Tríptico de Navidad

 

Tríptico de Navidad

Navidad surrealista.

Retrato del artistaLeonora Carrington

Reino Unido, 1989

Título original: Nativity (triptych)

Museo: MCA, Chicago (Estados Unidos)

Técnica: Óleo (60,6 x 137,8 cm.)

Escrito por: Miguel Calvo Santos

Leonora Carrington se crió en una familia muy, muy católica. Y de niña estudió en varias escuelas de monjas de las que fue sistemáticamente expulsada por su actitud rebelde.

Una mujer así no tenía lugar en estrictas instituciones para señoritas católicas inglesas. Leonora estaba más a gusto pintando y escribiendo sus extrañas ideas, y sabía que estas serían bien acogidas en París a donde se fugó a los 19 años.

Ahí Leonora conoce a Max Ernst, 26 años mayor que ella, y se rodea de la flor y nata del surrealismo europeo. Así inicia una carrera como artista surrealista. Sus padres no verían con buenos ojos ninguna de estas decisiones y no se lo perdonarían jamás, haciendo gala de muy poco catolicismo.

En 1940 Ernst es capturado y enviado a una campo de concentración. Carrington consigue huir de Francia y después a la muy, muy católica España, donde vuelve a tener problemas con las instituciones religiosas. En este país, gobernado por el nacional-catolicismo de Franco, fue violada por una manada de requetés, anestesiada e inmediatamente recluida en un hospital psiquiátrico de Santander donde la diagnosticaron como «irremediablemente loca». Su padre estaba al corriente del internamiento.

Recomendamos desde aquí su libro Memorias de abajo, donde la pintora relata con pelos y señales sus escalofriantes experiencias en esta institución psiquiátrica de la España fascista, en la que pasó medio año de infierno bajo el yugo y las flechas del psiquiatra psicópata Luis Morales, amigo por cierto de Mengele. Por si quieren saberlo, hoy en día existe un parque en Santander con el nombre de este buen doctor. A la Carrington ni una placa.

Por suerte, Leonora consigue escapar a México y ahí va recobrando poco a poco el juicio arrebatado en España. Ahí lleva a cabo su brillante carrera como pintora y escritora. Con el tiempo parece incluso que vuelve a reconciliarse con la religión, tan presente en la cultura mexicana.

En los últimos años de su vida pintó este tríptico sobre el nacimiento de Jesús, aunque por supuesto adoptándolo a su personal lenguaje visual abarrotado de personajes oníricos y criaturas fantásticas. Un bestiario fascinante y sugestivo típico de la artista, donde figuras animalizadas adoran al Mesías como si fueran humanos. Un Belén surrealista (o más bien carringtoniano) que bebe de los trípticos medievales o renacentistas propios de El Bosco y de sus opiniones y vivencias personales relacionadas con su antigua enemiga: la religión.

La noche estrellada

 

La noche estrellada

Retrato del artistaVincent Van Gogh

Países Bajos, 1889

Título original: De sterrennacht
Museo: MoMA, Nueva York (Estados Unidos)
Técnica: Óleo (73,7 cm × 92,2 cm.)
Escrito por: Miguel Calvo Santos

Van Gogh miraba por la ventana del sanatorio de Saint-Rémy. Ya no tenía el lóbulo de su oreja y se sentía cada vez más acosado por las alucinaciones.

Cuando miraba los cipreses del jardín, éstos parecían vibrar. Cuando miraba al cielo nocturno, las estrellas parecían estar vivas. Eso es lo que captó en este lienzo que es hoy uno de los más famosos de la historia del arte.

El artista pintaría a lo largo de su carrera tanto cipreses como estrellas, ambos de marcado carácter simbólico, pero esta obra es quizás la que mejor comunica su particular estilo.

Con sus pinceladas vigorosas, Van Gogh capta un paisaje exterior y uno interior. El cielo en espiral parece moverse de verdad en el lienzo. Las estrellas tienen su propio halo, que el pintor exagera para expresar más (y adelantándose unas décadas al expresionismo).

La ciudad en cambio está quieta, estable, realizada con trazos rectos y breves, en contraste con esas curvas frenéticas del cielo.

El pintor post-impresionista dijo: “Quiero llegar al punto en que la gente diga de mi trabajo: ‘Este hombre siente profundamente’”, a lo que nosotros añadimos: “y hace que los demás sintamos profundamente…”.

Pobre, sólo, despreciado, hipersensible, el artista lo había dejado todo por el arte, convirtiéndose en el primer mártir del arte moderno, y figura romántica que representa “al artista sin contaminar”.

Van Gogh murió meses después de pintar esta obra maestra. Tenía 37 años y tardó dos días en morir. Junto a él estaba su hermano y mecenas Theo, que moriría también poco después por un colapso mental y físico producido por la sífilis.

La balsa de la Medusa

 

La balsa de la Medusa

Un catálogo piramidal de sentimientos humanos, de la resignación a la esperanza.

Retrato del artistaTheodore Géricault

Francia, 1819

Título original: Le Radeau de la Méduse

Museo: Louvre, París (Francia)

Técnica: Óleo (491 cm × 717 cm.)

Escrito por: Miguel Calvo Santos

La balsa de la Medusa es un enorme óleo que es una de las obras-estrella del Louvre.

Gericault, el niño prodigio (y enfant terrible) del romanticismo francés pintó este cuadro antes de los 30 (vivió sólo 32 años) y en él se puede observar de nuevo a ese artista incómodo plasmando una conocida negligencia del estado francés:

El naufragio de Méduse fue por culpa de un capitán incompetente y enchufado (abundaban, y supongo que abundan individuos así), y debido a ello 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresuradamente.

Todas ellas excepto 15 murieron durante 13 días de infierno en los que se sufrió hambre, deshidratación, locura e incluso se recurrió al asesinato y al canibalismo.

Gericault, dispuesto a plasmar con realismo esta escena decidió llevarse unos muertos a su casa. Con ayuda de un amigo médico, Géricault sacó de la morgue algunos miembros cercenados y los llevó a su taller: Piernas, manos, fragmentos de muslos, cabezas decapitadas…

Cuentan que esos días su taller apestaba a muerto. Incluso construyó una réplica real de la balsa y ahí apiñó los cachos de carne.

Los bocetos para esta “Balsa de la medusa” se pueden ver y representan auténticas obras maestras del gore.

Como era de esperar, la pintura fue muy polémica. Una nueva forma de ver la pintura histórica en la que compositivamente se busca el caos intencionado en una estructura piramidal sobre una base inestable (el mar).

En esta pirámide vemos un catálogo de sentimientos experimentados por los náufragos: de la resignación a la esperanza.

Porque en mi opinión el tema principal de este cuadro es la esperanza (o falta de ella). A la izquierda está la muerte (emocional y biológica), pero a medida que ascendemos por esa pirámide vemos la luz, la vida representada por ese minúsculo barquito al fondo en ese amanecer entre la tormenta.

Lysistrata de Aubrey Beardsley

Lisístrata

Agrupación de mujeres no-violentas.

Aubrey Beardsley

Reino Unido, 1898

Título original: Lysistrata

Museo: Victoria and Albert Museum, Londres (Reino Unido)

Técnica: Grabado (25,6 x 17, 9 cm. )

Escrito por: Miguel Calvo Santos

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A los 20 años el ilustrador Aubrey Beardsley tuvo un éxito enorme con sus dibujos de Salomé de Oscar Wilde. Fue obra de dos dandys, dos decadentes ingeniosos que disfrutaban escandalizando y provocaban a su paso en asombro y la admiración, o bien desprecio y la envidia. Fueron ilustraciones innovadoras, pero también muy escandalosas, y como resultado Wilde fue arrestado y llevado a juicio y Beardsley no sería contratado por más editores, aterrorizados por el poder de cancelación de los moralistas en la Inglaterra victoriana.

Después del escándalo, el único editor que le quedaba a Beardsley era Leonard Smithers, especializado en, por así decirlo, «libros raros», Publicaré las cosas que los demás tienen miedo de tocar decía Smithers, y resulta que tenía intención de publicar la famosa sátira antimilitarista de Aristófanes, Lisistrata, al parecer más escandalosa a finales del XIX que cuando fue representada por primera vez en el 411 a. C.

Beardsley dio rienda suelta a su creatividad ilustrando esta apología de la paz que cuenta la huelga sexual de las mujeres atenienses para acabar con la Guerra del Peloponeso. Una orgía de pollas erectas, ​escatología, mujeres defendiéndose de hombres demagogos, erotismo y mucho humor de la Antigua Grecia, dibujada con el delicioso estilo en blanco y negro de uno de los mejores ilustradores de la historia, que moriría de tuberculosis con sólo 25 años poco después de realizar estos dibujos.

12° Sardine contest 2022 Lisboa

12° Sardine contest 2022 Lisboa

Esta semana se han dado a conocer las sardinas ganadoras que cada año conceden el concurso Sardine Contest en Lisboa 

Una propuesta artística que concita un gran número de propuestas artísticas de todos los rincones del mundo. Y que este año ha llegado a su doceava edición.

La 6 propuestas artísticas ganadoras del 12° Sardine contest 2022 Lisboa son obras de los siguientes creadores:

Sofía Almeida (Portugal)

Salvador Almeida (Portugal)

Helder Teixeira (Portugal)

Fatih Aksular (Turquía)

Bruno Pintorabiscos (Portugal)

Domingos do O (Portugal)

Sofía Almeida (Portugal)

Sardinha Portuguesa em conserva

Fatih Aksular (Turquía)

Pixel

Helder Teixeira (Portugal)

Sardinha luminosa

Salvador Almeida (Portugal)

Catsardine

Bruno Pintorabiscos (Portugal)

A grelha

Domingos do O (Portugal)

Sardilate

La fuente de Neptuno o de la Princesa

La fuente de Neptuno o de la Princesa, actualmente en el Parque Grande, fue la primera fuente de agua potable que se instaló en la ciudad de Zaragoza

Abasteció de agua a los zaragozanos en la actual plaza de España, entonces plaza San Francisco desde 1845 hasta 1902.

La fuente se terminó de instalar el 14 de octubre de 1833, en conmemoración del juramento como princesa heredera de la futura Isabel II, llegando las aguas por primera vez el 24 de julio de 1845. Se ubicó en la Plaza de San Francisco, después llamada de la Constitución y hoy de España, en el mismo sitio donde estuvo la Cruz del Coso. Tomaba el agua del Canal Imperial y disponía de una alcantarilla de conducción que partía de la Casa de Baños, situada en el Salón de Santa Engracia y otra de desagüe que vertía las aguas sobrantes al río Huerva. 

Debido a las necesidades de ampliar la plaza para dar más holgura al tráfico rodado y a la construcción del Monumento a los Mártires (inaugurado en 1904) la fuente fue desmontada en 1902. Inicialmente, su nuevo destino iba a ser Balsas de Ebro Viejo pero nunca llegó a trasladarse allí y permaneció en los talleres de cantería hasta 1935. En ese momento, se volvió a montar en la Arboleda de Macanaz hasta que finalmente en 1946 se instaló en su actual ubicación del Parque Grande José Antonio Labordeta, entonces Parque Primo de Rivera.

La Fuente es obra de Tomás Llovet, escultor alcañizano, profesor de la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza. La piedra utilizada procedía de Épila. y emuló la escultura de Pascual de Mena situada en el Paseo del Prado de Madrid. El conjunto está presidido por la figura del Neptuno con tridente sobre un decorativo basamento que tiene cuatro delfines en su base de los que brota el agua. Además dispone de doce caños distribuidos en su contorno. Entre los delfines aún se pueden leer las cuatro inscripciones alusivas a Isabel II.

La Compañía Ilustrada

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Animales de libro

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La casa que nos habita