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En 2024 Francia cambia el diseño de sus monedas de 10, 20 y 50 céntimos
Después de que en 2022 Francia cambiara el diseño de sus monedas de 1 y 2 euros, en 2024 seguirá la renovación paulatina de su serie de monedas en circulación. En esta ocasión serán las monedas de 10, 20 y 50 céntimos las que cambiaran por completo, pasando de un mismo diseño para los tres valores, la Sembradora, a tres dedicados a tres importantes personajes femeninos: Simone Veil, Joséphine Baker y Marie Curie.
Desde la primera emisión de monedas euro de Francia, los valores de 10, 20 y 50 céntimos recogen el motivo de la sembradora, una constante en la historia del franco francés. Diseñada por Laurent Jorlo, «esta imagen, atemporal y moderna a la vez, representa una Francia que se mantiene fiel a sí misma, al tiempo que se integra en Europa».
Nueva moneda de 10 céntimos
La moneda de 10 céntimos representa a un icono de la lucha de los derechos de las mujeres, Simone Veil. Fue la primera mujer elegida presidenta del Parlamento Europeo, en 1979. Está considerada una figura del feminismo tras legalizar el aborto en Francia en 1975, cuando ocupaba el cargo de ministra de Sanidad. Como muestra de reconocimiento en Francia, se emitió en 2018 una moneda de 2 euros conmemorativa dedicada a esta gran mujer que también tuvo que vivir en sus carnes la tragedia del Holocausto nazi.
Nueva moneda de 20 céntimos
La moneda de 20 céntimos tiene como protagonista a la cantante y bailarina nacionalizada francesa, Josephine Baker, símbolo de la liberación femenina, de la lucha contra el racismo y miembro de la Resistencia durante la ocupación nazi.
Nueva moneda de 50 céntimos
La moneda de 50 céntimos es en honor de Marie Curie, una física y química polaca nacionalizada francesa. Pionera en el campo de la radiactividad, es la primera y única persona en recibir dos premios Nobel en distintas especialidades científicas: Física y Química. También fue la primera mujer en ocupar el puesto de profesora en la Universidad de París.
El Museo Metropolitano de Nueva York dedica la primera exposición monográfica al artista, que desarrolló su carrera tras ser liberado, y que simboliza la España multirracial del Siglo de Oro en que vivió
El viaje a Nueva York que Juan de Pareja (hacia 1608-1670) emprendió en 1971, cuando el Museo Metropolitano (Met) adquirió su retrato pintado por Velázquez, culmina ahora con la primera exposición monográfica que la institución dedica a quien fuera escla vo y aprendiz del maestro sevillano. El primer pintor afrohispano del que se tiene noticia fue siervo durante más de dos décadas, y la exposición que se inauguró ayer es la primera dedicada a glosar su trayectoria y el marco, poco conocido, de la España multirracial del Siglo de Oro en que vivió, Un panorama muy alejado de la visión monocroma oficial, su puesto fruto de la limpieza étnica que acometieron los Reyes Católicos dos siglos antes.
La muestra reúne 40 objetos, entre pinturas, esculturas y piezas de artes decorativas con modelos y motivos mestizos, así como un conjunto de libros y documentos, el más importante de ellos el de la manumisión de Pare ja por su dueño en 1650, que se conserva en el Archivio di Stato de Roma. Juan de Pareja, pintor afrohispano, que podrá verse has ta el 16 de julio, es también una lección sobre la importante pre- sencia de negros, mestizos y mo riscos en la pintura de la época-es decir, en la sociedad contemporánea-, como testimonian varias obras de Zurbarán, Murillo y las tres versiones que Velázquez hizo de una joven cocinera racializada, dispersas por el mundo y reunidas por primera vez en la exposición. Uno de los títulos con que se les conoce en España, La mulata, ayuda a alumbrar esa presencia callada.
La joya de la exposición son los dos cuadros firmados por Pa reja, en uno de los cuales, La voca ción de San Mateo, aparece autorretratado con la misma presencia orgullosa, asertiva, que mues tra en el cuadro que le dedicó Velázquez en 1650. El otro es El bautismo de Cristo. "Los dos son del Museo del Prado y son los principales [de la muestra). Cada uno tiene unos tres metros de ancho, y no es sencillo trasladar lienzos tan grandes. El Prado hizo un estupendo trabajo de conserva ción para que esas dos obras pu- dieran viajar hasta nosotros", explica David Pullins, responsable de pintura europea del Met y uno de los comisarios de la exposición. El autorretrato del artista en La vocación de San Mateo supone "un hilo directo con el que pintó Velázquez, una de las obras maestras del Met", según Pullins, Firme, franco, desafiante incluso, el pintor acapara las miradas con mayor determinación que su amo como pintor de corte en un flanco de Las meninas. En El bautismo de Cristo, la firma de Pareja es claramente visible en el ángulo inferior izquierdo del lienzo.
Los trazos de esa firma encierran el periplo vital de Pareja, nacido posiblemente en Antequera en torno a 1606-1608, hijo probablemente de una esclava africana y de un español blanco. Pese a la escasez de datos, los archivos ofrecen constancia de que la España del siglo XVII era una sociedad multirracial y que los artistas y artesanos solían contratar a esclavos para trabajar en sus talleres, en oficios menestrales o domésticos. Pero Velázquez y Pareja, o viceversa,
dieron un paso más allá en su relación -la de un artista consagrado con un joven aprendiz, ayudante, émulo y a la postre continuador del maestro cuando el primero llevó consigo a Italia al joven, en un viaje que se prolongó de 1649 a 1651.
El retrato de Pareja, que se exhibió en el Panteón romano en marzo de 1650, ocupa la sala principal de la muestra neoyorquina, justo enfrente del que Velázquez hizo del papa Inocencio X (un cuadro imponente al que parece asomarse Francis Bacon, que lo versionó más de tres siglos después). En Roma, el maestro español quiso impresionar a sus colegas italianos con su talento, y, según su biógrafo Antonio Palomino, "colocó este retrato [de Juan de Pareja] con tan universal aplauso en dicho sitio que, a voto de todos los pintores de diferentes naciones, todo lo demás parecía pintura, pero este solo verdad". Además de plas- mar la apariencia de Pareja, Velázquez logró mostrar también su carácter orgulloso, una prestancia especial, casi de gentilhombre, en alguien que había vivido sometido.
Pareja se dedicó a la pintura tras obtener su libertad, en 1654, fue a partir de entonces cuando desarrolló una carrera autónoma, independiente. De su ambición con los pinceles da muestra la dimensión de los dos cuadros reseñados, señal, más que de confianza, de arrojo. Pullins sostiene que su andadura fue mucho más conocida en el siglo XIX que ahora. "Creo que su historia, y mucha información sobre él, eran bien conocidas en el siglo XIX", apunta.
Renacimiento de Harlem
Sobre el alcance de la exposición, discreta en número de piezas y calendario, el comisario afirma que es pionera en ma chos sentidos. "Es la primera muestra monográfica, pero tam bién la primera en abordar el trabajo de artesanos esclavi zados, en una sociedad multirracial como la del siglo XVII en España. Arroja luz sobre Pareja, pero también sobre el Siglo de Oro español. En algún momen to del siglo XVII hubo más de dos obras de Pareja colgadas en la misma sala, fue así de impor tante".
La del Metropolitan es una exposición en clave woke, es decir, de relectura critica de la raza-y las clases-, pero también un homenaje al afroamericano que más contribuyó a recuperar la historia de Pareja del olvido. Arturo Schomburg, un erudito estadounidense autodidacta, nacido en Puerto Rico, dedicó buena parte de su fortuna a viajar por Europa, con España como principal parada, para rehabili tar lo que llamó la "diáspora negra". Schomburg fue una figura destacada del llamado Renacimiento de Harlem, un movimiento cultural y reivindicativo que a principios del siglo pasado puso en valor la contribución de la población afroamericana a la sociedad. La sala dedicada a los viajes de Schomburg por España, de los que regresó con la figura plena de Pareja, abre la mues tra con curiosas fotografias de la Giralda.
