya a una encuesta pública online que permanecerá activa hasta el próximo 21 de septiembre. El proceso, según expone el BCE en un comunicado, supone un elemento fundamental del enfoque inclusivo del Eurosistema y garantiza que se tengan en cuenta las opiniones de los ciudadanos de toda Europa

Además, tal y como explica, una empresa independiente de estudios de opinión llevará a cabo una encuesta paralela en la que invitará a responder a las mismas preguntas a una muestra representativa de ciudadanos de la zona del euro. El BCE publicará un informe sobre los resultados de ambas encuestas una vez seleccionado el concepto de diseño definitivo. 

Estas son las propuestas de diseño para los billetes de euro

Los diseños responden a dos temas: por un lado, “La cultura europea”, para recordar el patrimonio común y a figuras europeas célebres, como María Callas, Miguel de Cervantes o Leonardo da Vinci; y por otro, “Ríos y aves”, con la intención de destacar la resiliencia y diversidad del mundo natural, complementadas por las instituciones europeas.


Dichos temas se dieron a conocer en enero de 2025 y, como se señaló en su momento, nacen de las sugerencias de dos grupos consultivos multidisciplinares de toda la zona del euro, así como de las preferencias expresadas por más de 365.000 europeos en las encuestas públicas realizadas en verano de 2023. También se llevaron a cabo reuniones con grupos focales entre diciembre de 2021 y marzo de 2022.

Aquí puedes conocer más acerca de los distintos diseños; y a continuación desglosamos la estrategia detrás de cada uno de ellos: 

Diseño A - Studio Joost Grootens 

Este diseño se centra en los ojos de grandes personajes europeos, aludiendo a la observación, la percepción y la reflexión. También pone el foco en la boca para simbolizar la expresión, el diálogo y el intercambio. Con ello busca poner de relieve la capacidad humana para la creación cultural. En el reverso, espacios culturales contemporáneos muestran a personas de distintas procedencias y edades reunidas, interactuando y compartiendo. 

Diseño B - PunktFormStrich 

En esta propuesta cada billete presenta una especie de ave específica en relación con su hábitat. Incluye barras horizontales que representan visualmente el canto de cada ave, mientras que una escala vertical indica su velocidad de vuelo; y también se incluyen información y datos sobre la especie representada. En el reverso, se muestran edificios institucionales de la Unión Europea y el mapa del continente.

Diseño C - Neue Gestaltung GmbH 

Este diseño conecta cada figura relevante con aspectos reconocibles de su vida y obra, así como con un color predominante. En el caso de Marie Curie, se asocia a una gama de azules y a formas que componen una probeta. En la parte posterior, por su parte, se incluye el mapa de Europa. En el reverso, un mapa de Europa con una sobreimpresión de las constelaciones, y se combina con una escena contemporánea en un espacio cultural, como bibliotecas o teatros. 

Diseño D - Rudy Guedj y François Girard-Meunier 

En esta propuesta las aves aparecen sobre paisajes abstractos, pero que evocan el curso de un río. También se da presencia a los rayos de luz y a las huellas de cada especie. En el reverso, los edificios de las instituciones europeas se acompañan con gestos humanos, aludiendo a la colaboración y la cooperación, y patrones que evocane transformación. 

Diseño E - Myrsini Vardopoulou 

Esta opción se centra especialmente en el valor universal de la obra de cada figura europea, en ambas partes del billete. Los elementos se ordenan en un círculo y los símbolos añaden referencias sutiles que invitan a una reflexión conceptual más profunda de sus respectivos legados. 

Diseño F - Jan Robert Dünnweller

Este diseño ha buscado ilustrar el lema oficial de la Unión Europea, “Unidos en la diversidad”. Estos se plasma en un collage de formas, texturas que y colores que acompañan, por un lado, a los retratos a mano de las figuras ilustres, y por el otro, al mapa de Europa y a representaciones de personas  los espacios culturales compartidos. 

Diseño G - Rubio & del Amo y Cruz más Cruz 

Esta propuesta también da protagonismo a la mirada y busca crear un diálogo entre quienes forjaron la identidad europea y los ciudadanos actuales. Se caracteriza por patrones lineal y una textura común que une transversalmente la serie. Al girar los billetes en sentido horizontal, aparecen cuatro bloques verticales, cada uno inspirado en una letra de la palabra “Euro”. 

Diseño H - Atelier Goppel-Toperngpong 

El agua ocupa un papel destacado en esta propuesta, al ejercer como fuerza moldeadora del entorno y los hábitats europeos, y acompaña a las representaciones de las diferentes especies de aves. En el reverso, las distintas formas del agua; ya sean gotas o corrientes, apoyan a los edificios de las instituciones y al mapa del continente. 

Diseño I - Isabelle Daëron

Esta propuesta se articula en torno al movimiento y establece las aves como mensajeras, representadas en solitario en el anverso y en grupo en el reverso, como símbolo del diálogo y la interdependencia de las sociedades y la naturaleza. De nuevo, el agua aparece en el curso de un río, desde el nacimiento hasta su desembocadura en el océano. Aquí interactúan dos tipos de patrones, uno dibujado a mano con rotulador y otro basado en vectores. 

Diseño J - Ville Tietäväinen

Una historia visual del curso de los ríos europeos centra el pensamiento de este diseño, y en este sentido, recurre a un estilo parecido al cómic. Cada especie de ave acompaña a una etapa del agua. En el reverso, los edificios de la Unión Europea se funden con las alas de las aves .

El futuro del efectivo

Según explican desde el Comité Ejecutivo del Banco Central Europeo, el rediseño de los billetes en euros forma parte del esfuerzo a largo plazo del Eurosistema para que el efectivo siga siendo un medio de pago seguro, eficiente y cercano a los ciudadano. En este sentido, aseguran que los nuevos billetes incorporarán elementos de seguridad nuevos y mejorados para evitar falsificaciones, facilitar la comprobación de su autenticidad y potenciar su accesibilidad a personas con discapacidad. 

Se prevé que la decisión definitiva sobre el diseño de los billetes llegue a finales de este año. Para ello tomará como referencia un conjunto de aportaciones, incluidas las conclusiones del jurado del concurso de diseño, una evaluación técnica y los resultados de las dos encuestas.

El diseño seleccionado será sometido a un proceso de desarrollo y pruebas, antes de pasar a la fase de producción. Pero no será hasta los años siguientes, según expresa el organismo en el comunicado, cuando entren en circulación. Los billetes anteriores mantendrán su validez y seguirán circulando junto con los de la nueva serie. 

viernes, 1 de mayo de 2026

Artigrama, núm. 39 Año 2024

 

Artigrama, núm. 39 Año 2024

 Acerca de la cubierta de Ángel Pascual Rodrigo

Desde su primer número (1984), la revista Artigrama ha contado con portadas diseñadas por artistas aragoneses (o afincados en Aragón). Pero, si los elegimos por su larga trayectoria artística y reconocido prestigio, nos faltaba, sin duda, una portada de Ángel Pascual Rodrigo (Mallén,

1951), pintor y diseñador acreditado por su extenso y excelente trabajo,v primero con su hermano Vicente, con el que fundó «La Hermandad Pictórica Aragonesa» (1972) y, más tarde, por su quehacer en solitario.

Precisamente, su intensa dedicación a las artes visuales a lo largo de algo más de cinco décadas la ha resumido él mismo en un libro de reciente publicación (Como viento que sopla y pasa. 50 años de pintura y palabras, Zaragoza, IFC, 2024).

Cuando le propusimos colaborar con la revista, acepto de inmediato, y, cuando supo del tema sobre el que iba a tratar el monográfico de este número —«Las canonesas del Santo Sepulcro de Zaragoza. Un patrimonio a conservar»—, enseguida expresó cómo iba a ser su diseño, en el que rememoraría una pintura de juventud, una de las primeras hechas mano a mano con su hermano Vicente (1971), en la que plasmaban el paisaje que ellos veían desde la terraza de su casa: la torre de la iglesia de San Nicolás, íntimamente ligada a dicho monasterio de las canonesas, un paisaje que desde hace años ya no es posible visualizar debido a la construcción de nuevos edificios. Así, con esta pintura de 2025, Ángel Pascual Rodrigo recuerda las vivencias de su infancia y en ella se incluye fotografiado con sus dos hermanos. El resultado es una imagen nostálgica que enlaza perfectamente con el monumento estudiado, una de las principales obras de patrimonio histórico-artístico de Aragón, cuya importancia requiere urgentemente de una atención mucho mayor que la que hasta ahora ha tenido.

Pero, su colaboración con la revista Artigrama ha ido más allá, pues no sólo nos ha regalado esta obra original que pasará a formar parte del Patrimonio de la revista (que es el del Departamento de Historia del Arte y, por tanto, el de la Universidad de Zaragoza), sino que, además, ha realizado personalmente su adaptación envolvente a la cubierta completa de este libro, en una segunda pintura original con ligeras variantes sobre la anterior, que también nos ha regalado. Por ello, para poder abarcar toda la historia de esta cubierta, hemos incluido a continuación la imagen de las tres obras relacionadas que la explican, con sus correspondientes fichas catalográficas, redactadas por el propio artista.

Finalmente, queremos que quede constancia de nuestro agradecimiento a Ángel Pascual Rodrigo, una persona sencilla y accesible, como únicamente lo son los verdaderos y reconocidos artistas.

 

Fovismo

Bodegon de dalias y fruta 

 Samuel John Peploe, c. 1910-1912

óleo sobre lienzo

Fovismo

(1900-1920)

 El fovismo fue el primer gran movimiento de arte vanguardista de la Europa del siglo xx. Se caracterizó por pinturas que no intentaban recrear la realidad, sino que hacían uso de colores intensos y vívidos, de pinceladas libres, líneas quebradas y composiciones deslavazadas. Fue un movimiento efímero y jamás se organizó formalmente, pero ejerció una gran influencia en el arte y diseño de todo el siglo xx.

El fovismo surgió en París a comienzos del siglo xx. Fue un estilo expresivo surgido cuando los grandes avances tecnológicos, como el automóvil, la radio o la disponibilidad general de la electricidad, transformaban la sociedad rápidamente. En muchos aspectos, derivaba de la obra de Van Gogh, Cézanne y Gauguin. Como los posimpresionistas, los fovistas rechazaban la objetividad y las pinceladas delicadas del impresionismo y creaban un arte más emotivo y expresivo.

Fieras salvajes

Pese a que algunos artistas dieron continuidad al estilo y el planteamiento del fovismo durante un decenio, en tanto que movimiento éste sólo duró tres años y los artistas que englobó sólo realizaron tres exposiciones juntos. Se los conocía como los «fauves» y eran: Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Georges Braque (1882-1963), Georges Rouault (1871-1958), Albert Marquet (1875-1947) y Raoul Dufy (1877-1953). Se les asignó dicho nombre en 1905 cuando todos ellos expusieron en el relativamente reciente Salon d’Automne, en París. Como había ocurrido con los impresionistas, el nombre se lo puso un crítico que visitó la exposición en tono burlesco. En la galería donde se celebró la muestra había una escultura de estilo renacentista. Louis Vauxcelles (1887-1945) la señaló y exclamó: «Donatello au milieu des fauves!» («¡Donatello entre fieras salvajes!»). Vauxcelles desdeñaba las pinceladas vigorosas de los artistas, la ausencia de tono y el uso extravagante y poco naturalista del color tildándolos de ridículos, irreflexivos y carentes de habilidades.

Color

Entre 1901 y 1906 se celebraron varias exposiciones retrospectivas en París donde se expuso la obra, entre otros, de Gauguin, Van Gogh y Cézanne. Fue la primera vez que se mostraban tantas pinturas de Gauguin y Cézanne al público. Enardecidos por las ideas radicales que contemplaban, muchos artistas se inspiraron a experimentar por ellos mismos. A partir de 1897, Matisse estudió arte con un pintor impresionista, John Peter Russell (1858-1930). Russell le explicó la teoría del color y Matisse empezó a trabajar con una paleta luminosa. Russell también había sido amigo íntimo de Van Gogh y regaló a Matisse un dibujo del holandés. Después de aquello, el uso de colores vibrantes y de pinceladas expresivas pasó a ser característico de las obras de Matisse, quien dejó de intentar imitar la naturaleza. Asimismo, estudió los colores de las alfombras orientales y los paisajes del norte de África.

Rechazo de la tradición

Los fovistas distorsionaban las formas y elegían sus colores y pinceladas por sus cualidades emotivas. Rechazaban la tradición de pintar ilusiones de perspectiva, profundidad, tono y textura, y en su lugar realzaban la llaneza de los lienzos. El color no se usaba con fines descriptivos, sino para transmitir sensaciones o impresiones, como la alegría o la calidez de la luz del sol. Su obra parecía chillona, sus métodos forzados o descuidados y sus temáticas eran desnudos tradicionales, paisajes y bodegones. El color era lo primordial. De manera que, con sus colores llamativos y su aplicación enérgica de la pintura, el fovismo representó un desarrollo natural del posimpresionismo, pero también una reacción contra el neoimpresionismo, el cual, en opinión de los fovistas, lo trataba todo de manera uniforme y con una espontaneidad restringida. Matisse declaró: «El fovismo me desembarazó de la tiranía del divisionismo».

Ridículo y escarnio

Durante su evolución, el fovismo fue objeto de un escarnio y ridículo sin parangón. Con sus colores llamativos, su costumbre de estrujar los tubos de pintura directamente sobre los lienzos y evitar pintar de manera realista, los espectadores contemporáneos no entendían qué pretendían los artistas y por qué distorsionaban la realidad con tal violencia. Se los acusaba de no saber pintar bien y, por ende, de no ser artistas «de verdad», sino meramente un grupo de personas sin talento que querían pasar por artistas. Sin embargo, entre los jóvenes pintores vanguardistas el estilo gozó de popularidad y otros de ellos expusieron con los «fauves» en las dos muestras que siguieron al Salon d’Automne de 1905, incluidos Kees van Dongen (1877-1968) y Othon Friesz (1879-1949). Los artistas conocidos como los «fauves» desarrollaron modos similares de plasmar temas, explorando el color y aplicando pintura, si bien no acataron ninguna doctrina cohesionadora.

Gran parte de la obra se asemejaba a los elementos naíf del arte anterior. Probablemente se inspirara en una exposición celebrada en 1904 en París y titulada «Los franceses primitivos», la cual incluía arte anterior al Renacimiento. Muchos de los artistas más jóvenes quedaron asombrados por la frescura y aparente sinceridad de la obra. Otro interés que influyó claramente en su estilo simplista fue la escultura africana, que tanto Vlaminck como Derain y Matisse coleccionaban.

Los «fauves» disfrutaron de un mayor éxito entre 1905 y 1907. Después de entonces empezaron a distanciarse y tomaron caminos distintos. Matisse continuó explorando las posibilidades del fovismo varios años más, mientras que el resto de los artistas se enfrascaron en ideas nuevas.

Samuel John Peploe

Bodegon de dalias y fruta

Samuel John Peploe, c. 1910-1912, óleo sobre lienzo

Inspirada por Matisse, esta pintura de estilo naíf presenta un aspecto infantil y de aficionado, con sus colores estridentes y sus pinceladas simples. El resultado es una imagen alegre y animada que no intenta emular la realidad. Peploe se clasificó como colorista escocés, no fovista, pero su planteamiento era similar al de los «fauves» y, como ellos, el color era el aspecto más importante de su obra. Las teorías del color fueron tan esenciales para él como para los «fauves»; la mayoría de ellos yuxtaponía colores contrastantes para realzarlos, aplicaba colores discordantes ex profeso y utilizaba patrones para enfatizar las distintas tonalidades.

Matisse y Moreau

En 1892, Matisse se matriculó en la École des Beaux-Arts de París, donde fue alumno del pintor simbolista Gustave Moreau, también maestro de Marquet y Rouault. Moureau alentó a sus discípulos a descubrir sus propias preferencias artísticas en lugar de seguir la tradición. La abertura de mente, originalidad y creencia en el poder expresivo del color de

Moreau eran rasgos innovadores e inusitados a la sazón. A Matisse le recomendó: «Piensa en el color. Aprende a imaginarlo».

  

Yo no pinto literalmente una mesa, sino la emoción que me transmite.

Henri Matisse

 No hacen falta años de preparación para que el joven artista toque el color, pues el color no debe usarse descriptivamente, sino como medio de expresión personal.

Henri Matisse

 La idea en síntesis:

Usar colores vivos para expresar emociones