viernes, 25 de agosto de 2023

Mar, al fondo el Vesubio

 

Mar, al fondo el Vesubio
Fortuny y Marsal, Mariano 1874. Acuarela sobre papel blanco, 350 x 253 mm

De color azul cobalto decía Ricardo de Madrazo que era el mar Tirreno cuando lo descubrió en 1874, durante el viaje que emprendió junto con su cuñado Mariano Fortuny al golfo de Nápoles para buscar una residencia en la que pasar el verano en familia, lejos del clima insalubre de Roma. La encontraron en Portici, un pueblo costero situado en la ladera sur del Vesubio donde, además del solaz familiar, los pintores hallaron un estímulo permanente para pintar al aire libre.

El artista emplea en esta obra un único pigmento, el referido cobalto, más intenso para la superficie del agua y más diluido para el cielo cuajado de nubes, muchas de las cuales se definen por la reserva del papel con un ligero toque o mancha que produce esa sensación de inconsistencia etérea. Estas dos partes de la composición quedan enlazadas por la vela de una barca que rompe la línea del horizonte. Este tipo de embarcaciones, que se veían también varadas en la arena de la playa y que eran escenario de juegos infantiles, captaron el interés de Fortuny, quien las pintó en una tabla de pequeñas dimensiones que Cecilia de Madrazo conservó en su colección familiar. Sabemos que Fortuny disponía de una de estas embarcaciones, con la que podía adentrarse en el mar gracias a la pericia de un jardinero a su servicio que ejercía también como marinero. Cabe pensar que Fortuny pintara esta acuarela mar adentro, en la costa de Sorrento o de Capri, desde donde, en efecto, se divisa el paisaje representado. Al fondo se ve la bahía de Nápoles, flanqueada por una cadena montañosa en la que se enclava la mole del Vesubio y, a su pie, insinuadas por una mínima reserva del papel, las construcciones urbanas de las poblaciones costeras, entre las que se encuentran la capital de la región y Portici


FORTUNY Y MARSAL, MARIANO

Reus, Tarragona, 1838 - Roma, 1874

Fortuny y Marsal, Mariano

Mariano Fortuny y Marsal ha pasado a la posteridad como uno de los grandes maestros españoles del siglo XIX. Junto a la grandeza de su arte, ha quedado también el recuerdo de su descomunal éxito internacional, que ningún otro artista logró igualar hasta Sorolla.

jueves, 27 de julio de 2023

Mesita al atardecer

 


Mesita al atardecer

Henri Le Sidaner 1921

Óleo sobre lienzo 81 x 100

Henri Le Sidaner fue un artista francés nacido en Mauricio, en el océano Índico. Fue a París a estudiar arte y, a partir de 1887, empezó a enviar regularmente sus pinturas al Salón. Empleó el puntillismo del neoimpresionismo, por el que Georges Seurat es muy conocido, para pintar muchos paisajes, escenas de interior y bodegones. Evitaba utilizar colores primarios y usaba colores tenues. Sus pinturas están llenas de una tranquilidad entretejida con patetismo.Esta Mesita al atardecer representa una escena nocturna en una ciudad frente al canal. Nos recuerda a Brujas (Bélgica), que dejó una fuerte impresión en Le Sidaner. La mesa en primer plano con los platos abandonados y la ventana iluminada al fondo producen una atmósfera implícita.Hermoso, ¿verdad?

jueves, 13 de julio de 2023

La traición de Judas

 

La traición de Judas

Giotto di Bondone (1270-1337)

1304-1306 fresco 200x185 cm

Cappella degli Scrovegni, Padua

#1001pinturas

Los dos registros inferiores de la capilla de los Scrovegni narran la vida y pasión de Cristo con la tradición de Cristo, de Giotto di Bondone (1270-1337), plasmada en la pared sur. Lo que acaso distingue a este fresco de otros es el singular énfasis de Giotto en la confrontación entre Cristo y Judas. A la izquierda de los dos protagonistas, Giotto sitúa la figura de Pedro y el soldado Malco. Según las escrituras, Pedro cortó la oreja de Malco en un momento inusual de rabia. Cristo, tras haber curado milagrosamente al soldado, advirtió que aquellos que viven por la espada perecerán por ella. Sin embargo, esta escena representa un papel secundario en relación con el encuentro entre Cristo y su traidor, Judas. Como sucede con el tratamiento que hace el artista de otros episodios de la vida de Cristo, la gravedad emocional de la escena parece girar en torno a un momento de alta tensión psicológica entre dos personas. Mientras Judas mira directamente a los ojos de Cristo, este responde a su mirada con una expresión impávida que no denota indiferencia ni repulsión, sino tan solo humildad, incluso compasión, por el discípulo traidor.

jueves, 6 de julio de 2023

Muchacha dormida

 

Muchacha dormida

(Het Meisje Slapende)

Año 1657

Autor: Johannes Vermeer

Técnica: Óleo sobre lienzo

Estilo: Barroco

Tamaño: 87,6 × 76,5

Localización

Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos


El tema podría indicar la decepción en el amor: la posición de la joven detrás de la mesa, con poca luz. En el lenguaje de los símbolos en boga en aquel momento, esta alegoría simboliza el amor desengañado: El amor requiere sinceridad.


Probablemente, en comparación con la tabla de Nicolaes Maes Moza durmiendo y criada, fue registrada en un catálogo de 1696 bajo el título de Una sierva borracha. La jarra, la copa de vino y el desorden de la habitación también sugieren el tema de la embriaguez.


Entre el amor y el sueño del alcohol, es difícil decidir: Vermeer juega principalmente con la sombra y la luz en un espacio cerrado para crear un ambiente donde toda interpretación es válida.

Estudios radiológicos han revelado que se borró una figura masculina originalmente incluida junto a la puerta.

miércoles, 5 de julio de 2023

Muestra Cine Ascaso 2012-22

Muestra Cine Ascaso 2023
Autoría: Marta Melón

Muestra Cine Ascaso 2022
Autor: Javier Soligó Gil

Muestra Cine Ascaso 2021
Autora: Patrícia Barrachina

Muestra Cine Ascaso 2020
 
Autora: Anneke Koster

Muestra Cine Ascaso 2019
8ª Muestra de Cine de Ascaso del 27 al 31 de agosto 2019 - Pirineos Pirineo Sobrarbe Ordesa Pirineo Pirineos Sobrarbe Pirineo Pirineos Ordesa Sobrarbe Hotel Turismo Rural Apartamentos casa rural alojamiento ofertas 
Autora: Anneke Koster
Muestra Cine Ascaso 2018
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Muestra Cine Ascaso 2017
MCA17cartel.jpg (600×849)

Muestra Cine Ascaso 2016
Cartel 5º Muestra Cine Ascaso 2016

Muestra Cine Ascaso 2015
Cartel 4º Muestra Cine Ascaso 2015

Muestra Cine Ascaso 2014
Cartel 3º Muestra Cine Ascaso 2014

Muestra Cine Ascaso 2013
Cartel 2º Muestra Cine Ascaso 2013

Muestra Cine Ascaso 2012
Cartel 1º Muestra Cine Ascaso 2012

martes, 4 de julio de 2023

La callejuela

La callejuela (Het Straatje)

Johannes Vermeer

Año. 1657-1658

Autor: Johannes Vermeer

Técnica: Óleo sobre lienzo

Estilo: Barroco

Tamaño: 54,3 cm × 44 cm

Localización: Rijksmuseum , Ámsterdam, Países Bajos

La callejuela (Het Straatje) es una pintura del artista holandés Johannes Vermeer, realizada entre 1657 y 1658. Se expone en el Rijksmuseum de Ámsterdam y está firmada en la esquina inferior izquierda, bajo una ventana, con "I V MEER". Este cuadro representa un pedazo de la vida cotidiana de los holandeses de la época, ocupados en sus quehaceres. Vermeer unió lo cotidiano y lo eterno, consiguiendo una intimidad entre el medio y el hombre. La paleta empleada por Vermeer es más clara que la que solían utilizar Jan Steen y Pieter de Hooch en escenas similares.

Como en tantas otras ocasiones, Vermeer ha realizado cambios en la composición final, eliminando por ejemplo una figura femenina que se situaba a la derecha de la entrada del callejón. La masa vegetal que se observa a la izquierda del cuadro presenta en la actualidad una tonalidad azulada, quizá por una mala reabsorción del amarillo original. Como curiosidad, este es uno de los tres lienzos en los que Vermeer pintó el cielo. Los otros dos son Vista de Delft y El descanso de Diana. Por otra parte, es también, junto con Vista de Delft, la única obra suya que permanece con la ciudad de Delft como tema, ya que una tercera, Una casa en Delft, está desaparecida.

lunes, 3 de julio de 2023

Décimo Lotería de Navidad 2023

 

Décimo Lotería de Navidad 2023


La Natividad

Hacia 1470.

Óleo sobre tabla, 103 x 60 cm

Esta tabla y sus compañeras , procedentes del convento benedictino de Sopetrán (Guadalajara), eran parte de un conjunto, realizado en Bruselas, que incluía originariamente un grupo escultórico. Su autor fue un seguidor de Rogier van der Weyden, como delata especialmente la escena de la Anunciación, que es una versión de una conocida composición de este artista. Fueron encargadas por la familia Mendoza, fundadora del convento. Un paño con los colores del escudo familiar se muestra sobre el reclinatorio del donante, presumiblemente el primer duque del Infantado. El conjunto supone un ejemplo de la llegada de pintura flamenca a la España del siglo XV y su fuerte impacto en los ámbitos aristocráticos.