Arte pop

 

Arte pop

(1956-decada de 1960)

 Tras el racionamiento y la austeridad de la segunda guerra mundial, en Europa y Estados Unidos proliferaron la producción en serie y los medios de comunicación de masas.

El consumismo había llegado y algunos artistas residentes en Londres y Nueva York decidieron utilizarlo como tema.

Basadas en la cultura popular y comercial, sus creaciones se conocieron como arte pop, la antítesis del expresionismo abstracto.

 

Las décadas de 1950 y 1960 fueron testigo en Gran Bretaña del fin del racionamiento de la guerra y el inicio del boom consumista. Entre tanto, en la orilla opuesta del Atlántico, Estados Unidos vivía una oleada de confianza y consumismo. La producción en serie y los medios de comunicación de masas florecieron. Pese a no tener voluntad de permanecer, ni siquiera de ser tomado en serio, el arte pop ha devenido parte de la historia establecida del arte occidental y cambió irreversiblemente la concepción del arte.

 

Símbolos de consumismo masivo El arte pop surgió mediada la década de 1950 y alcanzó su cénit a mitad de la de 1960. Se convirtió en una de las expresiones creativas de la posmodernidad. Los artistas pop buscaban iluminar el deslustrado mundo de posguerra y celebrar el futuro, así como asimilar la cultura comercial popular, desafiar el arte abstracto y mofarse de la sociedad que había dado pie a dos guerras mundiales. En cierto sentido, eran descendientes del dadaísmo, por su condena del mundo del arte tradicional y «acartonado» y de la sociedad que lo alentaba. Al utilizar imágenes y objetos comerciales, como tiras cómicas, dinero, revistas, diarios, personajes famosos, anuncios, comida rápida, embalajes, música popular, la televisión y el cine de Hollywood, los artistas también compartían su fascinación por la cultura de masas contemporánea.

 

«This is Tomorrow» En 1956, el Independent Group participó en una exposición en la Whitechapel Gallery de Londres titulada «This is Tomorrow». Artistas, arquitectos, músicos y diseñadores gráficos trabajaron en grupo mientras una gramola sonaba sin cesar. El tema de la exposición era la vida cotidiana, y los artistas y diseñadores se sirvieron de las imágenes y técnicas de la cultura popular. Richard Hamilton creó un collage para el catálogo de la exposición a partir de imágenes de revistas estadounidenses y lo tituló Just What is it that Makes Today’s Homes so Different, so Appealing? La imagen, que incluía la palabra «POP» en un gran pirulí rojo, se convirtió en un icono casi de inmediato, pues era un retrato inmenso de la sociedad y la cultura contemporáneas. «This is Tomorrow » se considera hoy un punto de inflexión en el arte de posguerra, y el nacimiento del arte pop británico. Transcurrieron dos años antes de que Lawrence Alloway usara la expresión «arte pop» en una edición de 1958 de Architectural Digest para describir el uso que algunos artistas hacían de imágenes de la cultura popular y el consumismo.

 

Al poco otros artistas producían arte basado en las imágenes y los comportamientos de la sociedad moderna.

En 1961, la muestra «Young Contemporaries» en Londres presentó públicamente a artistas como Peter Blake (n. 1932), Patrick Caulfield (1936-2005), David Hockney (n. 1937), Derek Boshier (n.1937) y Allen Jones (n. 1937). Su obra era liviana y optimista, y coincidía con el fenómeno de la música pop y la juventud que tenía lugar en el «acelerado» Londres. Mientras, en Estados Unidos varios artistas se rebelaron contra el dominio del expresionismo abstracto y empezaron a usar también imágenes del materialismo, a menudo con procesos de impresión comercial, con el fin de llevar el arte a un público más amplio. En 1962 se celebró una exposición de arte pop en la Sidney Janis Gallery de Nueva York: la «International Exhibition of the New Realists». Artistas como Claes Oldenburg (n. 1929) produjeron maquetas gigantes y realistas de objetos cotidianos. Roy Lichtenstein (1923-1997) pintó enormes imágenes a modo de tira de dibujos animados, Andy Warhol (1928-1987) presentó imágenes serigrafiadas de celebridades, artículos de consumo y recortes de prensa, y Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper Johns (n. 1930) crearon pinturas y esculturas de símbolos del consumismo de masas.

 

¿Aprobación o desaprobación? Hubo arte pop crítico con la sociedad de consumo y lo hubo favorable a ésta. No obstante, todos los artistas pop denunciaron sus personalidades y crearon estilos objetivos con vistas a inspirar a los espectadores a replantearse aspectos de las actitudes y los gustos populares que previamente se habían considerado foráneos a los confines del arte. Así, James Rosenquist (n. 1933) y Warhol explotaron su bagaje comercial, eliminando la línea divisoria entre el arte comercial y el Arte, e inspirandov nuevos métodos laborales anteriormente considerados ajenos a las bellas artes. No existió un proceso, método o estilo uniforme, pero algunos artistas pop incluyeron duplicados, impresiones, pinturas, fotografías, collages y creaciones tridimensionales, con frecuencia elaborados con materiales nuevos para el arte. Muchos críticos quedaron horripilados al ver temas «bajos» presentados como arte. Pese a compartir ambiciones y actitudes en su génesis, el arte pop jamás fue un movimiento coherente y cada artista poseía su propio programa y planteamiento. La mayoría de ellos respetaba las imágenes que tomaba prestadas. Aun así, hacia finales de los años sesenta, el arte pop había perdido su capacidad de sorprender y comenzaron a perfilarse nuevas tendencias artísticas en el horizonte. Pero sus ideas contribuyeron a sacar el arte de sus círculos oficiales, tradicionalmente reducidos y elitistas, y adentrarlo en el mundo moderno, consumista y materialista.

 

El Independent Group

El Independent Group (IG) fue un colectivo de artistas, arquitectos e intelectuales que se reunió regularmente en el Institute of Contemporary Arts (ICA) de Londres a partir de 1952. Sus debates sobre la modernidad y la cultura popular sirvieron de fundamento para muchas ideas del arte pop. Entre los integrantes del grupo se contaban Richard Hamilton (n. 1922), John McHale (1922-1978), Eduardo Paolozzi (1924-2005) y William

Turnbull (n. 1922), el crítico Lawrence Alloway (1926-1990) y los arquitectos Alison Smithson (1928-1993) y Peter Smithson (1923-2003).

 

Dibujos animados

Una interpretación contemporánea del arte pop al estilo cómic de Roy Lichtenstein, que inspiró a muchos imitadores

Lichtenstein acusaba una fuerte influencia tanto de la publicidad comercial como de los cómics y explotó algunas de las técnicas utilizadas por los dibujantes de novelas gráficas, como las composiciones teatrales, los encuadres marcados y los escorzos. En 1961 empezó a pintar sus imágenes gigantescas al estilo de dibujos animados, aplicando técnicas derivadas de la impresión comercial, sobre todo grandes círculos de colores, para construir los colores y los tonos, a semejanza de los puntos Benday de las imprentas. Los puntos Benday formanv parte del proceso de impresión de cómics y se asemejan al puntillismo o los píxeles.

En las imágenes de los cómics y los diarios se colocan puntos diminutos más o menos juntos para transmitir la apariencia de colores y tonalidades.

  La idea en sintesis:

Creaciones coloridasbasadas en el consumismo

 

Popular, efímero,

prescindible, barato,

producido en serie,

joven, ingenioso,

sexy, efectista,

glamuroso y un

gran negocio.

Richard Hamilton

 

La mayoría de los intelectuales no

sentíamos desaprecio por la cultura

comercial estándar, sino que la

aceptamos como un hecho, la debatimos

en detalle y la consumimos con

entusiasmo.

Lawrence Alloway