Keith (From Gimme Shelter)

Keith (From Gimme Shelter)

Elizabeth Peyton 2004

óleo sobre plancha 25,5 x 30,5 cm Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York

995 #1001pinturas 

Elizabeth Peyton (1965) forma parte de un grupo de artistas emergentes unidos por el deseo de reavivar una pintura figurativa de tipo tradicional. Los amables retratos de Peyton se permiten ser sentimentales y nostálgicos, si bien con un toque de modernidad por su obsesión por la fama y los medios de comunicación. Peyton confiere a sus cuadros, de pequeño formato, un cariz intimista, y representa caras en primer plano con el fondo recortado. Esta proximidad, que parte de fotografias de revistas de música y de moda, no está reñida con cierto distanciamiento, como si a Peyton no le interesara tanto el individuo en sí como su imagen En este caso, el «modelo, visto de muy cerca, es un Keith Richards compues to de pinceladas fluidas y sensuales, donde el negro azulado de la melena contrasta con la blancura de la tez y el rojo rubi de los labios, repetido en los anillos. Los ojos oscuros y la luminosidad de la piel intensifican la expresividad de la postura, presentando a Richards como un poeta romántico y un héroe andrógino La fuente original es una imagen de la película Gimme Shelter, documental sobre la gira de 1969 de los Rolling Stones. La cuidadosa trasposición al óleo de este fotograma tiene su patetismo porque ya se sabe que el concierto gratuito del grupo en Altamont, en los montes de California, tuvo un final violento que hoy se considera el certificado de defun ción de la utopía rockera de la década de 1960. La obra de Peyton encarna una nueva manera de abordar el re trato tradicional, y el artista mantiene una relación critica con un mundo sobrecargado de imágenes y creado y dominado por las nuevas tecnologías.

Madre 2004 Zhao Bo

Madre 2004

Zhao Bo 2004

óleo sobre lienzo 100 x 120 cm Chivese Contemporany Gallery, Londres

994 #1001pinturas 

Zhao Bo pertenece a un grupo de jóvenes artistas chinos, nacidos en su mayoría durante la revolución cultural o después de ella cuyo arte se centra en el lugar que ocupa China en el globalizado siglo XXI, sobre todo en lo que respecta a su influencia occidental En la obra de Zhao (1974), grupos de ciudadanos chinos y de iconografias de la cultura pop occidental se entremezclan con dinamismo en medio de los densos espacios de la ciudad contemporánea Hay un rasgo autobiográfico en estos paisajes: Zhao creció en Chongquing, el municipio más poblado del mundo. En su concepción de la vida de las calles de la ciudad no solo hay dinamismo, sino también algo un poco si niestro Madre 2004 está ejecutada con el singular estilo de Zhao propio de un cómic, exuberante de color y característicamente occidental. Aunque el titulo identifica a la mujer que se encuentra en el centro del cuadro por su papel familiar, hay poca intimidad en su retrato. Los miembros de la familia miran todos en diferentes direcciones con los ojos ausentes, cercanos fisicamente pero entre si El color magenta fosforescente de su piel les hace parecer parte del tejido urbano artificial tanto como los carteles de las vallas publicitarias y los cables del tendido eléctrico del fondo Estos últimos conforman un espacio desbordante de referencias tanto al consumismo occidental (como el anuncio de Adidas) como al pasado comunista chino, significado mediante la estrella roja de lo alto del friso del edificio. El lienzo transmite la sensación de opulencia claustrofóbica de la ciudad que muestra

Beldad girándose

Beldad girándose

Hishikawa Moronobu 1690

tinta y color sobre rollo de seda 

63 x 31 cm

Museo Nacional, Tokio

#1001pinturas 

Hishikawa Moronobu (1618-1694) suele ser considerado como el gran promotor del ukiyo-e, estilo japonés de grabado y pintura nacido en el período Edo. El ukiyo-e tuvo un gran auge como expresión pictórica del mundo del teatro kabuki, del barrio del placer de Yos hiwara y de otras escenas de la vida urbana, en muchas de las cuales aparecen actores y cortesanas. Al principio, la palabra ukiyo se usaba en el contexto religioso del budismo para designar la condición efímera de la vida humana, pero en el periodo Edo adquirió nuevas connotaciones, asociándose a lo efímero de la sociedad urbana La primera experiencia artística de Moronobu, nacido cerca de Tokio en el seno de una familia de bordadores, fue dibujar motivos textiles. Ya instalado en Edo (la actual Tokio), ilustró libros con xilografías y creó un nuevo lenguaje ukiyo-e con sus ilus traciones a página completa, independientes del texto al que acompañan Solia hacer grabados monocromos y pintarlos a mano, Beldad girándose es una muestra de un género dedicado a retratar a mujeres hermosas del período Kanbun. Las imágenes ukiyo-e pintadas a mano no eran los originales que se usaban para las reproducciones xilográficas, sino piezas únicas destinadas a la contemplación Pintando a la modelo de espaldas, Moronobu reproduce la moda del momento, visible en el peinado y los dibujos del quimono Los grabados ukiyo-e fueron una fuente de inspiración para el Art Nouveau y para muchos pintores impresionistas del siglo XIX europeo, como Vincent van Gogh y Claude Monet 

Bebé gigante Leonora Carrington

Bebé gigante

Leonora Carrington 1947

óleo sobre lienzo

Edward James Foundation 

Sussex, Reino Unido

779 #1001pinturas

Leonora Carrington nació en Inglaterra, en 1917, pero se la suele relacionar con su hogar adoptivo de México. Estudió en la Chelsea School of Arts en 1936, antes de asistir al estudio de Amédée Ozenfant. En 1937 cono- ció al surrealista Max Ernst, cuya obra la fascino Se fueron a Paris juntos, como amantes, pero al estallar la Se gunda Guerra Mundial Ernst fue encarcelado y ella se vio obligada a huir a España, donde padeció una crisis nerviosa En 1941 se casó con el poeta mexicano Renato Leduc Fue un matrimonio de conveniencia, y se divorciaron después de que ella se trasladara a México en 1942. Carrington se convirtió en figura fundamental del movimiento surrealista, y fue famosa por sus escritos tanto como por sus pinturas. Su obra escrita incluye dos piezas teatrales, Penelope y The Flannel Night Shirt, y su libro Memorias de abajo, que gira en torno a su vida sentimental y su crisis nerviosa. En Bebé gigan te, este sostiene un huevo en una mano, lo cual indica renacimiento, despertar espiritual y poderes misticos. Su diminuta cabeza sobre el gigantesco cuerpo y la masa remolineante de pelo rojizo dorado, casi solar, son de bebé y otorgan a la figura una sensación de estar perdida en mitad de un mundo hostil. Los enormes pájaros que vuelan en círculos alrededor de la figura y salen de debajo de su capa no parecen amenazadores sino que dan la impresión de protegerla, como si fue ran sus bebés. Pese a la insinuación de inseguridad, el bebé gigante domina el paisaje, oculta en parte hasta el poderoso sol y se cierne sobre la naturaleza, en forma de diminutos árboles a sus pies.

Thomas Eakins - La clase práctica de Goss

La clase práctica de Goss

Thomas Eakins 1875

Óleo sobre tela. 244 198 cm

Facultad de Medicina Jefferson. Universidad Thomas Jefferson, Filadelfia

Thomas Eakins nació en Filadelfia en 1844. Salvo los cuatro años que vivió en Europa durante su juventud, en los que estudió en Paris con Jean Léon Gérôme, y luego en España, donde pasó elbastantes horas en el Prado, trabajó toda la vida en su ciudad natal. Su primera obra muestra la influencia de Rembrandt, Velázquez, Ribera y los grandes maestros realistas franceses. Courbet y Manet. En la actualidad, se le considera el padre del realismo social americano. Eakins, además de producir un corpus artistico prodigioso, fue un famoso aunque algo excéntrico y agresivo profesor que insistió en la eficacia de la práctica del dibujo al natural para ambos sexos y tambien, en ocasiones, de recurrir a los desnudos

Eakins emprendió la ejecución de esta obra a gran escala, La clase práctica de Gross, tras regresar de Europa. Queria realizar un cuadro que llamara la atención y lo consagrara de inmediato como artista. La pintura, que plasma su estilo más españolizante, suscitó diversidad de opiniones. Hubo quienes afirmaron que era una obra maestra (la minoria) Pero otros (la mayoria) se sintieron sobrecogidos por su detallismo gráfico y la condenaron por su morbosidad y su mala educación Es una pintura dramática, tensa e inquietante, situada en el quirófano de prácticas de la Facultad de Medicina Jefferson, Filadelfia, donde Eakins estudió anatomia antes de marcharse a Paris. De adolescente, se sintió fascinado por la ciencia y por lo que consideraba un apasionado compromiso con la verdad objetiva. Había llegado el momento de pintar cuadros imbuido por esa misma pasión. Considerada desde este punto de vista, La clase práctica de Gross no solo refleja el interés de Eakıns por el conjunto de procedimientos de la ciencia médica, sino también su deseo de crear una manera de pintar absolutamente objetiva un nuevo realismo con trasfondo alegórico. 

Mientras la operación está en curso, el célebre cirujano y anatomista, el doctor Samuel David Gross (aferrando un escalpelo con dedos ensangrentados, reflejo del Arquimedes de Ribera que se expone en el Prado) se vuelve para tranquilizar a una mujer (posiblemente la esposa del paciente) que no puede soportar seguir mirando. A modo de contraste, en el plano del fondo, el artista encargado de plasmar visualmente la operación paso a paso (quizá el alter ego de Eakins) está completamente absorto en su dibujo y aparentemente desentendido de la gravedad de la escena que se desarrolla ante él

La clase práctica de Gross, obra muy controvertida desde el principio, tuvo que ser <rescatada por el mismo doctor Gross para poder legarla a la posteridad, quien dispuso que se colgara en un hospital militar y formara parte de una exposición sobre el tratamiento de las heridas de la guerra civil americana. En la actualidad, se considera una de las seis grandes obras maestras del arte estadounidense del siglo XIX. Así como Frederick Church habia introducido en la palestra americana cierta concepción de las ciencias naturales de cariz poético, respetuosa con el orden divino y muy del gusto del romanticismo tardio, Eakins aporto el enfoque de la ciencia, descarnado y politicamente escéptico, que había presenciado en la Francia posrevolucionaria. El artista buscaba una concepción moderna y secular de la ciencia y del arte en la que, aunadas, sirvieran de fuerza común para la liberación de la mente y el cuerpo De este modo, la figura del gran anatomista representa la inmensa capacidad del intelecto (la razón científica) para resolver los problemas humanos. 

Alegorías de la Música y la Prudencia.

 

Alegorías de la Música y la Prudencia. 

Hans Baldung Grien

1529 pintura sobre tablas de pino.

83 x 36 cm Alto pinakothek Munich.

#1001pinturas

Hans Baldung (1485-1545) adoptó el sobrenombre de Grien (grun, el color verde) cuando trabajaba en el taller de Alberto Durero, en Núremberg. Baldung, prestigioso pintor y grabador renacentista del norte de Alemania, recurre a composiciones complejas para plasmar el comportamiento humano en un estilo que más tarde recibiría el nombre de manierismo, en ruptura con el contenido pictórico y psicológico de la pintura del Alto Renacimiento. Su obra está formada por retablos, obra religiosas y retratos privados, pero en la parte final de su carrera se dedicó a pintar escenas legendarias, mitológicas e históricas (incluso de magia y brujería). Alegorías de la música y la prudencia plasma en dos paneles separados los grandes pilares de la alta cultura, mediante dos desnudos femeninos distorsionados. Aunando la precisión de un delineante con la densidad y peculiaridad de un artista de vanguardia, Baldung representa el cuerpo humano de un modo lindante con la grotesco. Las masas de carne son desproporcionadas pero elegantes, inconexas pero armónicas. El negro absoluto contrasta con el ocre claro de la piel y con el brillo de los verdes. La forma y la postura de la Música son claramente femeninas, pero está adopta una actitud intelectual, y el gestualismo de su cara, brazos y manos es masculino. La Prudencia píse a la serpiente de la tentación con una expresión torturada, como de santo, y su vientre prominente parece propio de un embarazada. Entre el paganismo y el cristianismo, Baldung representó la psicología humana y los valores civiles en una mezcla de fantasía desatada.

https://museodelarte.blogspot.com/2010/05/la-vanidad-vanity-hans-baldung-grien.html?m=1

Hans Baldung Grien

Pintadas sobre tabla con el evidente propósito de formar pareja. Ambas se hallan firmadas con monograma. El pintor ha utilizado la misma modelo para los dos desnudos, situándola en posición frontal y estática en el primer caso, y de ligero escorzo, con una pierna adelantada, en el otro cuadro. La interpretación de estas alegorías presenta muchos puntos oscuros, de modo que los títulos que se les asignan no satisfacen a todos los especialistas en iconografía. Para algunos, sería más apropiado pensar que Baldung trató de describir en estas doncellas la vida contemplativa y la vida activa; otros consideran que la mujer que se contempla en un espejo convexo –para descubrir la imagen de la muerte- no representa la Vanidad, sino la Prudencia. En cualquier caso, el lenguaje del pintor es críptico y, a no dudar, se halla basado en una simbología a la vez renacentista y medieval –pagana y cristiana-, cuyo sentido no podemos interpretar.

Edgar Degas - Plaza de la Concordia

Edgar Degas 1875

Plaza de la Concordia

Óleo sobre tela. 79 x 118 cm

Museo Estatal del Ermitage San Petersburgo

Existen numerosos testimonios del interés que Degas sintió por la fotografia. A pesar de ello, si miramos su Plaza de la Concordia resulta dificil creer que los rollos de pelicula y las cámaras portátiles todavia no se hubieran inventado y que las velocidades del obturador fueran terriblemente lentas. En este sentido, la pintura de Degas es una propuesta absoluta El pintor realizó una imagen instantánea mucho antes de que hubiera tenido la posibilidad de ver alguna. En la actualidad, podríamos llamarla una imagen construida la que se ha soñado con todo detalle antes de ejecutarla. El artista requirió la presencia de su amigo, el vizconde Ludovic Napoléon Lepic, para que posara con sus dos hijas y su viejo perro de caza. Degas los colocó e hizo varios estudios con ellos. Como ocurre con todas las imágenes construidas, la pintura plantea diversas cuestiones sobre las intenciones del artista ¿qué está intentando expresar exactamente y por qué adopta este particular modo de discurso?

Desde el principio, los impresionistas, como grupo, se preocuparon de representar la vida de la ciudad. Uno de sus temas preferidos, por ejemplo, fue la promenade del atardecer, con esas calles congestionadas vistas desde arriba, como en Boulevard des Capucines, de Monet, pintado en 1873, otro fue la gente en su tiempo libre, disfrutando de los espacios públicos, como en Música en los jardines de las Tullerias, de Manet, cuadro de 1862.

Pero Plaza de la Concordia difiere mucho de estas agradables vistas de la vida urbana. En la pintura de Degas, se advierte una profunda sensación de malestar que surge de la composición misma. Es un cuadro sin marco ni centro y representa a individuos a los que, del mismo modo, se les ha despojado de un punto de vista unificado o de un tema de discurso común. Si están disfrutando de la ciudad (toda vez que parecen más desconcertados que encantados) lo hacen con independencia de los demás

Un nuevo modo de mirar

La gran invención de Degas es la construcción de una mirada momentánea (una imagen fugaz) como un nuevo estilo de ejecución pictórica. En este sentido, Plaza de la Concordia tiene que ver con la fotografia y también con la vida urbana. Degas demostró a sus contemporáneos de finales del siglo XIX que la fotografia ya había modificado el modo de ver el mundo y que lo cambiaría todavía más en un futuro. Asimismo, Degas estaba convencido de que la pintura también tendría que cambiar si queria plantar cara al desafio que representaba la fotografia.

Claude Monet

Boulevard des Capucines, 1873-1874. Óleo sobre tela. 79.5 * 59cm

Museo de Arte Nelson-Atkins, Kansas City.

Edouard Manet

Música en los jardines de las Tullerías, 1862 

Óleo sobre tela, 76 x 118 cm. 

Galería Nacional, Londres.