León Bicicleta

La decalcomanía o el «automatismo absoluto».

Óscar Domínguez

España, 1936

Título original: Lion-Bicyclette.

Museo: Museo Reina Sofía, Madrid (España)

Técnica: Acuarela ( 20 x 31 cm.)

Decalcomanía.

Escrito por: Álvaro García Moreno

La decalcomanía fue, sin duda, la mayor aportación de Óscar Domínguez al Surrealismo. El mismísimo André Bretón la calificó de «automatismo absoluto».

El procedimiento no puede ser más sencillo: sobre una hoja de papel blanco satinada se extiende cierta cantidad de aguada negra; encima de esa primera hoja se coloca ahora una segunda, que se levantará después de hacerse una leve presión. El procedimiento puede repetirse tantas veces como se desee hasta que la tinta se seque del todo. Las imágenes resultantes, manchas bizarras surgidas del mismo subconsciente del artista, nos transportan a paisajes delirantes, a las profundidades del mar o incluso al insondable espacio exterior.

Era habitual que las manchas se modificaran de alguna forma cuando acabara el proceso de reimpresión, como en esta obra, en que un león y una bicicleta se han fusionado para dar lugar a un híbrido enjaulado entre los bordes del papel.

Domínguez «inventó» esta técnica entre 1934 y 1936, aunque los juegos consistentes en extender tinta sobre papel existían ya desde la Antigüedad. Domínguez formalizó de alguna manera lo que antes había sido tan solo una diversión, convirtiéndola en un ejercicio artístico surrealista de pleno derecho capaz de transportar al espectador hasta el mundo de los sueños.

 

El astrónomo

Vermeer retrata al personaje y a su profesión por medio de atributos.

Johannes Vermeer

Países Bajos, 1669

Título original: De astronoom

Museo: Louvre, París (Francia)

Técnica: Óleo (51 x 45 cm.)

Escrito por: Miguel Calvo Santos

Se estima que los nazis robaron más de 100.000 obras de arte, y todavía hoy en su mayor parte no han sido devueltas a sus legítimos dueños.

No es el caso de este “Astrónomo”, que tras la guerra pudo ser devuelta a la familia Rothschild, aunque hoy conserva una esvástica negra en la parte trasera del lienzo para recordar el espolio.

Hitler, pintor frustrado, admiraba apasionadamente a Vermeer, hasta el punto de querer hacerse con toda su obra para su museo personal. “El astrónomo” iba a ser uno de los cuadros estrella del III Reich.

Lo cierto es que esta pintura es una joya del barroco holandés. Aquí se retrata al personaje y a su profesión por medio de atributos como ese globo terrestre o el libro Institutiones Astronomicae Geographicae abierto en el capítulo III, una sección en la que el astrónomo busca la inspiración de Dios.

Y esa luz… Muy pocos artistas comprendieron, trabajaron y amaron la luz como Vermeer. Sus típicas ventanas a la izquierda del lienzo son como una firma del artista.

Por cierto, “El astrónomo” es una de las únicas tres pinturas de Vermeer firmadas y fechadas.

Cesta de frutas

 

Cesta de frutas

(cabeza reversible)

Un retrato o un suculento bodegón, según lo miremos.

Giuseppe Arcimboldo

Italia, 1590

Título original: Testa reversibile con cesto di frutta

Técnica: Óleo (56 x 42 cm.)

Escrito por: Miguel Calvo Santos

Ya lo vimos en su fabuloso «Asado». A Arcimboldo le iba el juego.

Y aquí hace lo mismo: el artista pinta un bodegón de frutas, que al girarlo 180º se convierte en un retrato.

Arcimboldo fue uno de esos escasos artistas que siendo visionario, y anticipándose unos cuantos siglos a su tiempo, gozó de un enorme éxito. Reyes de toda Europa querían sus pinturas e invitarlo a sus galas (el artista era un experto organizador de fiestas y espectáculos, eso que ahora los pedantes llaman «Estética relacional») y por supuesto, sus cuadros eran verdaderas atracciones para pasarse horas mirándolos.

Lo que observamos aquí es una suculenta cesta de frutas, con manzanas, peras, uvas, castañas y demás manjares otoñales que el artista pintó para formar a la vez un simpático retrato si le damos la vuelta. Mucho ingenio y una técnica perfecta dan como resultado una imagen muy atractiva.

Pese a que Arcimboldo fue una estrella, su obra pasó siglos sin interesar a nadie, hasta que en el siglo XX los surrealistas lo redescubrieron. Normal… dobles imágenes, un poco de misterio, juego… y una inquietante asociación con el canibalismo, ya que dan ganas de comerse a mordiscos al tipo que está retratado.

 

Epidemia de fiebre amarilla en Cádiz

Epidemia romántica.

Theodore Géricault

Francia, 1819

• Título original: Scène de l'épidémie de fièvre jaune à Cadix
• Museo: Museo de Bellas Artes, Richmond, Virginia (Estados Unidos)
• Técnica: Óleo (37,8 x 46,4 cm.)
• Escrito por: Fulwood Lampkin

Géricault, especialista en el sufrimiento humano, retrata aquí el brote de fiebre amarilla que asoló la ciudad de Cádiz a principios del siglo XIX.

En 1810 la ciudad estaba abarrotada de enfermos que se fueron contagiando unos a otros inevitablemente a pesar de que las autoridades decretaron un confinamiento: la gente tenía prohibido salir de casa. Los enfermos eran encerrados en hospitales insalubres como el de la pintura de Géricault sin posibilidad de ver a familiares, seres queridos o incluso sacerdotes que les proporcionaran auxilios espirituales.

¿Os suena…?

La enfermedad provocaba que la piel se pusiera amarilla —de ahí su nombre— y más de 19.000 personas murieron ese año. De los 75.000 habitantes que tenía Cádiz en 1800, enfermó la mitad, entre ellos varios diputados de la famosa constitución de 1812 (la Pepa).

Además existía otra plaga en la ciudad: la guerra. Napoleón tenía sitiados a los gaditanos, y a los numerosos refugiados de la Guerra de la Independencia que caían como moscas

El calor y el agua infectada, junto al hacinamiento, provocó la epidemia. Y es exactamente lo que vemos en este cuadro. Géricault vuelve a sus temas de desesperación humana al límite. En este caso es un estudio de una obra que iba a ser más grande, pero que el artista no pudo culminar. Se respira la enfermedad, el dolor, el miedo y la soledad en estos enfermos abocados a la muerte.

Planos por colores, gran desnudo

 

Planos por colores, gran desnudo

Radiografía de la energía vital del cuerpo.

Retrato del artistaFrantišek Kupka

República Checa, 1910

Título original: Plans par couleurs, grand nu

Museo: Guggenheim, Nueva York (Estados Unidos)

Técnica: Óleo (150,2 x 189,7 cm.)

Escrito por: Violeta Granés

La figura de la mujer del pintor, Eugénie, se recuesta cómodamente sobre un algún tipo de asiento. Descansa con una seguridad confiada, digna de quien habita la materialización de la belleza por excelencia: el cuerpo femenino.

Kupka podría haberse limitado a pintar un típico desnudo al óleo, pero entonces no sería Kupka. La anatomía de la modelo aquí se define —como el título de la obra indica— en planos de colores contrarios y peculiares. Nos podemos cuestionar entonces el criterio del pintor al servirse de una paleta tan variada: los tonos no se subordinan a la plasmación de la luz, como hacían los impresionistas, ni responden a una visión subjetiva del mundo, como en los cuadros postimpresionistas.

No, Kupka empleaba el policromo en un sentido totalmente novedoso en la época: creía en su potencial intrínseco, comparándolo en expresividad con la música (Orfismo). Encontraba aquella esencia incorpórea en sus motivos, y la hacía aflorar en el lienzo a través de los tonos. En esta obra parece que podamos ver en los planos de color el contenido anímico de Eugénie: Kupka realiza una especie de radiografía de la energía vital del cuerpo (a lo mejor inspirado por el descubrimiento de los rayos X, logro de principios de siglo).

Ese estudio de la espiritualidad del mundo y su configuración a través del color… ¿no resulta algo familiar? El propio Kandinsky sería el primero en teorizar sobre ello, inaugurando el arte abstracto. Eso convierte a Kupka en una especie de precedente de ese movimiento. Queda demostrada su genialidad: por supuesto, no sólo por el título de visionario, sino también por la exquisitez vítrea de sus pinturas.

Mala mujer

Mala mujer

Terroríficamente genial

Retrato del artista: Francisco de Goya

España, 1823

Título original: Mala muger

Museo: Louvre, París (Francia)

Técnica: Tinta (21,5 x 14,4 cm.)

Cuaderno D.

Escrito por: Miguel Calvo Santos

En el Cuaderno D o Cuaderno de Brujas y Viejas, Goya representa el tema de la brujería que tanto le interesó a él y a algunos de sus clientes. En este cuaderno de dibujo vemos a personajes similares a los que pueblan sus magníficos Caprichos.

Si hubiera que ponerle un género a este cuaderno, sin duda se trata de terror. Como vemos, en sus dibujos desaparece todo fondo que ambiente medianamente las escenas. Sólo vemos a viejas hechiceras flotando o cayendo en el espacio, y en muchos de los rostros es fácil confundir la carcajada con la mueca de dolor, de espanto o de locura.

Este terrorífico dibujo muestra a una bruja anciana, de rostro cadavérico que tiene a un niño desnudo entre sus manos. Parece hasta que se lo va a comer ahí mismo. En el suelo, hay un plato y una cuchara, un vaso y otro recipiente. Todo indica que esta Mala Muger se lo va a a ofrecer al diablo.

Al parecer Goya se inspiró en un hecho real en el que dos hermanas, cuyas confesiones figuran en un auto de fe de Logroño, «supuestamente» envenenaron a sus propios hijos para ofrecérselos a Satanás. Y digo «supuestamente», porque ya sabemos cómo sacaba las confesiones la Inquisición Española en esas épocas oscuras.

Ver el rostro de esa mujer provoca escalofríos, aunque quizás es probable que el artista —conociendo su continua intención de denunciar injusticias—, represente simplemente a una pobre anciana que perdió la cabeza a causa de la terrible hambruna que se produjo Madrid entre los años 1811 y 1812 que provocó la friolera de más de 20 000 muertos y en los que se documentaron incluso actos de canibalismo.

Dos sátiros de Rubens

 

Dos sátiros

Una cata de vinos.

Retrato del artista: Peter Paul Rubens

Flandes, 1619

Título original: Zwei Satyrn

Museo: Alte Pinakothek, Munich (Alemania)

Técnica: Óleo (75,5 x 61 cm.)

Escrito por: Ciprián Carnota

Os presentamos a dos sátiros: uno atrás bebiendo vino de un cuenco (y se le escapa un poco entre los labios), otro delante sujetando un racimo de uvas, mirándonos y sonriendo con esa expresión entre lo perverso, lo malicioso y lo lascivo. Toda una celebración del zumo de las parras.

Rubens retrata a estas dos criaturas sobre un fondo neutro, en una composición muy cercana (casi rozando el primer plano), y por el color rojizo de sus caras y los destellos en los ojos se puede percibir claramente que estos dos están en plena borrachera, como es natural en los sátiros. Los sátiros, que por cierto, salen bastante en la obra de Peter Paul Rubens (o de su taller). El pintor debía de tenerles simpatía; y es que no hay un símbolo mejor para representar las pasiones desenfrenadas y la lujuria.

El gran genio del Barroco vuelve a sorprender con sus características destreza y virtuosismo a la hora de plasmar el comportamiento y la anatomía «humana». Ya no es sólo la espectacular expresividad en esa mirada, que casi nos hipnotiza como espectadores, sino también esa mano, esas uvas, ese pelo, esa barba… Todo en conjunto llama la atención por su encanto.