Pregón de las Fiestas de Zaragoza de 1922

Pregón de las Fiestas de Zaragoza de 1922

El pasado mes de octubre en el blog https://eshijar.blogspot.com se daba a conocer un curioso impreso, que reproducían. Se trataba del Pregón de las Fiestas de Zaragoza de 1922. Comoquiera que también ha llegado a nuestro poder, queremos mostrarlo a nuestros lectores, a través de una reproducción de mejor calidad.

 Se trata de un díptico cuya primera página está compuesta con tipografía antigua y cuyo texto está redactado con el gracejo característico del autor, en el que al “estilo antiguo” convoca a las fiestas preparadas por el Concejo, haciendo alusión a carreras de motos y de coches, fuegos artificiales, corridas de toros y los habituales globos y figuras grotescas que eran un divertimento común en la época. Por supuesto, menciona también los actos religiosos y, de manera especial al Rosario de Cristal, con cientos de faroles, sin contar “los que irán, de carne y hueso, siguiendo a los de cristales”.

 En la última página figura el autor: Alberto Casañal Shakery y la Tipografía en la que se editó, que fue la de A. Uriarte, así como la reproducción del grabado de un torneo.

Alberto Casañal (1874-1943) había nacido en San Roque (Cádiz), aunque siendo niño la familia se trasladó a Zaragoza, en cuya universidad cursó la carrera de Ciencias Físico-Químicas, llegando a ser catedrático de la Escuela de Trabajo.

Pero, al mismo tiempo, compuso y editó numerosos romances, cuentos y obras de teatro, siendo reconocido como uno de los más populares escritores dentro del género del “baturrismo”. Murió en Zaragoza, ciudad de la que había sido nombrado “Hijo Adoptivo”. 

Fuente:

https://cesbor.blogspot.com/2020/11/pregon-de-las-fiestas-de-zaragoza-de.html?m=1&fbclid=IwAR1gR0EjVdcSz-nStWOPwxklGWmKMkWBTweSG-yIpAxfEVSuWI5IiS652w8

 

Bailando en Colombia

La gente obesa de Botero se va a bailar.

Fernando Botero

Colombia, 1980

Museo: Museo Metropolitano, Nueva York (Estados Unidos)

Técnica: Óleo (188 x 231 cm.)

Escrito por: Miguel Calvo Santos

La obsesión de Botero por pintar gente gorda hace que las figuras de Rubens parezcan modelos anoréxicas. Todos sus personajes, incluídos Jesucristo o la Gioconda tienen siempre unas tallas de más.

Aquí pinta un tugurio colombiano con colillas y frutas en el suelo, donde una orquesta toca música animada. El rojo en el ambiente es el protagonista y las figuras llenan casi todo el cuadro. Por supuesto, todo el mundo tiene “peso”.

Una pareja pequeñita (pero gorda) baila animadamente al son de la enorme orquesta. Pese a su volumen bailan grácil y elegantemente.

La pareja disfruta pero los músicos parecen inexpresivos. Sus instrumentos son igual de regordetes que los personajes. Por cierto, es extraño que los de cuerda no tienen cuerdas…

 

Shibaraku

Normal que los impresionistas alucinaran con estas imágenes en el XIX.

Toyohara Kunichika

Japón, 1895

Título original: 暫

Técnica: Grabado (38.7 x 26 cm, 38.2 x 26.4 cm, 38.7 x 26 cm.)

Parte de "The 18 famous Kabuki plays".

(かぶき じゅはちばん の うち)

Escrito por: Miguel Calvo Santos

El Shibaraku es una obra de teatro Kabuki japonés (una de las «Dieciocho grandes obras de teatro») en la que destaca sobre todo el maquillaje (kumadori).

Durante unos 50 minutos se cuenta la historia de Kamakura Gongorō Kagemasa, el personaje que tenéis en la imagen, que era tan valiente que continuó luchando después de perder un ojo en combate en la Guerra Gosannen (1083–1087).

En medio de la obra, llena de violencia, cuándo le van a cortar las cabezas a unos personajes, se oye un estremecedor grito: «Shibaraku!», (que puede traducirse como «Un momento!»). El héroe aparece con estas pintas y explica su historia.

El maquillaje blanco con líneas rojas representa los sentimientos de un hombre que está invadido por una furia creciente. Y eso se ve en su rostro.

El artista Toyohara Kunichika estaba loco por el teatro kabuki y por ello basó buena parte de su producción artística en esta temática: actores kabuki y escenas de obras populares de la época. Su uso del color fue criticado por usar rojos fuertes y morados oscuros, pero como sabemos, esto influyó de manera notable en el arte moderno a mediados del siglo XIX.

Sabemos que Kunichika tenía dos grandes problemas: era alcohólico y mujeriego, y por ello sus matrimonios no duraron. Sin embargo todas las crónicas lo retratan con una personalidad abierta, amigable y sincera. Se habla también de mal estado en su apariencia, constantemente endeudado, y se cuenta a menudo tomaba prestado dinero de los actores kabuki que él describía con tanta admiración.

Un contemporáneo dijo de él: «El diseño de la impresión, el teatro y la bebida eran su vida, y para él eso era suficiente».

El entierro del conde de Orgaz

 

El entierro del conde de Orgaz

El camino del exceso artístico.

Retrato del artistaEl Greco

España, 1588

Museo: Iglesia de Santo Tomé, Toledo (España)

Técnica: Óleo (480 x 360 cm.)

Escrito por: Miguel Calvo Santos

El Greco pinta entre los años 1586 y 1588 este inmenso lienzo que representa el milagro acaecido en el año 1323, cuando San Esteban y San Agustín de Hipona bajan del Cielo para enterrar personalmente a Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de Orgaz. Así de bueno era el conde (aunque en realidad Gonzalo no era conde: Orgaz no fue condado hasta más tarde).

Cierto es que el noble fue el que construyó la iglesia y que pasaron dos siglos hasta que no lo pintó el Greco, pero ahí queda esta obra para inmortalizarlo para siempre. De hecho, es quizás «la mejor» obra del Greco

Una composición acojonante, dividida en dos partes muy diferenciadas: arriba y abajo.

Abajo están los dos santos recién bajados del cielo para depositar con sus propias manos el cuerpo pálido del noble en la sepultura, y observan este milagro un exagerado grupo de personas contemporáneas muchas de ellas al Greco. Aparece por ejemplo el hijo del pintor (de su bolsillo sale un papel con la firma del artista), y varios curas, frailes y caballeros vestidos de negro, a la moda de la época (esas gorgueras). Algunos miran la escena, otros nos miran a nosotros, y en total hay una excelente galería de personajes que componen lo que muchos consideran el mejor retrato en grupo de la historia del arte.

Hay quien quiere ver entre toda esa gente a Miguel de Cervantes, y es posible, ya que el escritor vivía en esa época en Toledo. Imaginad ir a la ciudad en 1588 y cruzarse con el Greco o con Cervantes…

Arriba, la atmósfera y el ambiente cambian radicalmente. Aquí vemos al Greco desatado. También hay una galería de retratos, pero esta vez están la Virgen, Jesucristo, muchos santos, ángeles y demás personajes de la Biblia. Todos pintados de forma ultra-manierista con el estilo inconfundible del pintor: figuras alargadas, escorzos extrañísimos, iluminación sobrenatural, colores brillantes…

Todo el mundo se quedó con la boca abierta con esta maravilla del Greco, sin embargo, para cobrar, el artista las pasó canutas. Los responsables de la iglesia de santo Tomé no quisieron pagar la suma estipulada, y el Greco se indignó, con razón. Regateando con los curas (y llegando incluso a oídos del papa) al final se le pagaron los 1200 ducados que pedía en un principio (unos 200.000 €), cifra ridícula si tenemos en cuenta que es una obra de arte de valor incalculable

Día 1 de la Odisea

Día 1 de la Odisea.

8 de marzo 1174 a C.

En la Odisea se describen diversos fenómenos astronómicos: un posible eclipse de sol en el canto XX, la aparición simultánea de las constelaciones de las Pléyades y el Boyero al anochecer, las posiciones en el cielo de Venus y Mercurio, la luna nueva...

Cruzando todos estos datos con el "Five Millenium Canon of Solar Eclipses" publicado por la NASA en 2006, y que describe todas las eclipses solares desde el 2000 a C hasta el 3000 de nuestra era, los investigadores Constantino Baikouzis, del Observatorio Astronómico de la Plata y Marcelo Magnático de la Rockefeller University de Nueva York, han aventurado que el eclipse mencionado en el canto XX habría tenido lugar el diecis de abril de mil 178 a C.

La acción de la Odisea empieza cuarenta días antes el 8 de marzo.

San Antonio de la Florida

La "Capilla Sixtina" de Goya.

Francisco de Goya

España, 1798

Museo: Ermita de San Antonio de la Florida, Madrid (España)

Técnica: Fresco ( Ø 550 cm.)

Escrito por: Miguel Calvo Santos

Esta obra está dedicada al milagro de san Antonio de Padua, un tío que en el siglo XII resucitó a un muerto en Lisboa para probar que su padre no lo había asesinado y así acallar las acusaciones contra él.

Pero como vemos, ni hay rastro de Lisboa ni estamos en el siglo XII. Es claramente el Madrid de su época como demuestran los muy diversos personajes vestidos a la moda de finales del XVIII. Casi no parece religiosa. Más que un milagro representa una de esas romerías madrileñas que tanto le gustaban al pintor.

Además apenas existe una jerarquía para destacar al santo, como era lo justo y necesario en una iglesia como Dios manda. Aquí Goya hace todo lo contrario, y ya no solo coloca a san Antonio a la misma altura que el pueblo llano, sino que pone a los ángeles en las pechinas (ya sabrán ustedes que una pechina es el elemento arquitectónico que une la base circular de la cúpula con la planta) en vez de en lo más alto.

Además, Goya representa a esos ángeles —que como buen teólogo sabe, no tienen sexo— de una manera explícitamente femenina, con coloridas alas que casi recuerdan a las de las mariposas.

Si exceptuamos las Pinturas negras, esta cúpula es la cumbre de la pintura mural de Goya. La galería de figuras se amontonan en este falso balcón, ideado para ser vista desde abajo. El artista hace uso del trampantojo para engañarnos y deja sus pinceladas más sueltas y libres que nunca.

 

La condesa de Vilches

Retrato de una dama decimonónica.

Federico de Madrazo

España, 1856

Museo: Museo del Prado, Madrid (España)

Técnica: Óleo (126 x 89 cm.)

• Escrito por: Miguel Calvo Santos
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Esta señora tan coqueta es Amalia de Llano y Dotres, AKA la condesa de Vilches (1821–1874), al parecer una de las mujeres más cool del Madrid de la época de Isabel II.

La aristócrata era una tía culta y dinámica, que participó activamente en la vida cultural de mediados del XIX y siempre se la veía rodeada de intelectuales, actores, músicos y pintores, entre los que estaba a todas horas su amigo Federico de Madrazo.

Aquí la pinta a los treinta y dos años, y es evidente la simpatía que sentía por la retratada. Eso lo sabemos también porque sólo le cobró la mitad de sus honorarios habituales, 4.000 reales. En la época, para situarnos, un jornalero cobraba unos nueve reales al día. Nos podemos hacer así una idea de lo top que era Madrazo como pintor.

No podemos dar fe de como era Amalia en realidad, pero a juzgar por cómo la retrata Madrazo, vemos a una mujer guapa, sonriente, inteligente y carismática. Y elegante, claro. Elegante al estilo francés, al parecer muy distinto de la elegancia española. Muy sutil, la señora.

Un retrato que casi podemos calificar de sensual, por que vemos a una dama en pose informal, sujetando un abanico como quien no quiere la cosa, mirándonos fijamente y rozando con gracilidad su mano en el mentón.