Arte pop
(1956-decada de 1960)
Tras
el racionamiento y la austeridad de la segunda guerra mundial, en Europa y
Estados Unidos proliferaron la producción en serie y los medios de comunicación
de masas.
El
consumismo había llegado y algunos artistas residentes en Londres y Nueva York
decidieron utilizarlo como tema.
Basadas
en la cultura popular y comercial, sus creaciones se conocieron como arte pop,
la antítesis del expresionismo abstracto.
Las décadas de 1950
y 1960 fueron testigo en Gran Bretaña del fin del racionamiento de la guerra y
el inicio del boom consumista. Entre tanto, en la orilla opuesta del
Atlántico, Estados Unidos vivía una oleada de confianza y consumismo. La
producción en serie y los medios de comunicación de masas florecieron. Pese a
no tener voluntad de permanecer, ni siquiera de ser tomado en serio, el arte
pop ha devenido parte de la historia establecida del arte occidental y cambió
irreversiblemente la concepción del arte.
Símbolos
de consumismo masivo El arte pop surgió mediada la década de 1950 y alcanzó su cénit
a mitad de la de 1960. Se convirtió en una de las expresiones creativas de la
posmodernidad. Los artistas pop buscaban iluminar el deslustrado mundo de posguerra
y celebrar el futuro, así como asimilar la cultura comercial popular, desafiar
el arte abstracto y mofarse de la sociedad que había dado pie a dos guerras
mundiales. En cierto sentido, eran descendientes del dadaísmo, por su condena
del mundo del arte tradicional y «acartonado» y de la sociedad que lo alentaba.
Al utilizar imágenes y objetos comerciales, como tiras cómicas, dinero,
revistas, diarios, personajes famosos, anuncios, comida rápida, embalajes, música
popular, la televisión y el cine de Hollywood, los artistas también compartían
su fascinación por la cultura de masas contemporánea.
«This
is Tomorrow» En 1956, el Independent Group participó en una exposición en la
Whitechapel Gallery de Londres titulada «This is Tomorrow». Artistas,
arquitectos, músicos y diseñadores gráficos trabajaron en grupo mientras una
gramola sonaba sin cesar. El tema de la exposición era la vida cotidiana, y los
artistas y diseñadores se sirvieron de las imágenes y técnicas de la cultura
popular. Richard Hamilton creó un collage para el catálogo de la exposición a
partir de imágenes de revistas estadounidenses y lo tituló Just What is it
that Makes Today’s Homes so Different, so Appealing? La imagen, que incluía
la palabra «POP» en un gran pirulí rojo, se convirtió en un icono casi de
inmediato, pues era un retrato inmenso de la sociedad y la cultura contemporáneas.
«This is Tomorrow » se considera hoy un punto de inflexión en el arte de
posguerra, y el nacimiento del arte pop británico. Transcurrieron dos años antes
de que Lawrence Alloway usara la expresión «arte pop» en una edición de 1958 de
Architectural Digest para describir el uso que algunos artistas hacían
de imágenes de la cultura popular y el consumismo.
Al poco otros
artistas producían arte basado en las imágenes y los comportamientos de la
sociedad moderna.
En 1961, la muestra
«Young Contemporaries» en Londres presentó públicamente a artistas como Peter
Blake (n. 1932), Patrick Caulfield (1936-2005), David Hockney (n. 1937), Derek
Boshier (n.1937) y Allen Jones (n. 1937). Su obra era liviana y optimista, y
coincidía con el fenómeno de la música pop y la juventud que tenía lugar en el
«acelerado» Londres. Mientras, en Estados Unidos varios artistas se rebelaron
contra el dominio del expresionismo abstracto y empezaron a usar también
imágenes del materialismo, a menudo con procesos de impresión comercial, con el
fin de llevar el arte a un público más amplio. En 1962 se celebró una
exposición de arte pop en la Sidney Janis Gallery de Nueva York: la
«International Exhibition of the New Realists». Artistas como Claes Oldenburg
(n. 1929) produjeron maquetas gigantes y realistas de objetos cotidianos. Roy Lichtenstein
(1923-1997) pintó enormes imágenes a modo de tira de dibujos animados, Andy
Warhol (1928-1987) presentó imágenes serigrafiadas de celebridades, artículos
de consumo y recortes de prensa, y Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper
Johns (n. 1930) crearon pinturas y esculturas de símbolos del consumismo de
masas.
¿Aprobación
o desaprobación? Hubo arte pop crítico con la sociedad de consumo y lo hubo
favorable a ésta. No obstante, todos los artistas pop denunciaron sus personalidades
y crearon estilos objetivos con vistas a inspirar a los espectadores a
replantearse aspectos de las actitudes y los gustos populares que previamente
se habían considerado foráneos a los confines del arte. Así, James Rosenquist (n.
1933) y Warhol explotaron su bagaje comercial, eliminando la línea divisoria
entre el arte comercial y el Arte, e inspirandov nuevos métodos laborales
anteriormente considerados ajenos a las bellas artes. No existió un proceso,
método o estilo uniforme, pero algunos artistas pop incluyeron duplicados,
impresiones, pinturas, fotografías, collages y creaciones tridimensionales, con
frecuencia elaborados con materiales nuevos para el arte. Muchos críticos
quedaron horripilados al ver temas «bajos» presentados como arte. Pese a
compartir ambiciones y actitudes en su génesis, el arte pop jamás fue un
movimiento coherente y cada artista poseía su propio programa y planteamiento.
La mayoría de ellos respetaba las imágenes que tomaba prestadas. Aun así, hacia
finales de los años sesenta, el arte pop había perdido su capacidad de
sorprender y comenzaron a perfilarse nuevas tendencias artísticas en el
horizonte. Pero sus ideas contribuyeron a sacar el arte de sus círculos oficiales,
tradicionalmente reducidos y elitistas, y adentrarlo en el mundo moderno,
consumista y materialista.
El Independent Group
El Independent
Group (IG) fue un colectivo de artistas, arquitectos e intelectuales que se
reunió regularmente en el Institute of Contemporary Arts (ICA) de Londres a
partir de 1952. Sus debates sobre la modernidad y la cultura popular sirvieron
de fundamento para muchas ideas del arte pop. Entre los integrantes del grupo
se contaban Richard Hamilton (n. 1922), John McHale (1922-1978), Eduardo Paolozzi
(1924-2005) y William
Turnbull (n. 1922),
el crítico Lawrence Alloway (1926-1990) y los arquitectos Alison Smithson
(1928-1993) y Peter Smithson (1923-2003).
Dibujos animados
Una interpretación
contemporánea del arte pop al estilo cómic de Roy Lichtenstein, que inspiró a muchos
imitadores
Lichtenstein
acusaba una fuerte influencia tanto de la publicidad comercial como de los
cómics y explotó algunas de las técnicas utilizadas por los dibujantes de
novelas gráficas, como las composiciones teatrales, los encuadres marcados y
los escorzos. En 1961 empezó a pintar sus imágenes gigantescas al estilo de
dibujos animados, aplicando técnicas derivadas de la impresión comercial, sobre
todo grandes círculos de colores, para construir los colores y los tonos, a
semejanza de los puntos Benday de las imprentas. Los puntos Benday formanv parte
del proceso de impresión de cómics y se asemejan al puntillismo o los píxeles.
En las imágenes de
los cómics y los diarios se colocan puntos diminutos más o menos juntos para transmitir
la apariencia de colores y tonalidades.
La
idea en sintesis:
Creaciones coloridasbasadas en el consumismo
Popular, efímero,
prescindible, barato,
producido en serie,
joven, ingenioso,
sexy, efectista,
glamuroso y un
gran negocio.
Richard
Hamilton
La mayoría de los intelectuales no
sentíamos desaprecio por la cultura
comercial estándar, sino que la
aceptamos como un hecho, la debatimos
en detalle y la consumimos con
entusiasmo.
Lawrence
Alloway
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